Bhad Bhabie és a zeneipar megosztottsága

Két teljesen különböző zeneipar létezik

A legtöbbünk nem is veszi ezt észre, pedig már régóta tart. Az egyik a tradícionális zeneipar. Én “Superstar Business”-nek nevezem, amelyet a főbb label-ek vezetnek. Egy ideje (nem meglepően) egyedül arra összpontosítottak, hogy hogyan lehet a legtöbb pénzt csinálni a legrövidebb idő alatt. Ebben az évben. Ezen a héten. Ezen a napon. Ebben a pillanatban.

A víziójuk és a stratégiai terveik egyre rövidülnek és rövidülnek. Annak az időnek már vége, amikor a Columbia Records kitartott két bukott teljes album mellett, mert hittek a művészben – mint például Bruce Springsteen-ben.

Mostmár a legnagyobbak nem is írnak veled alá, ha még nem bizonyítottál számokat mutogatva.

Ha még nem vesztetted el minden bizalmad a nagy label-ek kapcsolatban, most el fogod. Az Atlantic Records alárírt egy olyannal, aki nem is zenész. Nem egy rap művész. Nem is tehetségesebb, mint a következő 14 éves kölyök, aki nagyjából tud rappelni. De vannak követői, nagyon sok követői.

Ha múlt héten egy szikla alatt éltél, akkor nem hallhattad, hogy az Atlantic Records aláírt Danielle Bregoli-val (más néven Bhad Bhabie), aki kilőtte magát a sztárság felé a Dr. Phil-ben történő színes megjelenésével. A “Cash Me Outside” mém megszületett. Igazi Kardashian divattal több millió Instagram követőre tett szert.

Az Atlantic Records-ot nem érdekli a művészet. Nem érdeklik őket a zenészek. Nem érdeklik őket a művészek. Az Atlantic Records-ot csak a pénz érdekli.

Kapitalista társadalomban élünk, tehát ez mind rendben van, azt hiszem. Ne hidd azonban, hogy amikor aláírsz egy nagy label-nek, személyre szabott figyelmet kapsz, mert van valami művészi tisztaságod vagy integritásod. Vagy azért, mert azt hiszed, hogy a zenéd nagyszerű. Hacsak nem csinálsz nekik milliókat ebben az évben, ne is foglalkozz azzal, hogy besétálsz a főbejáraton.

Emlékezzünk arra, hogy Bhad Bhabi szerepel a Billboard Hot 100-on, de nem azért, mert van több millió rajongója. Azért, mert van több millió ember, akik látni akarták, hogy mi ez a felhajtás.

Jómagamat is beleértve. Nem kell lemezt vásárolnod, hogy megnézzed a felhajtást. Annyit kell csak tenned, hogy felmész a YouTube-ra vagy a Spotify-ra és meghallgatod a zenét ingyen. A Billboard követ minden stream-et. 1500 stream-elés egyenlő egy vásárlással. Azt rögzítsük, hogy ő az első a US Viral Chart-on a Spotify-on, de senki sem veszi meg a zenéjét iTunes-on, nem is került be a top 200 dalba.

Igen, van több millió Instagram követője, de ezek a rajongók inkább költik a pénzüket a kedvenc művészükre, mennek el koncertekre vagy vesznek tárgyakat nem iróniaként (pl.: “Cash Me Outside” póló).

Vagy lehet, hogy sok rajongója van. Ő egy emblematikus példája az amerikai kultúrának.

Mire is számítunk? Egy reality TV-s világban élünk, ahol az emberek azt hiszik, hogy bekerülhessen a zenei világba, ahhoz tehetségkutatót kell nyerniük vagy netes megjelenési nézettséggel kell robbantaniuk, hogy egy nagy kiadó aláírjon velük.

A valóságban ezek az utak nem egy tartós siker irányába visznek. A nagy kiadók is tudják ezt, de nem érdekli őket, eleve erre készülnek. A céljuk az üzlet, hogy pénzt csináljanak. A tehetségek felépítése nem cél, ne álmodozzunk.

És mi a másik zeneipar, ami e mellett létezik? A “New Music Business”, ami sokkal bátorítóbb a művészek számára.

Ez a világ teljesen a TMZ kultúrán kívül létezik. Ezek nem olyan dolgok, amiről az ilyen “kultúrális” oldalakon olvashatsz, de a Billboard-on sem sűrűn jelennek meg, mert nem nagyon szexik.

Ez a függetlenek ipara, a dolgozó művészeké. Nem az azonnal hírnév és siker motiválja őket, hanem az, hogy az ő középpontjukban a zene áll. És inkább építik a karriert, mint hogy a hírnevet üldözzék.

Több tízezer ilyen művész van, akik fenntartható karriert visznek és tisztes középosztálybeli (néha ennél is jobb) szinten élnek, akikről soha nem is hallottál. Róluk a TMZ és társai nem fognak írni.

Minden művész a Patreon-on, minden turnézó művész, minden IndeGoGo-s, Kickstarter-es művész ilyen. Az ilyen független zenészek abból élnek, hogy TV show-knak, reklámoknak és filmeknek zenéket licenszelnek. Nem egy út van a karrierhez ebben a világban, hanem száz és 95-öt még nem is hallottál. Egyikük sem úgy boldogul, hogy egy nagy kiadónak írt alá.

Ez az ipar, amiben élünk. A “New Music Business”-t nem támogatják a nagy kiadók, ez az egész a karrierről szól. Nem a vicces mémek monetizálásáról szól, hanem a kapcsolatok építéséről a rajongókkal.

Sok embert nem érdekel Bhad Bhadi, de senkit nem fog érdekelni (főleg nem az Atlantic Records-nál) 3 év múlva. Nem szép rosszat írni egy  tizenévesről függetlenül attól, hogy hogyan látjuk a sikerét. Ez a folyamat, amit látunk független a személytől és magát a rendszert írja le.

Egy aláírás egy nagy kiadóval nem a siker mércéje.

A 99%-a az aláíróknak elbukik (pl.: nem hozza az elvártat és bontják a szerződést), az esélyek ennél is rosszabbak, ha a tradícionális zeneiiparban próbálsz dolgozni. Jobb ha veszel egy lottó sorsjegyet.

Mindkét ipar létezik. Az egyiket a zenészek viszik és a saját karrierjüket építik. A másikat pénzéhes mogulok irányítják. Ne legyünk naívak, a művészek is pénzből élnek, de nem mindegy, hogy a zenélésen vagy a pénzen van a hangsúly. Te melyik világnak lennél a része?

Rengeteg dolog van, amit magadtól is megtanulhatsz és sikerre viheted a zenei karriered. A zenélésből meg lehet élni. Sztárok viszont csak kevesen lesznek!

Skeldar

Forrás: Digital Music News

Hogyan csinálj sikeres online mix show-t!

Amikor bárki tud mixet csinálni egy DJ szoftver segítségével, akkor van a legjobb ideje annak, hogy készítsünk egy mix show-t. Egyre többen stream-elnek, így egy mix show hídként szolgál a klasszikus mix lemez és a modern podcast-ok között, amely kombinálja azok elemeit. De mi is az igazi különbség a mix lemez és a mix show között?

A mix lemez több zene összefűzése, ami megmutatja a DJ a keverési, beatmatch és zeneválasztó képességeit. A mix show ugyanakkor a személyiséget jobban felfedi. A DJ mikrofont ragad és van, amikor a zenék keverése sem szükséges show elem. Ez egyfajta prezentáció arról, hogy ki is vagy a zenék kiválasztásán át és hogy hogyan rendezed őket egy komplett programba. A show-nak egységes egészet kell alkotnia, míg egy mix lemeznél ez nem elsődleges szempont.

A zene őszinte imádata

Ha ez nincs meg, akkor nem is érdemes nekikezdeni. A igazán jó show-nak, szívből-lélekből kell jönnie. Ha nincs meg belül az érzés, azt mechanikus, tanult módszerekkel nem lehet elfedni. A magával ragadó show kifejezi a DJ zene iránt szenvedélyét. Higgyél a zenében, amit játszol és akkor ösztönösen úgy fogsz beszélni, cselekedni, hogy ez kifejeződjön. Nem lehet több órás műsort csinálni úgy, hogy nem ismered a zenéket és nem élvezed a folyamatot. Érződik a mixen, ha nem a te személyiségedből jön, a közönséged is hamar észreveszi ezt.

Kommunikációs képesség

Néhány DJ-nek magától jönnek meg a megfelelő szavak, de ha nem, ezen lehet segíteni. Ha van szenvedély és érzed, mit kellene mondani, kis gyakorlással szavakba is tudod majd önteni. Ezért sem kell aggódnod, ha esetleg nem ez a legerősebb oldalad, hiszen ez egy fejleszthető képesség.

A beszédnél talán a legfontosabb, hogy közepes sebességgel, érthetően beszélj minimális szleng használatával. Az Internet világában a hallgatóság nemzetközi, így nem anyanyelvűekhez is el kell jutnia az üzenetnek. Kerüljed a barokkos körmondatokat, amik még anyanyelvű hallgatók számára is kicsit nehezen érthetőek. Kerek, egész mondatokat alkoss amennyire csak lehetséges, helyi akcentus nélkül. Nem egyszerű így kommunikálni, de ha egyszer ráérzel, külön odafigyelés nélkül is fog menni.

Alap hangszerkesztési ismeretek

Nélkülözhetetlen egy bizonyos DAW kezelési ismeret, e nélkül szinte lehetetlen boldogulni. Az egyik legelterjedtebb szoftver a DJ-k körében az Ableton Live, amelyet a rádió show-k, keverések elkészítésére is lehet használni, nem csak zeneíráshoz.

Nem szükséges kívül-belül ismerned a programot ahhoz, hogy keverd és szerkesszed a műsorodat. Az Ableton Live egy professzionális eszköz, amely számos zenei feladatra alkalmas, de ha egyszerűbb programmal szeretnél dolgozni, van egyéb lehetőség is. Az Audacity vagy a Reaper ugyancsak megfelelő a munkára, de akár mix lemezekre specializált programmal is lehet próbálkozni, mint pl. a Mixmeister

Az összeválogatás

A zene a lelke a show-nak, de önmagában nem lehet csak zenére alapozni. A zenék külön-külön lehetnek nagyon jók, de egymás mellett már lehet inkább csak rontanák az egymás által nyújtott élményt. A kiválasztásnál és összerendezésnél ügyelni kell, hogy túlságosan eltérő hatást nyújtó zenéket ne tegyünk egymás mellé vagy csak nagyon indokolt esetben. Itt is különösen fontos az úgynevezett szinergia. A számoknak egymást kell erősíteniük.

A lejátszásnál nem kell feltétlenül elejétől a végéig lejátszani egy számot. A kezdők gyakran elfelejtik, hogy nem a zenéket fűzöd láncba, hanem a zene által nyújtott hatást. Ha úgy érzed, hogy egy zene elért egy pontra, ahonnan tovább lehet vinni egy másik számra, akkor érdemes is továbbvinni. A show nem csak egy folyamatos felépülés, hanem akár több csúcspontból álló mű is lehet. Az első zene azonban nagyon fontos. Ragadja meg a hallgatót és mutassa meg milyen show-ra számíthat!

Előkészület és minőségellenőrzés

Elő-és utómunkálatot nem érdemes megspórolni. Nem kell a napközbeni munkádat otthagyni, de időt kell szánni erre a folyamatra, hisz nagyban befolyásolja az alkotás sikerét. A hangfelvételek minőségén, érthetőségén túl, egyéb tartalmi értéket is bele kell tenni a show-ba. A hallgatók szívesen hallanak információt a művészekről, a lejátszott számokról vagy akár a közeljövő zenei eseményeiről. Ezen információknk utána kell nézni és bele kell illeszteni a műsorba.

Megingathatatlanság

Abszolút semmi jövedelem vagy jogdíj nem származik egy mix show-ból. Az egész két dologra épül. A zene szeretete és egy befektetésre. Minnél több emberhez eljut a show, annál nagyobb az esélye a kitörésnek. Nagyon ritka, de akár szponzoráció is kilátásba kerülhet. A valóság azonban az, hogy egy mix show nem az a műfaj, hogy egyik héten elkészíted és a következő héten már jönnek a munkák. Ez egy hosszútávú befektetés.

A show nem más, mint a nemzetközi hallgatóság elérése. Amennyiben fellépéseid is vannak más országokban, könnyen belefuthatsz az elégedett hallgatóidba. Az effajta ismertség pedig mindig kifizetődik.

Armin van Buuren show-ja, a State of Trance hatalmas ismertségnek örvend, nagy marketingértékkel bír. Nem volt ez azonban mindig így. A State of Trance kinőtte magát, de volt is rá ideje, hiszen 2001-ben indult, de ez mind nem lett volna lehetséges Armin kitartása és szorgalma nélkül. A műsorokat végighallgatva megfigyelhetjük a zenei fejlődést is. Már ezért érdemes időt szánni egy mix show elkészítésére, hogy a képességeinket csiszoljuk.

Indulásnál ne foglalkozz a hallgatók számával két okból is. Ahogy fejlődsz, a műsor minősége is egyre jobb lesz, ami majd vonzza a hallgatókat. A műsort figyeli embereknek nem a számuk az igazán lényeges, hanem a minőségük. Egy visszatérő hallgató többet jelent, mint egy ember, aki csak belehallgat a műsorba. Visszatérő hallgatók esetén tudhatod, hogy valamit jól csinálsz! A többi már a kitartásod kérdése…

Ha kiváncsi vagy, hogy lehet Ableton Live-al podcastot készíteni akkor ajánljuk következő videónkat!

Iratkozz fel hírlevelünkre és kapj extra kedvezményeket kurzusainkból!

Martin Garrix és a pereskedés a Spinnin’ Records-zal

Martin Garrix és a Spinnin Records kapcsolata egy időben úgy volt leírható, hogy ők egy dinamikus duót alkotnak, de ez a viszony teljesen tönkrement.

Egy hosszú bírósági csatározás után Martin Garrix győztesként került ki az ügyből és megnyerte a zenéi jogait, amelyet eddig a Spinnin’ Records és a Music All Stars menedzsment cég kezelt. A döntés kora reggel, szeptember 20-án született meg egy dán bíró Garrix-ot támogató ítéletével. A felek közti szerződések semmissé váltak.

A producer 2015 nyarán indított pert a cégek ellen, amelyben 3.7 millió és 650 ezer eurót követelt a felektől, mivel ezen cégek “nem megfelelően viselkedtek”. A cégek reagáltak és szerződésszegés miatt Garrix-ot hibáztatták az elveszett 6.4 millió eurós jövedelem miatt.

Garrix-ot állítása szerint megtévesztették, hogy lemondjon a zenéi jogairól, amikor lemez és menedzsment szerződést kötött 2012-ben, amit 2013-ban megújított. Garrix ügyvédje, Oktay Düzgün, kifejtette, hogy érdekellentét állt fent, mivel mindkét céget Eelko van Kooten vezette, aki zaklatta és zsarolta a fiatal producert és az apját, azt állítva, hogy ez a ajánlat kombináció az egyetlen lehetőségük.

A bíró Lelystad bíróságán Hollandiában Garrix javára döntött, kimondva, hogy valóban ellentét volt az érdekek között és ezt Van Kooten csökkenthette volna egy harmadik fél bevonásával. Ehelyett Garrix érdekét az új szerződésben a Spinnin’ Records-zal a Music All Stars képviselte, amelynek célja az volt, hogy visszaszorítsa Van Kooten érdekeit.

Garrix nagy győzelmet aratott, visszakapta jogait az olyan nagy zenék fölött, mint az “Animals” és az ún. fonogrammok felett is. A Spinnin’ Records szóvivője elmondta, hogy még alaposan áttanulmányozzák a döntést, hogy megértsék, hogy miről is szól az 56 oldal és hogy meghatározzák sikeresek voltak-e.

Ez a hír hetekkel azután jött, hogy Van Kooten a Spinnin’ Records-ot eladta a Warner-nek és elhagyta a céget. Bár nincs részvénye már a cégekben, Van Kooten elmondta, hogy azért követte az eseményeket. Az ügy “továbbra is az érdeke”, ahogy ő fogalmazott. A döntés még friss, de komoly hatása lehet, mivel a Spinnin’ Records és a Music All Stars sok éven át olyan label-ekkel működött együtt, amelyeknél olyan nagy nevek vanna, mint Tiesto és Don Diablo.

A cikk időpontjában még nincs információ arról, hogy Garrix kérése, hogy a jövedelmet visszamenőlegesen utalják, teljesült-e.

Garrix csapata is kiadott egy közleményt:

Boldog vagyok a kimenetelt illetően.” – mondja Garrix, “Nem csak magam miatt, hanem a többi DJ és producer miatt is, hisz ez az ügy nem csak rólam szólt, hanem minden művészről.

Iratkozz fel hírlevelünkre és kapj extra kedvezményt kurzusainkból!

Skeldar

Forrás: Dancing Astronaut

Miért hangzik minden mai zene hasonlónak?

Képzeljünk el egy zenei receptet. Tudnánk-e különbséget tenni egy mesterséges anyagokból készült zene és egy házi alapanyagokból összerakott alkotás között? A konzerv paradicsom ugyanúgy paradicsom, de talán sosem tudnád meg, hogy mit hagysz ki, amíg meg nem kóstolsz egy “tökéletlen”, nem szabályos formájú, kicsit napfoltos paradicsomot.

Greg Ellis dobos elkezdett úgy gondolkodni a zenéről, mint az ételről, egy olyan valamiről, amit a fülünkkel fogyasztunk el a szánk helyett. Úgy gondolja, hogy manapság az emberek a McDonald’s-cal egyenértékű zenét fogyasztanak: feldolgozott, tömegtermék, korlátozott ízvilággal.

A hallásbeli lágyságnak köze van a technológiához. Egy producerrel kezdődik, aki a számítógépre hagyatkozik egy élő hangszereléssel dolgozó zenésszel ellentétben, amely a végén olyan eszköz lesz, amely kivágja a stúdióban rögzített dinamikát a zenéből. Ellis, aki olyan filmek hátterében dolgozott, mint az Argo, Godzilla, Mátrix-sorozat, bemutatja ezt a jelenséget a “The Click” című dokumentumfilmben.

Mi is az a klikk?

A klikk az egy digitális metronóm, amit a zenészek figyelnek miközben felvételt készítenek, hogy biztosítsák a pontos tempótartást. Ez az egyszerű és manapság mindenütt jelenlévő megoldás alapvető hatással van arra a zenére, amit hallgatunk.

A klikket eredetileg a precizitás és kohézió biztosítása céljából használták. A tökéletes egységesítő hatása miatt minden zenei résznek követnie kellett. Az eredmény az lett, hogy az énekesek, hangszeresek és dobosok esetén az elvárás az lett, hogy hangozzanak úgy, mint a gépek. Ha egy vokalista kicsit elcsúszott, az auto-tune megoldotta. Ha a basszus nem volt szinkronban a dobossal, egy szoftver szinkronba hozta őket. Természetesen ilyen akkor van, ha élő zenészek dolgoznak az alkotáson. Nagyon sok pop, hip-hop és R&B hangmintákat és szintetikus hangokat használ, amit számítógépek generáltak.

Ellis szerint már nincs annyi lehetősége, mikor a dobos részeket készíti el. Habár dobolt olyan nevekkel, mint Billy Idol, Mickey Hart és Beck, a producer – aki nem tud annyit a dobokról – gyakran már megcsinálja az ő részét is, mielőtt beérne a stúdióba, majd elvárja, hogy pontosan a klikknek megfelelően játsza azt el. Gyakran csak annyi a feladat, hogy néhány részletet játsszon el majd a többi másolás-beillesztéssel megoldják, ezzel csökkentve a variációk számát, dinamikát és a a zene díszességét.

Ennek nagy hatása lehet a zene élvezhetőségére. Vannak olyan tudományos mérésekből adódó jelek, amelyek a hallgató számára váratlan dolgok értékét taglalják. A zene az agy elülső részének idegpályáit izgatja, mondja Daniel Levitin (neurobiológus), a “This is your brain on music” című könyv alkotója. A komponáló feladata, hogy olyan élvezetet hozzon, amire nem számítunk.

Kreatívabbá teszi-e a technológia a zenét?

Ellis úgy gondolja, hogy népszerű zenealkotási módszerek elfojtják a kreativitást. “Nem kiáltok rá senkire, aki felszerelést használ, a felszerelésre kiáltok rá, aminek hagytuk, hogy diktáljon az érzékeinknek a zenével és idővel kapcsolatban. Van egy olyan érzés, hogy mikor szemben állsz a valódi dologgal, az valójában rosszul esik az embereknek.” – mondja Ellis. “Mindenki hozzászokott a precizitáshoz és hogy minden pont klikkre történik és auto-tune minden dal.” – ért egyet Petros, egy prodcuer Los Angeles-ből, aki olyan sláger előadókkal dolgozott, mint a One Direction, Enrique Iglesias, és Dillon Francis. “Ha a felvétel nem ilyem módon történik, akkor a hangzás el lesz csúszva.” Fontos megjegyezni, hogy Petros és más producerek üdvözlik a technikai újításokat és nem negatívumként kezelik. A teljesen automatizált dob track-ek olcsóbbak, könnyebbek és precízebbek és bizonyos helyzetekben nagyobb kreativitást tesznek lehetővé.

Egy élő dobossal a producernek korlátozott számú han áll rendelkezésére, amiből választhat, míg egy programmal könnyen és gyorsan kikísérletezheti azokat az opciókat, amikkel a hang pont jól szól. Petros szerint a legtöbb barátja, akik producerek a zenei iparban, nem is tudják hogyan kell élő dob szetteket felvenni. Jelentős számú embernek, akiknek a zenéi a Billboard Hot 100-on vannak, nem is rendelkeznek semmilyen zenei képzettséggel. De talán szükségük is van még erre?

 

 Tetszik a poszt érdekel a zeneírás? Akkor gyere el bemutató napunkra!

 

Edward Sharpe és a Magnetic Zeros énekese, Alex Ebert azt mondják, hogy túl könnyű bárkinek is zenét készítenie számítógéppel és ingyenes szoftverekkel. Következésképp jelen van egy tagadhatatlan csökkenés azok arányában, akik mesterszintre fejlesztették a zeneírást azok között a zeneszerzők között, akiknek számai a toplsitákon szerepelnek. Kifejtette, hogy nem technológia-ellenes: a technológia tette lehetővé az olyan albumok születését, mint a The Beatle – Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, Jimi Hendrix – The Jimi Hendrix Experience, and Pink Floyd – The Dark Side of the Moon. A technológia felhasználása, mint mankó a zenei sikerhez, ami igazán probléma.

Nem mindenki ért egyet ezzel. Robert Margouleff, egy felvételi mérnök, aki leginkább Stevie Wonder albumainál használt szintetizátorok forradalmi használatáról ismert, a laptopot a mai idők népzenei hangszerének nevezte. Olyan újítóknak, mint St. Vincent és Bon Iver, tette lehetővé új élmények és albumok elkészítését. A technológia az új belépőknek is lejjebb tette a belépési küszöböt, hogy akár a hálószobában is valami mesterit alkothassanak.

De mi van a fogyasztókkal? Ahogy a zene egyre mechanikusabb lesz, hogy fog ez hatni az emberek élményére, akik fizetnek érte a Spotify előfizetésükkel?

Hogyan változtatja meg a zenét az eszköz?

Ez a technológia nem áll meg a zene elkészítésénél. Ellie úgy gondolja, hogy ahogy a zene csomagolva van és hallgatjuk csak távolabb visz minket a meleg, jó vibrálástól, amiért eredetileg a zenéhez fordultunk. “Sok veszteség van, miután a zene elhagyja a stúdiót.” – fejti ki az USC professzora, Chris Kyriakakis. “Onnantól kezdve lejtmenet van.”

A mérnökök tömörítik a melódiákat, hogy fájlokat készítsenek belőlük az eszközeink számára. A tömörítésnél információ azonnal elveszik és további veszteség van attól függően, hogy milyen eszközökön játszuk le a zenét. Ez olyan, mint egy paletta, amely fokozatosan visszavált alapszínekre. A zenehallgatás fejhallgatón keresztül, amely nem illeszkedik jól a fülünkre vagy egy okostelefon hangszórója több frekvenciát is kivág a gitárból, basszusból, dobokból, vagyis egy még inkább lecsupaszított verzióját halljuk annak, amit eredetileg a zeneszerző megálmodott.

 

Vannak törekvések, hogy ezeket a veszteségeket csökkentsük. Például a Spotify finomhangolta a teljes zenei könyvtárának hangerejét annak érdekében, hogy visszahozzon valamit az eredetiből, amit a tömörítés elvett. Bruno Romani így írt a Motherboad-on: “Amikor a túlzott tömörítés történik, az mindent hangosabbnak tüntet fel, amely végülis a zene dinamikájából lop. Ez olyan, mint egy hangos barátot hallgatni, aki mindig kiabál, amikor részeg. Azon kívül, hogy zavaró, monotonná is válik.”

Melyik típusú zene jobb számunkra?

Talán nem tapasztaljuk meg a zene teljes kifejeződését, de vajon valóban a mechanikus zenének más hatása van az agyunkra?

Levitin (neurobiológus) szerint még nem tudjuk, hogy a valódi hangszereken készült zenének jobb gyógyító hatása van-e mint a klikkek készültnek. Amit tudunk az az, hogy függetlenül a zene készítési módjától, egy tartós ritmus transzba helyezi az embert és süti ki a neuronokat a zene ütemére. Ez a transz-állapot segít relaxálni és olyan látásmódot ad, ami normál esetben nem lenne meg.

Levitin ugyancsak részt vett egy tanulmány elkészítésében, amely kimutatta, hogy az emberek, akik együtt hallgattak zenét, az agyhullámaik szinkronba kerültek. A hipotézis szerint egy koncerten a résztvevők több empátiát és kötődést éreznek, ha látják is a zenészt. Ellis is ezzel vitatkozik, mivel ez hiányzik a napjainkból, YouTube-on élő fellépések felvételeit nézzük egy pici képernyőn miközben munkába igyekszünk.

A The Click című filmben Ellis a Sado szigetről, Japánból kiindulva körbeutazza a világot Dél-Amerikáig, hogy megválaszolja ezeket a kérdéseket. Mesteri dobosokat és közösségeket látogat meg, amelyek elkötelezték magukat a dobolás mellett és akiknek ez egyfajta katarktikus és rituális kifejeződés. Megpróbálja kideríteni, hogy mi veszik el, amikor a rádióhullámokban a “túl tökéletes” zenék dominálnak.

Skeldar

Forrás: QZ

Tetszett a post iratkozz fel hírlevelünkre és kapj extra kedvezményeket!

Hamarosan a Youtube-on: “Mit nézzünk?”

A videómegosztó portál művész és kiadó promóciókat tesz az ajánlási mátrixba. Valahányszor a Youtube videót ajánl a több, mint 1 milliárd havi látogatójának, hogy mit nézzenek meg következőként, mindig a nézők ajánlásai szerint teszi ezt, akik már látták a videót. Ebben az évben azonban bevezet egy új elemet az ajánlati rendszerébe. A nézők már javaslatként a kiadók ajánlatait is látják majd, ezzel a lépéssel már nem csak a nézők pörgethetnek fel videókat.

A Youtube zenei vezetője, Lyor Cohen szerint “Finomhangoljuk az ajánlásokat, hogy a sok tényező mellé, amit az algoritmus számba vesz, a művészek és label-ek promóciós aktivitását is beillesszük.” A zenei veteránnak nagy tapasztalata van a kiadói oldallal kapcsolatban, hiszen maga is 2012-ig vezető volt a világ harmadik legnagyobb lemezkiadójánál, a Warner Music Group-nál.

“A cél az, hogy új zenét tegyünk a jövendőbeli fogyasztók elé”, ahogyan a Lyor fogalmaz.

A rajongó, aki nem hallgat mást csak Michael Jacksont a 80-as évekből, a Youtube a jövőben lehet ajánlani fog neki újabb pop zenéket művészektől, mint például Bruno Mars. Ez a lépés építeni vagy rombolni fogja-e az élményt még nem tudni és az ajánlati track listák is elég zavarosak. A rádiók szűkös, ismétlődő listáik megszenvedhetik a túl nagy promóciót. Nagyobb kiadók dominálhatják a toplistákat azzal, hogy túlköltekeznek, ezzel a kisebb kiadókat és művészeket ellehetetlenítik. A múltban ennek a kivédésére 1950-től törvényt hoztak, hogy az úgynevezett “payola” módszert visszaszorítsák. A rádióknak kötelező nyilvánosságra hozni, ha egy zene lejátszásáért pénzt kapnak és jelezni kell, hogy éppen most miért játszák le a zenét.

A nagy kiadók most is dominálják a toplistákat és a streaming piacot a listáikkal, többek között a licenszelési megállapodások miatt, amit olyan cégekkel kötöttek, mint a például a Spotify, hogy legyen garantált, promóciós idejük a zenei kategóriákban. A Spotify azonban az olyan előadókat is próbál felszínre hozni, akik már maguktól megszerezték a kezdő lendületet. Az Apple ugyancsak közeli kapcsolatot ápól a nagyobb kiadókkal, de promótál más zenéket is, mint például Frank Ocean 2016-ban megjelent albumát a Blonde-t, az R&B zenész első albumát miután elhagyta az Universal Music Group-ot.

A Youtube azt várja, hogy a kiadók prioritásait hozzáadva az algoritmushoz javítani fogja a felhasználói élményt azáltal, hogy az új, hallgató által valószínűleg kedvelhető zenéket gyorsabban a felszínre hozza. A jelenlegi rendszerben a Youtube-nak több nap kell, mire ajánlani kezdi az újabb zenét a rajongónak. Ha a felhasználó nem nézi meg vagy kihagyja a kiadó által promótált videót, akkor a rendszer nem fogja többet felhozni neki. Számos további tényező, mint a nézési szokások tovább fogják finomítani a felajánlott listát az új rendszerben. Az elképzelés szerint ez a rendszer nem fogja előnyben részesíteni a nagy kiadókat és zenészeiket.

Tetszik a poszt érdekel hogyan fejlődik a zeneipar? Akkor gyere el bemutató napunkra!

A világ zenei és technológiai ipara egyre inkább találkozik és a zenei streaming segítségével újra mozgásba hozza a zeneipar szekerét, hiszen az Internet megjelenése óta folyamatosan esnek a lemezeladások és zeneletöltések. Bár a technikai emberek inkább a felhasználói alapú ajánlást részesítik előnyben, a kiadók érthető módon saját maguk akarjuk megszabni, hogy mi legyen a “menő”. Ezt a két érdeket kell összekapcsolni.

A Youtube irányváltása lehet az első lépés afelé, hogy a kiadók jobban kiaknázhassák a Youtube masszív nézettségét, hogy zenét adhassanak el. A portál ugyan kísérletezett promóciós kampányokkal, de azok sosem voltak kiadó méretű marketing gőzhengerek. Jelenleg a Youtube nézettségének 80% az ajánlásokból jön, így komoly erő rejlik ennek irányításában. Jelenleg a Youtube a kiadók szemében inkább akadály a növekedésük előtt, hiszen a rajongók bármilyen zenét meghallgathatnak ingyen, ahelyett, hogy CD-t vennének, letöltenének vagy streaming szolgáltatásra fizetnének elő. A Youtube ugyan 4 milliárd dollárt fizetett a reklámbevételeiből a zeneiparnak az indulása óta, de a zeneipar vezetői szerint ez egy pici összeg ahhoz képest, amennyi a meghallgatások után szerintük járna. és kompenzálná őket az immáron évtizedes hanyatlásért.

A BMG szerint ugyan a Youtube partner szeretne lenni, de az új marketing eszközök biztosítása nem elegendő. Egy igazán értékes partnerséghez az szükséges, hogy a Youtube jelentősen növelje a zenei jogdíjakból adódó összeget, mielőtt bármi másra is fókuszál.

Tetszett a post?

Iratkozz fel hírlevelünkre egyedi kedvezményekért!

8 tipp a sikeres zenei együttműködéshez

Jimmy Edgar és a Machinedrum JETS duós tapasztalatain alapuló útmutatóról olvashattok, amely a többi művésszel folytatott kollaborációt segíti. A duónak első kézből származó tapasztalata van, hogyan kell együttműködni a többi művésszel, hiszen ők maguk is csak úgy tudnak összedolgozni, ha bizonyos dolgokra ügyelnek.

1. Építs bizalmat!

 

Mindennek az alapja a bizalom és ez különösen igaz, amikor közös munkáról van szó. Könnyű szokásokhoz kötni magad, ha egyedül dolgozol, ezért fontos, hogy megbízz bennük, ha kreatív döntést kell hozni. Ez minden bizonnyal nem lesz könnyű az elején, azonban nagyszerű dolgok születhetnek, ha hagyod a másikat tenni a dolgát. A bizalom nem jön könnyen, dolgozni kell érte.

– Mi évek óta ismerjük egymást. Egy éjszaka találkoztunk 2001-ben egy klubon kívül, ahol két közös barátunk játszott. Azon az estén, amikor még csak 17 és 18 évesek voltunk, megerősítettük barátságunkat “wet dreams in Tokyo during our first trip abroad”. Ez a bizalomépítés hosszú folyamatának kezdete volt barátokként, ami oda vezetett, hogy kényelmesen éreztük magunkat, amikor együtt kezdtünk el dolgozni. Úgy gondoljuk, hogy fontos, hogy barátok legyünk egy zenei projektben, mert hogy dolgoztunk emberekkel, akik nem feltétlenül voltak barátok és általában nem működött jól az egész munkafolyamat. Elsősorban kedveld a másikat és e felett gyakran elsiklanak, mert amikor a pénzkeresés bejön a képbe, a barátság nem mindig prioritás.

2. Kommunikáció!

 

Az együttműködés alapjában véve a kommunikáció egy formája ah ez megakad, akkor nagyban befolyásolja a munkát. Mindig személyesen kezdünk el és fejezünk be egy projektet. Ha egy ideig magunk vagyunk, anélkül, hogy azonos helyen dolgoznánk vagy beszélnénk egymással telefonon az ötleteinkről, akkor hajlamosak vagyunk drasztikusan más irányokba elmenni és a legjobb ilyenkor felhívni a másikat és kitalálni, hogy mit is kell végülis csinálni. Sok pszichés dolog jelentkezik, amikor a kreatív zónánkban vagyunk. Vannak pillanatok a stúdióban, amikor mindkettőnknek ugyanaz az ötlete van vagy észrevesszük, hogy valamait változtatni kell és csak megcsináljuk. A telepátia ugyancsak bejön a képbe, ha megértéssel és bizalommal teli atmoszférát hozol létre, így mindketten kimondjuk, amit érzünk. Valamilyen mágia által vagyunk vezetve és ha egyikünk ki akar javítani valamit, a másikunk már dolgozik rajta .Ez olyan, mintha a zenészek megnyílnának az emberek felé, és vibrációt adnak ki magukból.

3. Tiszteljétek egymást!

 

Egy dolog, amiről sokat beszélünk, az a másik tisztelete, mint zenész és művész. Egymás zenéinek a rajongói vagyunk, ezért igazán kiteszünk magunkért, hogy a legjobbat hozzuk ki magunkból a közös munka során. Mindketten megpróbálunk hatást gyakorolni a másikra, amikor együtt dolgozunk. A kölcsönös tisztelet segít nagyszerűséget elérni az együttműködésben, mert többé-kevésbé nem akarod cserben hagyni a másikat. Gyakran játszuk egymást új zenéjét a szóló projektjeinkben, ami mindig hat ránk. A felvételeink szemléjénél az emberek gyakran tévednek abban, hogy ki mivel járult hozzá a track-hez, ami azért érdekes, mert észrevettük, hogy egymást közvetítjük , amikor zenét készítünk. Más szavakkal, nem lépünk be a stúdióba, hogy a saját dolgunkat csináljuk, hanem gyakran a másik stílusát csináljuk! Nem teljesen természetesen, de a lényeg, hogy a tisztelettel lépve a stúdióba nagy dolgokhoz vezet el minket.

4. Érezd jól magad!

Legyen minden szórakoztató, mert különben nincs értelme. Nem lennénk a stúdióban, ha nem éreznénk jól magunkat 24/7 és nem töltenénk annyi időt túrnézással, ha nem mindig szórakoznánk. Ha erőlködsz, hogy megtaláld a mókát, talán vissza kell inkább menned a tervezőasztalhoz. Mi mindig viccelődünk és néha még a zenét is humoros irányba visszük el. Sokszor meg is tartjuk, mert megnevettet és mosolyra késztet minket, akkor azt sikernek értékeljük. Van amikor a legjobb dallamok akkor születnek, amikor vesszük túl komolyan magunkat és vidámságot és mosolyt viszünk bele. Szerencsések vagyunk, hogy meg tudjuk egymást nevettetni és a dolgokat jókedvűnek megőrizni, még akkor is amikor őrült határidőink és korlátozott stúdióidőink vannak. Jó szüneteket tartani és vicces videóakt nézni a Youtube-on, vagy bármit, ami kapcsolódik Timhez és Erichez, akiket mi komédiaisteneknek tartunk. Ez megerősít minket és lazább hangulatot teremt a stúdióban, főleg szoros határidők idején.

5. Teremts jó környezetet!

A környezet fontos,de legyél óvatos, hogy ne fojtsa el az alkotó folyamatot. Mi mindig törekszünk fejleszteni a környezetünket, de mégis mindig hotelszobákban fejezzük be a track-jeinket. Nincs problémánk azzal, hogy AUX bemenetet használjunk a TV-n vagy laptopon. Habár sokkal produktívabbak vagyunk stúdió környezetben, hisz tudjuk változtatni a szerepeket, így a dolgok nem lesznek monotonak és kimerítőek.. Például, 30 percig egyikünk a számítógépen programmal szerkeszt és bámulja a képernyőt, a másikunk pedig billentyűkön játszik egy modulár patchen dolgozva vagy csak erősen figyel. Majd egyikünk közbeszól és szerepet cserélünk. Ez frissen tartja a dolgokat és így szuperhosszú stúdiómunkákat tudunk csinálni.

6. Alkalmazkodj!

 

Az együttműködés alkalmazkodásért kiált. Légy folyadék, ami kitölti a projekt “tárolód”. Mindig szeretjük ellenőrizni egymást és nem hagyni, hogy az egó közbeszóljon és gyakran cserélünk, hogy hagyjuk a másik felet azt csinálni, amit akar, de közben mi tartjuk az ötletünket a vízióval párhuzamosan. Voltak periódusok, amikor ugyanabban a városban éltünk és évek, amikor kontinenssel elválasztva éltünk. Mindkettőnk élete nagyon sűrű a szóló karrierünk miatt és ennek eredményeképpen fontos, hogy alkalmazkodjunk a változásokhoz és akarjunk időt szakítani arra, hogy átnézzük a projekteket.

7. Legyen víziód!

Legyen víziód, még ha az nagyon egyszerű is. Segíthet kitalálni, hogy mit is akarsz igazából csinálni, és ez sokkal egyszerűbb, mint ahogyan hangzik. A legtöbb ember ezt csinálja, de jó dolog, ha ez tudatosul. Néha szeretjük leírni a zenét más érzékekkel, hogy belekerüljünk abba hangulatba. Alternatívaként elképzelünk egy mozgó képet vagy videót, hogy elinduljunk. Az alapötlet, hogy hozzunk létre egy világot, amibe teljesen bele tudunk lépni. A vízió jöhet inspirációból, így mi mindig kitesszük magunkat új zenék, művészet és filmek hatásainak. Más időkben pedig a vízió közvetítési folyamat során jön. Megnyitjuk magunkat a kollektív tudatnak és hagyjuk magunkat, hogy az univerzális ötleteket összekössük a sajátunkkal.

8. Fejlessz ki egy élő koncepciót!

Folyamatosan gondolkodunk azon, hogy a zenénket különböző módokon mutassuk be. Van, amikor egy olyannal jövünk elő, hogy egy élő fellépésen mutatjuk be képességeinket hangszereken és élőben alkotjuk újra zenéinket. Máskor pedig úgy gondoljuk, hogy alkalmasabb, erősebb és szórakoztatóbb egy back-to-back DJ szettet csinálni, mert a hallgatóságnak és egymásnak fogunk játszani. Amikor mixekre kerül a sor, szeretünk a dobozon kívül gondolkozni. Ahelyett, hogy összedobnánk egy gyors mixet azokból a zenékből, amiken éppen dolgozunk, szeretnénk inkább mélyebbre menni. A nagy mennyiségű megjelent és nem megjelent anyagaink miatt azt vettünk észre, hogy nagyon ütős, ha csak ezeket a zenéket tesszük be. Szeretünk a mixekre egy mix kazin vagy a beat tape stílusra gondolni. Talán lesz még idő addig, míg a világ láthatja egy JETS album elkészültét, így az lesz a legközelebbi, amennyire csak közel kerülhetsz hozzá.

Skeldar

Iratkozz fel hírlevelünkre és kapj extra kedvezményeket kurzusainkból!

“Az MP3 halott” – mondják a készítők: Mit kell tudnia egy DJ-nek?

Az MP3 formátum halála májusban lett “bejelentve” nem is akárkik, hanem maguk az alkotók által. Véleményük szerint az MP3 túlhaladták, sokkal hatékonyabb formátumok jöttek, mint például az Apple AAC, ami de facto formátum lett a tömörített zenék között. Az AAC egyben az alapértelmezett formátum, ha CD-t rippelsz iTunes-ba. HA az MP3 valóban kihalófélben van, akkor mit is jelent ez a DJ-k számára? Minden DJ-nek formátumot kéne váltani, pl AAC-re? Ahhoz, hogy megfelelő választ kapjunk, kicsit mélyebbre kell ásni.

Miért is lett megalkotva az MP3?

Az audió fájlok alapvetően két félék lehetnek. A veszteséges tömörítésűek (pl.: MP3, AAC) úgy faragják le javarészt méretet, hogy a nem hallható részeket nem tárolják, illetve a nagyon hasonló hangokat egy hangként tárolják. A veszteségmentes fájlok (pl.: WAV, FLAC) tömörítés nélkül, nyersen, vagy tömörítve tárolják a hangot. A WAV nyers formátum, tömörítés nélküli, ezért is olyan nagy a mérete a FLAC-hoz képest. A FLAC is minden apró hangot eltárol, de a különbség, hogy tömöríti azokat veszteségmentes módon. Hasonló ez, mint a ZIP. Ha veszteséggel tömörítene a ZIP, kicsomagolva nem kapnánk vissza az eredetit.

De miért is kell nekünk veszteséggel tömöríteni? FLAC-ban sem olyan nagy a zene. Ma ezt mondjuk. Az MP3 idején még 56k-s modemek voltak a jellemzőek, a szélessávú kapcsolat is inkább “szélessávú” kapcsolat volt. Az emberek nem szerettek órákat várni egy-egy album letöltésére. Modemmel egy 4 MB-os MP3 letöltése negyed óra is lehetett. FLAC formában pedig ennek a sokszorosával kellett számolni. Láthatjuk, hogy a (veszteséges) tömörítésre nagy szükség volt.

Tetszik a poszt érdekel  a zeneírás világa? Akkor gyere el bemutató napunkra!

 

 

Viszlát MP3, helló AAC!

Nehéz megmondani mi lesz az MP3 utódja, de jelenleg úgy néz ki, hogy az AAC lesz a következő széles körben elterjedt formátum. Alapvetően az AAC is ugyanolyan elven tömörít, de jobb minőségben. Egy 256kbps-os AAC kisebb, de úgy szól, mint egy 320kbps-os MP3, amely az MP3 maximum bitrátája. Ameddig a zenei menedzsment szoftvered, DJ app-od és a felszerelésed mindkét típust támogatja, addig nem igazán számít, hogy melyiket használod. Átkonvertálni is felesleges a zenéket, hisz a már tömörített zenét tömörítenéd újra újabb veszteséggel. A jövőben azonban érdemes az AAC-t preferálni. A tárhely és minőség aránya mindenképpen javulni fog. Amire érdemes figyelni, hogy míg MP3-nál a 320-as bitrátát érdemes megcélozni, addig AAC-nál törekedjünk a minimum 256-os bitrátára.

Ami a legfontosabb: mindig higgyünk a fülünknek. Ha egy track rosszul szól, akkor valószínűleg rossz is. Nem a nem megfelelő formátumból fakadnak a problémák. Ez azonban fordítva is igaz. Ha a zenéd szépen szól, abban az esetben a formátum a hallgatóság számára mindegy. Az MP3 nagyon régen van jelen és nehezen is tűnik. Sok idő fog eltelni, míg kikopik, és addig az AAC-nek is számos kihívója akadhat. Érdekes évek előtt állunk…

 

Skeldar

Mit tegyél ki a Facebook-os DJ oldaladra

A Facebook nagyon hasznos lehet, ha a DJ profilodat szeretnéd építeni, de a kérdés az, hogy hogyan csináljuk. A 21. században élünk információs társadalomban, így ez az elsődleges platform, ahol meg kell jelenjünk, ha el akarunk indulni a pályán. Természetes módon mindenki azonnal be szeretne törni, de a spammelést kerülni kell, de akkor mégis hogyan jönnek az eredmények, hogy fejlődik a profil, ha viszonylag kevesebb a tartalom?

A cikkben ezekre a kérdésekre (is) keressük a választ. Bemutatjuk az alapvető szabályokat, amelyek nem feltétlenül csak a Facebook-ra érvényesek.

A hármas szabály:

Alapvetően három különböző típusú tartalmat tehetsz ki a Facebookra. A három típus egymást erősíti, külön oda kell figyelni, hogy a kapocs közöttük minnél erősebb legyen. A legfontosabb azonban, hogy ne a személyes profilodat használd erre a célra, hanem külön erre a célra hozz egy oldalt, amit arra terveztek, hogy megossz és a népszerűsíts.

 

Tetszik a poszt érdekel  hogyan legyél ismert Producer/DJ? Akkor gyere el bemutató napunkra!

Népszerűsítés
Ez az a tartalom, amit alapvetően vár az ember. Az oldal tulajdonosa önmagát promózza. Linkeld be a mixeid, fellépéseid, de a következő fellépéseidet se hagyjad ki. Ha készítesz podcast-okat, akkor azoknak is itt a helyük. Minden ami rólad szól, az jöjjön. De mindig csak te folyj a csapból is, ez önmagában nem vezetne eredményre. Szükséges van egy második elemre is.

Megosztás
A net tele van érdekességgel, cikkekkel, kutyás, cicás videókkal, mixekkel, fesztivál hírekkel és a beszámolókkal. Az általad követett irányzat szerint érdemes megosztani mások tartalmait. Külön értékkel bír, ha egy-egy rendezvényen személyesen is részt vettél nem feltétlenül fellépőként akár. A legfontosabb itt az, hogy bizalmat kelts azzal, hogy jó és érdekes tartalmat osztasz meg. A bizalom mindig ki fog fizetődni.

Interakció
Az emberek kérdéseire válaszolva és úgy, hogy te magad is kérdéseket teszel fel életet vihetsz a profilodba. Nem csak passzív szemlélők lehetnek az oldaladon, hanem egy élő valamit olvashatnak és kapcsolatba léphetnek vele. A szociális hálód fejlesztése az egész karrieredben fontos, megkerülhetetlen feladat. Az emberek általában szeretnek szocializálódni, erre meg kell adni nekik a lehetőséget, hogy megtehetssék.

Rendszeresen készíts, ossz meg tartalmat és építs kapcsolatot az olvasókkal. A nehéz rész az, hogy ráérezz az egyensúlyra. Nincsenek pontos számok, arányok, a közönségtől függ minden. Van, amikor a kicsit spammelés-szerű pörgés előnyösebb, néha pedig a kevesebb néha több “bölcsesség” érvényesül. A leggyakoribb hiba is pont ebből fakad. Az elképzelésüket mereven követik a profilt kezelők, nem figyelve a közönség visszajelzéseire és a változásokra. Reagálj a jelzésekre és biztosan jó eredményeket fogsz elérni!

Nem szabad elfelejteni, hogy az Internet nem csak a Facebook-ból áll. Ahhoz, hogy profizmust sugallj, weblapra is szükséged lehet, ahol a fentebb leírt alapelvek itt is érvényesek. A weblapnál, hogy mire kell még figyelni, hogyan érdemes felépíteni, megtalálod az itt elérhető cikkünkben. Több platformon is lehet építkezni, amihez adalékként javasoljuk a blogon megjelent írásokat. Sikeres munkát kívánunk!

Okok, amiért nem jegyzik a label-ek a track-edet

A Beatport-on domináns label-ek válasza erre kérdésre meglepően hasonló, habár néhányan csak névtelenül nyilatkoztak.

Az első és legfontosabb ok: rossz a zene

Az ízlésről ugyan nem lehet vitatkozni, de minden label elsőszámú visszautasítási oknak ezt jelölte meg. Fontos, hogy a legjobb zenéd küldjed, de arra is ügyelj, hogy illeszkedjen a label image-ébe és hangzásába a label-nek. Nem sok értelme van elküldeni a hardstyle zenéd az Axtone-nak. Kiemelkedő figyelmet fordítanak minőségre. A kiváló minőséget keresik.

Leggyakoribb hibák:

A cél, hogy elérjed a zeneszerzésben a profi szintet, de ehhez az alábbi pontokat be kell tartani, hogy meg is tudj jelenni:
– A zenéd legyen a lehető legjobb. Csak egyszer lehet első benyomást tenni.
– Ne küldjél alacsony minőségű MP3-at, 320kbps bitráta az alap.
– Ne küldjél WAV-ot, mert senkinek nincs ideje letölteni.
– Stream-elhető linket kedvelik, mert csak klikkelni és hallgatni kell. A label-eknek egyéb teendőik is vannak, így jó benyomást kelt, ha gyorsan hozzáférhető a zenéd.
– Ne mellékelj e-mailben zenét, ez csak eldugítja a postafiókjukat. Jó eséllyel azonnal törlik.
– Ne pakold tele linkekkel a leveled, mert könnyen a spam mappában végzed.
– Mutatkozz be, közölj releváns infókat, mert az nem sok ember fog érdekelni, hogy kedveled a macskákat. Jelent már meg zenéd máshol? Kaptál támogatást már ismert zenésztől? Ezek nagy pluszt jelentenek, ugyanis tudják, ha már mások is támogatják, akkor el fogják tudni adni a zenéd.

Szeretnél top minőségű zenéket írni? Akkor gyere el bemutató napunkra!


– Névre szóló levelet küldj. Beilleszteni címlistába a teljes zenei ipart rossz húzás. Legyen valamennyire egyedi az írásod, érezzék, hogy ezt nekik írtad.
– A kiadók elfoglaltak, nem biztos, hogy egyből fognak válaszolni. Ha úgy döntenek, hogy megjelenhet a zenéd, biztosan írni fognak, emlékeztetőket küldeni ezért nem ajánlott.
– Az átlagos válaszadási idő 7 nap és 3 hónap között változik a kiadó méretétől függően. Nagy kiadók óriási mennyiségű demót kapnak, itt hónapokra lehet számítani.
– Egy zenét küldj, több label nem foglalkozik veled 3 vagy több track esetén. Ha egy kiadó hall valamit az alkotásodban, jelezni fognak, hogy más zenéidre is kíváncsiak.
– A zenédnek ki kell tűnnie. “Biztos lehetsz benne, hogy a postafiokok tele vannak olyan zenékkel, amibe hardstyle kickek , és reverbbel telerakott leadek dominálnak. Azért mert jelenleg ezek dominálnak fesztiválokon. Legyél egyedi, de csak annyira, hogy kitűnj a tömegből, de még az adott stílusba benne maradhass.  A sláger sablonokon kicsit változtass, merj kreatívnak lenni, hogy egyedi szereplőként jelenhess meg a piacon.

Ha a fenti dolgokra ügyelsz, máris nagyobb eséllyel fogsz tudni meg jelenni. Sok sikert kívánunk ehhez!

Skeldar

Iratkozz fel hírlevelünkre és kapj extra kedveményeket képzéseinkből!

 

Ghost producerek Vol. 2

Múltkori cikkünket folytatva ismerjetek meg további ghost producereket.

KSHMR

KSHMR és az általa DJ Borgeous-nak készített zenék példája felfedi, hogy az alkotó munkáért milyen kompenzációk kaphatók. A DJ Borgeous és a Spinnin’ Records közti kiszivárgott szerződés szerint KSHMR 75%-os részesedést kapott Borgeous They Don’t Know Us és 37,5%-ot a Zero Gravity után.
A szkeptikusok azt mondják, hogy a szellem producerek kihasznált emberek, akik morzsákért dolgoznak, hogy a zenéjük megjelenhessen akár más szerző neve alatt. A kiszivárgott információk ezt teljesen megcáfolják. Érdemes megjegyezni, hogy a DJ és a kiadó tudja, hogy mi a jó zene és az mennyit ér, ezért hajlandóak többet is fizetni esetenként, így a valódi alkotó is jól jár. A fenti példa mutatja, hogy akár jobban is, mint akié a név, így a ghost produceri munka egy valódi karrierlehetőség.

Aiden Jude

Ez a fiatalember mindössze 10 éves volt, amikor a Tonight című alkotása megjelent a US Billboard Dance Chart-on a 49. helyen. Sok vita foly arról, és nagy szkepticizmus, hogy ilyen fiatal gyerek nem szerezhette maga ezt a zenét.
Jude hozta a tökéletes visszavágást, azt állítva, hogy volt egy csapata, akik segítették munkáját. Ez a csapat az unokatestvérétől Carlos Escalona-ig terjedt, aki alig csinál zenét elejétől a végéig. Korát meghaladó bölcsességet mutatva, Jude emlékeztetett mindenkit, hogy a ghost producerek kisebb-nagyobb mértékben mindenütt ott vannak és bevett gyakorlat a zene minden szintjén.

Nicky Romero

A szupersztár dán DJ ghost producerkedett zenét Britney Spear-nek, Rihanna-nak és David Guetta-nak. Ez a fő példa arra, hogy ghost producerkedés nem csak a vágyakozó zenészeknek a műfaja. Egy egyszerű üzleti lépés, ami segíthet, hogy a zenéinkhez autentikus csavart adjunk, miközben a már felépített DJ neveknek a saját stílusuktól nem térhetnek el túlságosan. Ez ahhoz hasonló, amikor egy szerző fizet más sikeres szerzőnek, hogy írjon meg egy fejezetet vagy egy egész könyvet, de kiadásnál már senkit nem érdekel, hogy ki írta a művet.

Porter Robinson

BBC Radio 1-es interjúban Porter Robinson elmesélte, hogy hogyan szerzett zenét egy barátjának, miután úgy érezte, hogy nem lenne jó, ha az ő neve is ott lenne. Sok spekuláció született, hogy Hardwell Apollo trackjét Robinson készítette. Hardwell maga állt elő azzal, hogy van egy ghost producer száma a Top 10-ben. Az emberek innentől könnyen kikövetkeztették, hogy melyikről van szó.
Hogy ez így volt-e vagy sem, attól még látható Robinson szemszögéből is a helyzet. A névtelen producerkedés lehetővé tette számára, hogy valami másba fogjon anélkül, hogy a már meglévő rajongóit elidegenítse magától. Számára ez olyan volt, mint egy zenei labor.

Benny Benassi

Benny Benassi az a művész, aki kiemelkedően nyitott a ghost producerek alkalmazása felé. Unokatestvére Alle kisebb-nagyobb mértékben benne van Benassi track-jeiben, legtöbbször mint író vagy stúdió partner. Alle boldog, hogy a reflektorfényt elkerüli, miközben Benassi pont ezért rajong. Kettőjük egyezsége mutatja, hogy mindkét fél számára működhet és nincs ebben semmi szégyelnivaló.

Dash Berlin

A három emberből álló csapat két tagja leginkább a kreatív munkára szeret fókuszálni, mint az élő fellépésekre. Jeffrey Sutorius a Dash Berlin arca, de tulajdonképpen Eelke Kalberg és Sebastiaan Molijn a ghost producerek. Az egyedi egyezség alapján a tényleges alkotók is szerepelnek a szerzői több számnál is, de mivel Sutorius a csapat arca, így a legtöbben úgy gondolják, hogy ő a fő alkotó. Sutorius így megkapja a rivaldafényt és az élő közönségtől jövő energiát, míg Kalberg és Molijn a stúdiómunkában kiélhetik szenvedélyüket. Minden fél jól jár.

Dennis Waakop

Másnéven “Az ember Tiesto mögött”. Dennis Tiesto-nak számos zenét szerzett, úgy mint Feel It In My Bones és az Escape Me. Háttéremberként Tiesto válláról sok feladatok levesz, aki PR, marketing és kiadási munkát is végez. A ghost producerség lehetővé teszi Tiesto számára, hogy a művész-lét más, fontos aspektusaival is foglalkozzon a zeneírás mellett.

Zedd

Zedd tipikus példája annak, hogy a ghost producerkedést ugródeszkának lehet használni. Lady Gaga és Justin Bieber számára készített zenéket, de a label-ek módot találtak arra, hogy kiderítsék az eredeti szerzőt. Zedd szép kompenzációt is kapott Lady Gaga-nak tett munkája után, amit millió dolláros nagyságrendűre taksálnak. Anyagilag és marketing szempontból is Zedd számára egyértelműen hasznos volt a névtelen munka.
Érdekességképpen, Zedd is foglalkoztatott ghost producereket egy track-jénél, a The Legend of Zelda-nál. Láthatjuk, hogy nem fél visszatérni a gyökerekhez, hisz ő az élő példa, hogy igenis vannak tehetségek odakint (egyenlőre) név nélkül, akik különlegessé is tehetnek egy félkész zenét.

Danny Avila

Ellenszenv érezhető Danny Avila sikerét tekintve. Vélemények szerint a gazdag apa sikert vásárolt fiának. Ez pozitívum is, hogy van egy segítő szülő, de Avila legtöbb track-je nem saját szerzemény, így ez beárnyékolja a sikereket. Avila másrészről lehetővé teszi, hogy névtelen alkotók szép bevételre tegyenek szert a munkájukért, talán Marteen Vorwerk az egyik ilyen, akiről cikksorozatunk előző részében olvashatsz. Ha ezen alkotók ki akarnak maradni zeneipar színpadi világából, az végülis nem baj, névtelen munka révén van rá lehetőségük.

Will.I.Am

Nyílt titok a zeneiparban, hogy Will.I.Am tulajdonképpen a ghostproducerek munkájából él, autotune-os hangjával kiegészítve a számokat. Egy furcsa dolog esett meg, Will.I.Am és Quintino használták Marteen Vorwerk munkásságát különböző track-jeikben, így úgy tűnt, hogy a Bang Bang című számmal Will lemásolta Quintino Epic-jét. Ha valaki tehetséges és két nagy névnek is dolgozik, ilyen előfordulhat, hogy felfedezik máshol is ugyanazt a hangzást.

Záró gondolatok

Az egész ghostproduceri munka és az azt övező probléma igazi magja egyszerűen leírható: hallgató átverése-e, ha nem is az írta a zenét, amit a feliraton lát? Aki a nevet és aki a munkát adja meg tud egyezni, tisztán lát mindkét fél. A tényleges alkotó még ha ki is lesz használva, tudja milyen munkáért mire számíthat. És bizony van, hogy csinos tiszteletdíjakról lehet hallani. A munkát elvégző később még be is törhet névvel az zeneiparba a főbejáraton át.
A harmadik szereplő, a hallgató azonban teljesen ki van szolgáltatva, csak azt látja, amit a lemezre írnak és vannak rajongók, akik számára fontos, hogy a kedvencüket hallgatják-e vagy sem. De ne feledkezzünk meg arról, hogy vannak zenekedvelők, akik a zenét önmagáért szeretik, számukra teljesen mindegy, hogy egy szupersztár írta vagy egy szuperintelligens szőnyeg.

Megtévesztés vagy sem? Talán nincs helyes válasz…

 

Inbetween