Bejegyzés

FL Studio: Hangok rétegezése

A hangok rétegezése egy remek technika arra, hogy az ütemek vastagabbnak, ütősebbnek tűnjenek. Ebben a leírásban részletesen olvashatsz a rétegezésről, amelyet egy speciális rétegezős csatorna segítségével fogunk megvalósítani. Ezzel a csatornával komplex és gazdag hangokat hozhatunk létre úgy, hogy kombináljuk az önálló generátor csatornákat. Tovább fokozzuk a dolgokat azzal, hogy a crossfade funkciót is bevetjük.

Layer csatorna

Egy réteg elkészítéséhez adjunk hozzá egy Layer csatornát a Step Sequencer-ben:

Az alábbi képek a Step Sequencer-t láthatjuk. Ebben a szakaszban még csak egy Layer csatornánk van:

A Layer csatorna önmagában nem egy generátor. Nyomkodhatjuk napestig a billentyűket, nem fog semmilyen hangot kiadni. A csatorna azonban képes hangokat előidézni a származtatott csatornákban (amelyek generátorok). Ezt kipróbálva adjunk hozzá még pár csatornát:

A csatornák, amelyeket hozzáadtunk megtalálhatóak a Browser-ben a Packs Legacy Strings alatt:

A következő két csatornát származtatni fogjuk a fő Layer csatornánkból. Ezt a Layer csatorna előszöri kiválasztásával, majd a Channel selector-okon való kattintással tehetjük meg. A Channel settings dialógus ablakban a Set children gomb megnyomásával pedig összekapcsolhatjuk a kiválasztott csatornákat:

Ennyi az egész! Elkészült az első rétegünk. Ha kiválasztjuk a Layer csatornát és leütünk pár billentyűt, akkor a másik két csatorna kombinált hangját fogjuk hallani. A Layer csatornában mintákat is készíthetünk:

Ha ezt lejátszod, akkor a kombinált hangot fogod hallani.

Abban az esetben, ha módosítani akarjuk a hangot, akkor önállóan a származtatott csatornák módosításával, amelybe beletartozik a hangerő és a panning, ezt megtehetjük. A fenti képen például láthatjuk, hogy a String patch 1 csatorna hangereje egy kicsivel lejjebb van véve. Ha a módosításokat a Layer csatornán át végezzük el (pl. a hangerő módosítást), akkor az globális beállítás lesz és minden kombinált hangot érinteni fog.

Layer csatorna beállítások

A Layer csatorna beállítási párbeszédablaka elég egyszerű és mégis rendelkezik pár érdekes funkcióval. A Set Children gombbal csatornákat rendelhetünk a Layer csatornához ahogyan a fenti példában láthattuk. Legyünk óvatosak ezzel a gombbal. Bármikor kattintunk erre, az aktuálisan kiválasztott csatorna egy származtatott csatorna lesz. Egyéb más csatorna nem lesz része ennek a rétegnek.

Tetszett a poszt? Érdekel az FL studio? Akkor jelentkezz az iskolánkba!

 

 

A Show Children gomb segítségével láthatjuk, hogy megy csatornák vannak hozzárendelve a Layer csatornához, ha esetleg elfelejtenénk.

Ha Random kapcsolót bekapcsoljuk, akkor csak egy származtatott csatorna lesz véletlenszerűen aktiválva. Ez különösen akkor hasznos, többrétegű ütemeid vannak amelyeknél még dinamikusabb hangzást akarsz elérni.

A Crossfade gomb lehetővé teszi, hogy átmenet legyen a csatornák között, amelyet a Fade potméterrel tudsz használni.

Ezt kipróbálva adjunk öt csatornát hozzá az alábbi sample-ek használatával (Browser-ben a Packs Drumit 3 alatt találhatóak) a Step Sequencer-hez. Valami ilyesmi képet kell, hogy kapjunk:

Most válasszuk ki a Crossfade opciót:

Ha most elforgatjuk a Fade potmétert az egyik származtatott csatornánál, akkor az át fog menni a másikba. A potmétert balról jobbra forgatva a csatornák föntről lefelé mennek át. A kiválasztott sample-eknek köszönhetően a hang zártabb cintányér hangból egy nyitottabb felé fog elmenni. Próbáljuk ki ezt úgy, hogy forgatjuk a potmétert és közben pár billentyűt le is nyomunk.

Hasznos lehetőség, hogy automatizálhatjuk a potmétert forgását, amelyet az alábbi képen is megtekinthetünk:

Crossfade

Layer preset

Az FL Studio számos layer preset-tel érkezik, amelyeket csak be kell húzni a projectbe. A Browser-ben a Channel preset-eket a Layers menüben találhatjuk meg:

Csak rá kell őket húzni a Step Sequencer-re és már használhatjuk is őket.

Extra réteg funckiók

Néhány egyéb opció is elérhető az Extra layer options menüben:

A Split children funkció segítségével a származtatott csatornákhoz különböző kulcsokat (keys) rendelhetünk a billentyűzeten a Layer csatorna fő kulcsától kiindulva. Ezt azt jelenti, hogy a kiválasztott kulcstól függően egy adott származtatott csatorna fog megszólalni. Ez különösen akkor hasznos, amikor drum kit-et vagy más hangszert készítünk, ahol különböző hangmintákat kell rendelni minden kulcshoz.

A Group Children funkcióval csoporthoz rendelhetjük hozzá a csatornát. Praktikus opció, mivel a csoportok akkor is maradnak, ha már mindent összekuszáltunk a rétegekben. A Step Sequencer-rel gyorsan tudjuk szúrni a csatornákat és csak azokat tudjuk megjeleníteni, amelyek egy bizonyos csoporthoz tartoznak.

A Delete Children pedig nem csinál mást, mint hogy kitörli a csatornát.

A rétegezéssel és a csatornákkal pluszt vihetünk a zenébe, érdemes kísérletezni vele.

Forrás: Forbidden Fruity Blog

Skeldar

Zenealkotás trap stílusban – 2. rész

A trap stílusban történő zenealkotás további lépéseivel ismerkedünk meg. Ha esetleg még nem olvastad a sorozat első részét, akkor azt ezen a linken megteheted.

8. Referencia track használata

Referencia track

Egy új stílusban történő munka kezdetben nehéz lehet, különösen akkor, ha még csak hasonló műfajban sem dolgoztunk. Kezdésként érdemes egy referenciát alkalmazni, hogy a simábban menjenek a kezdetek.

A referencia track olyan mint ha csak rajzolnánk. Áttetsző módon láthatjuk a kész mű vonalait, elosztását, így segít nekünk majd a sávok szervezésénél. A cél azonban az, hogy ne másoljunk, hanem mint útmutatás használjuk ezt a track-et. Válasszuk ki a kedvenc trap zenénket és jelöljük be a elemeit

Miután minden fontos főelemet (bevezetés, refrén, build, drop stb.) megjelöltünk, kezdhetjük tovább bontani a zenét. Milyen hosszú egy szekció? Az ismétlődő szekciók teljesen egyformák? Milyen változások állnak be a zenében? Milyen elemek jelennek meg és milyenek tűnnek el? Szekcióváltásnál milyen átmenet történik?

Referencia track

A nagy figyelemmel történő meghallgatás sokat segít egy zene kivesézésében. Nem csak a hallásunk fejlődik, hogy a kisebb részleteket is észrevegyük, de ezt a figyelmet a saját zenénkhez is felhasználhatjuk.

Amikor zenét írunk az, hogy hogyan rendezzük el az elemeket ugyanolyan fontos, mint az, hogy hogyan szól. Egy jó felépítés megfogja a hallgatót és ösztönzi arra, hogy végighallgassa a számot. Szánjunk időt a referencia megismerésére és tanuljunk belőle.

A szokásos módon nekikezdve a zenének is néhol akadályokba ütközhetünk, ilyenkor mindig forduljunk a referenciához és nézzük meg a zene folyamát vagy az figyeljük meg a szekciókat felépítő elemeket.

Ügyeljünk arra, hogy ne akarjunk mindig úgy hangzani mint a referencia. Ezeket a számok már master-elve vannak, míg mi az alapoktól indulunk el. Ezek a lépések majd csak az után jönnek, hogy a fő ötlet formát ölt, így ne akadjunk le azon, hogy nem egészen úgy szól. Csak fejezzük be a számot.

Trap zene elrendezése

Az alábbiakban láthatod az egyik leggyakoribb trap stílusban jellemző elrendezést, mint kiindulási alap:

Bevezetés: 4 bar
Refrén: 8 bar
Build: 4-8 bar
Drop: 16 bar
Breakdown/Refrén2: 8 bar
Build 2: 4-8 bar
Drop 2: 16-32 bar
Lezárás: 8 bars

Vagy a fenti leírást vagy a referencia track-et is használod, egy jó útmutató lesz a kezedben, hogy kialakíthassad a saját zenéd felépítését.

Saját ötletek alkalmazása sablon segítségével

A referencia track abban is segít, hogy ne ragadjunk benne a rosszhírű 16 bar-os loop-okban.

Lehető teszi a másolás-beillesztést, hozzáadhatjuk és elvehetjük az elemeket, majd ebből elkészíthetjük a vázként szolgáló teljes zenét, amely ugyanolyan felépítésű lesz, mint az eredeti zene. Használjuk ezt, hogy tisztán lássuk, hogy mit kell hozzáadni és eltávolítani. Referenciát használni hasznos, amíg a saját, egyedi hangzásunk elkészítésére vetjük be. Más esetben is bátran használhatjuk őket.

9. Melódikus elemek hozzáadása

A melódikus elemek igazán fel tudják tüzelni a zenét. Egy arpeggiator vagy egy egyedi szintetizátor, esetleg stab igazán meg tudja indítani a zene menetét ezálltal magával ragadva a hallgatót.

Vegyük például azt, hogy a basszus elemeket gyakran használják a trap stíluson belül a drop-oknál, amellyel súlyt adnak a zenéhez mint alap.

A NGHTMRE – Street című számban az alkotó egy kürtöt használ, hogy a melódiát továbblendítse a drop-ban. A már említett Mi Gente remix ugyancsak kürt hangszerekkel oldja meg továbbhaladást.

A Flosstradamus & Dillon Francis – Tern It Up -ban a szerző egy arpeggiator-t használt a letörésnél, hogy a track-et a következő felépüléshez és letöréshez vezesse.

Ott használjunk melódikus elemeket, ahol szükséges, ne csak dobáljuk őket befelé a zenébe. Kerüljük el, hogy a szám túlzsúfolt legyen. A kevesebb néha több.

A drop-okat azonban a dobokkal való kitöltés vagy egyéb ütős hangszerek is továbbvihetik.

10. Dobkitöltés vagy más ütös hangszerek használata

Egy öblös sub, egy erős lead hang és egy megragadó dob legyen a legmagasabb prioritású feladat, ha trap drop-ot készítünk.

A tam kitölt, egy ütemtől eltérő dob pedig igazán üt, míg egy érdekes perka hang egy jó drop-ot tud csinálni vagy megtörni. Hallgassuk meg a Finding Hope – Let Go Castor Troy -féle remixét.

Figyeljük meg, hogy a piszkos hangzású lead-del, törésekkel és a gyors, reverb-es ütősökkel milyen jól juttatja el a hallgatót a feszültség állapotába. Egyszer csak megkezdődik az átmenet a tam kitöltésbe miután a lead megint üt egyet, hogy végül így befejezze a fordulatot.

A dobkitöltések olyanok, hogy könnyen össze tudják hozni a drop-ot, miközben továbblendítik a számot, így fenntartva a hallgató figyelmét. Ismerjünk meg több trap producert és észrevehetjük, hogy majdnem mindegyikük valamilyen dobot használ kitöltésre, amellyel továbbviszi a zenéjét.

A Conro – On My Way Up egy olyan példa, ahol a művész nem szokványos hangot használ, hogy karaktert és egyediséget adjon a zenéjéhez.

Ha a drop-unk üresnek tűnik, akkor adjunk ezeknek a tippeknek egy esélyt és derítsük ki, hogy mennyi dinamikát tudunk ezzel a zenéhez adni. Ez pedig elvezet minket oda, amit minden producernek alkalmaznia kell, ha egy új stílusban alkot: a kísérletezést!

11. Kísérletezés

Attól, hogy egyre több és több track-et készítünk, ne felejtsünk el kipróbálni új dolgokat. Szerezzünk inspirációt abból a stílusból, amit szeretünk és próbáljuk meg vegyíteni az aktuális zenénkkel. Sosem tudhatjuk, hogy milyen kombinációból születik valami nagyszerű.

A trap stílus EDM oldala nem is igazán kezdődött el, amíg az alkotók nem kezdték el vegyíteni az EDM track-ek jellemző struktúráját a tradicionális hip-hop hangszerekkel. Ma pedig a trap stílus mindenütt jelen van.

A lényeg, hogy sose veszítsük el a kíváncsiságunkat. Nem kell minden szabályt szentíráskánt követni. Vajon a pergődob jól fog szólni a lábdobbal? Próbáljuk ki! Bármikor kincsre bukkanhatunk.

A trap stílusnál is igaz, hogy ez a mentalitás hosszútávon segíteni fog, a felfedezéseket több számodban is alkalmazhatod majd.

12. Mix & Master

Ez a produkciókészítés utolsó fázisa, amikor már csak a végső simításokat kell elvégezni stream-elés, letöltés vagy klubokban történő bevetés előtt.

Trap stílus esetén a dalt nagynak, tisztának és hangosnak szeretnénk hallatni. Mielőtt ennek nekilátnánk, van egy fontos dolog, amit meg kell jegyezni: a master-elés nem azért van, hogy a fülbeötlő problémákat orvosolja.

A master-elés nem egy mindent helyrehozó varázslat. Ha valami nem jó a mixben, akkor azt előbb magában a mixben kell helyrehozni, mielőtt még egyáltalán a master-elésre kerülne sor. Ez fontos szabály, amit a master-elés közben sosem szabad elfelejteni.

Ezt a folyamatot sokáig tart megtanulni, ezért ne legyünk frusztráltak, ha először a track nem szól úgy, mint a kedvenc művészedé. Gyakorlás, gyakorlás, gyakorlás!

Nem írunk túl sok részletet a master-elés folyamatáról, mivel az egy külön cikket kitenne, annyir részletekbe menő a téma. Néhány tipp azonban mindenképpen segíteni fog az indulásnál.

Monó sub frekvenciák

iZotope Ozone

Minden nehéz sub frekvencia a mix közepéről jöjjön. Ha nagyobb hangrendszeren is szeretnénk játszani a zenét, akkor biztosra kell mennünk, hogy a különböző helyről érkező hangok nem fognak összeakadni.

Nem szeretné senki, hogy egy amúgy nagyszerű track ezért hangozzon borzasztóan, ezért használjunk gyári plugin-t vagy olyan harmadik féltől származót, mint például az iZotope Ozone (fenti kép).

Ne kompresszáljunk túl

Kompresszálás

Nem szükséges összenyomni azért a zenét, hogy olyan hangosan szóljon, amennyire csak lehet. A legtöbb streaming szolgáltatás, mint például a Spotify, csökkenti a hangerőt, hogy a track-ek az érzékelt hangerőn szóljanak.

Nem kell azért aggódni, hogy a zenét hangosabban szóljon, mint a versenytársaké, mivel mindenkié egyformán fog szólni. A túlkompresszálás elkerülésével pedig megőrizheted a track összes dinamikáját, amelybe minden bizonnyal sok óra munkát tettél. A túlkompresszálás legyen az ellenségünk. Itt egy  példa arra, hogy mi a különbség egy normál és egy túlkompresszált zene között.

Hangosítás többszörös limitálással

Ez a stílus arról ismert, hogy a zene az ember arcában van, de hogyan is érhetjük el ezt a lehető legkevésbé feltűnően anélkül, hogy tönkretennénk a dalt?

Az egyik válasz erre a többszörös limitálás. Ez egyszerűen arról szól, hogy több limitert teszünk egymást után, majd lassan kezdjük növelni a hangerőt, ahogy haladunk előre. Ezzel a technikával a munkát szétosztjuk több limiter között. Például egy limiter 10 dB-lel növelheti a hangerőt.

Limiter

Lehetséges, hogy egy limitert használva maradványok képződnek a digitális vágás miatt, amikor a hangos részeket lehalkítjuk vagy amikor a halk részeket felhangosítjuk. Alternatívaként használhatunk öt limitert, mindegyik csak 2 dB-lel hangosít, így kerülve el az esetleges maradványokat. Érdemes próbálkozni, ez csak egy biztosíték, hogy ne tegyük tönkre a kemény munkánkat.

Összefoglaló

Számos hasznos írásunk van a témáról, amit érdemes elolvasni, ha ebben a produkciós fázisban ténykedünk. Kezdőknek javasoljuk a zeneelméleti és kifejezett mastering képzéseket.

A trap zene az EDM-en belül sokat fejlődött az elmúlt néhány évben. A kemény basszusaival és dobjaival ez a stílus még sokáig ismert marad. Minden lépést átnézve zeneszervezéstől, a 808-ason át, minél jobb, dinamikusabb drop-ot készítéséig már nincsmás hátra, mint hogy belevessük magunkat a zeneszerkesztésbe.

Forrás: Cymatics.fm

Skeldar

Zenealkotás Trap stílusban Vol 1.

A trap zenei stílus az utóbbi pár évben fejlődött ki. A legismertebb jellegzetessége az öblösebb basszus. A fejbólintásra késztető rap-szerű ütem és a kemény lead, mint amilyen a Flosstradamus-ban is van, a stílust az EDM világ egyik legnépszerűbb stílusává tették.

A 808-as szintetizátor jellegzetes hangjával és az erőteljes dobjaival a trap stílus számos EDM lejátszási listáján megvetette a lábát. Nagy a változatosság a stíluson belül, de az alapvető elemek minden számba megtalálhatóak.

A cikkben bemutatjuk a trap zenék kulcsfontosságú elemeit, amelyeket ajánlott minél jobban megismerni, ha trap-ben szeretnénk alkotni:

  • 808-as szintetizátor
  • Basszus- és pergődob kiválasztása
  • Sidechain
  • Dobfeldolgozás
  • Erőteljes lead
  • Feszültség felépítése
  • Drop készítés
  • Referencia track használata
  • Melódikus elemek hozzáadása
  • Dobkitöltés és más ütősök
  • Kísérletezés
  • Mix & Master

1. Roland TR-808

Az erős basszus megkerülhetetlen eleme a trap zenének. Egy jó 808-as hangminta kiválasztásával, amely kitűnik a zenéből, már nagy lépést tettünk előre. A 808-as dobokat importálva bármelyik DAW-ba egy remek kiindulási pont. Mindehhez vezérlést, esetleg kis túlvezérlést, szaturációt kell csak hozzáadni, hogy harmónikusan erős eredményt kapjunk.

Ügyeljünk arra, hogy a sub hallatszódjon hangfalon, laptopon, de kis túlzássak még telefonon is. Ne féljünk EQ-t használni, hogy az ízlésünkhöz igazítsuk a hangokat, csak arra ügyeljünk, hogy a sub frekvenciákat ne erősítsük, mert ez ronthatja a hangok szinkronját.

A szaturáció használata

Egy egyedi módja, hogy feldolgozzuk a basszust ha send/returnt állítunk be oda, ahova az EQ frekvencia-szétválasztást tettük a szaturátorral együtt, hogy magasabb haromónikusokat is hozzáadjunk.

Az alábbi képeken láthatjuk az effekt rack-et Ableton-ban. A chain highpass-t (magasvágó szűrőt) tartalmaz, hogy 100 Hz alatti frekvenciákat kivágjuk, valamint egy lowpass-t is, amely ugyanezt teszi a 100 Hz fölöttiekkel.

HighpassLowpass

Egyszerűen némítsuk le az alacsonyabb frekvenciákat azzal, hogy a kis szürke hangszóró szimbólumot szürkévé tesszük.  A highpass-ra (mély vágó szűrő) már csak rá kell tennünk a kedvenc szaturátorunkat és meg is vagyunk. Küldjük a sub-ot ehhez a visszatéréshez és kísérletezzük, hogy mekkora szaturáció és gain hangzik jól.

Ezek a lépések segítenek, hogy a sub hallható legyen és még kisebb hangszórókon is kijöjjön a öblösség, amit így a hallgató érzékelhet akkor is, ha a hangszóró nem egészen szól ennyire mély tartományokban.

2. Láb és pergődob kiválasztása

Nem sok olyan hangszer van, ami annyira kitűnik a zenékből mint a láb vagy a pergődob. Mindkét dobféle kemény ütős hangot ad, ezért különösen érdemes rájuk odafigyelni, legfőképpen a trap stílusban.

A lábdob

A kiválasztáskor ügyeljünk arra, hogy ugyanaz legyen a zenei kulcs, mint amilyenben a zene íródik. A legegyszerűbb és leggyorsabb módja, hogy ez kiderítsük, ha a lábdob(kick) track-jére tuner-t vagy EQ-t teszünk és megnézzük hol van a legnagyobb csúcs lejátszásnál. Ez lesz az alapvető hangjegy a dobnál. Az általános szabály, hogy a lábdobot a zene kulcsához igazítjuk.

Ugyancsak fontos a jó középső frekvenciák megtalálása, így a 808-as öblös hangján át is hallható lesz a dob. E két tényezőt mindenképpen jól össze kell hozni, hogy a zene alapja jó legyen. A lábdob és a 808-as kombinációja a trap stílus egyik kulcseleme, bánjunk vele kiemelt figyelemmel.

A pergődob

A pergődob ugyanolyan fontos mint a lábdob. A pergődob az, ami egyszercsak megszólal és megragadja a hallgatót.

A dobra jellemző, hogy erős ütős hangja van, kitűnik a tömegből, de paradox módon mégis jól illeszkedik hozzá. Ahhoz hogy ezt elérjük több pergődob hanggal kell dolgoznunk. Mivel azt szeretnénk, hogy kitűnjön, ezért legalább kettő réteg kell, egy a frekvenciatartomány alsó és egy a felső felén.

Ügyeljünk arra, hogy a pergődob illeszkedjen a lábdobhoz. Válasszunk összepasszoló hangokat. Bár csak elsőre tűnik könnyőnek, de kis gyakorlással a fülünkkel gyorsan meg fogjuk találni az összeillő párosokat. A párok megtalálása azonban csak a kezdet, ezeket össze is kell illeszteni.

3. Sidechain

A trap zenékben a sidechain kompresszió az ember legjobb barátja, amely egyszerűen csak lenyomja a hangerőt, így a frekvenciák ütközését orvosolja. A kompresszor mellett egy szellem-dobot is szokás használni.

A trap stílusban a 808-at sidechain kompresszáljuk, hogy a sub-ot visszaszorítsuk, így az alsó frekvenciatartomány nem lesz túl zavaros az ütközések és erősítések miatt.

Amennyiben Ableton Live-ot használunk, akkor a Lookahead beállítással érdemes kísérletezni. Ez a funkció lehetővé teszi, hogy a kompresszor előrébb lásson és így jobban tömörítsen. A nagy előrelátás azonban kiöli az életet a hangból, ezért csak óvatosan bánjunk vele.

Sidechain lookahead

Most, hogy a dobok már jól illeszkednek, már csak be kell dolgozni őket a zenébe. Ezt többféleképp tehetjük meg.

4. Munka a dobokkal

A legnagyobb hiba, amit a producerek el szoktak követni, hogy túlságosan is vagy éppen túl kevéssé dolgozzák be a dobokat. A dobok – különösképpen a basszusos zenékben – jól ki tudnak emelkedni, ezért fontos, hogy jól megcsináljuk őket.

Az alábbiakban olvashatsz néhány tanácsot, hogy hogyan tegyed kiemelkedővé a dobokat. Ne felejtsük el, hogy a 808-as mellett a dob a másik kulcseleme a trap stílusnak, így erre bőven szánjunk időt.

Alkossunk, mint egy dobos

A dob programozásakor vagy a hangjegyek elhelyezésekor mindig tegyük fel a kérdést: ezt egy valódi dobos le tudná játszani? A dobosnak csak két karja és két lába van, amivel zenélhet. A legkönyebb módja, hogy a zenénket zsufoltá tegyük ha túl sok dobot rakunk bele.

Dobok

Ez nagyon igaz a trap stílusnál is. Drop esetén több fő hangszer lép akcióba: láb- és pergődob, cintányér, sub és lead szintetizátor. Ha túl sok dob hangot adunk hozzá, akkor nagyon zűrzavarosnak fog tűnni a zene és csak elvonja a hallgató figyelmét arról, amit hallani akar: basszust és a lead-et.

Glue kompresszió használata

A Glue kompresszor tökéletes módszer arra, hogy a dob elemeit egységbe fogjuk vagyis összeragasztjuk őket. A dobcsoportnál (drumbus) kisebb attack-ot és gyorsabb release-t használjunk, mivel így nem öljük ki a dinamikát a hangból.

Ez a módszer jól összedolgozza a dobokat, de ennél többet igazából nem tesz a zenéhez.

Parallel kompresszió használata

A parallel kompresszió alapvetően return/send, ahol összenyomjuk a dobokat, hogy nagynak ütősebbnek, élettelinek tűnjenek. Ez a fajta kompresszió nagy eredményeket tud produkálni.

Párhuzamos kompresszálás

Ezt úgy érhetjük el, hogy létrehozunk egy dob buszt vagy egy return csatornát, az 50 Hz alatti frekvenciákat kiszedjük EQ-val, majd az egészre ráteszünk egy kompresszort. Kísérletezzünk a beállításokkal miközben a dobot visszaküljük a buszhoz. A Glue kompresszor lehetőséget biztosít a paralel kompressziora. Az egyetlen dolog amit állítani kell ezesetben a Dry/Wet paraméter.

Minden kompresszornak saját beállítása van, hogy ezt a hangzást elérjük vele, de vannak általános beállítások is.

Ratio: Legalább 3:1 vagy ennél magasabb, hogy igazán összepréseljük a hangokat.
Threshold: Amennyire csak le lehet venni. Figyeljük a kompresszor release-ét a leütések végén.
Attack: Gyors (2 ms vagy gyorsabb), ha vastagabb hangzást akarunk elérni. Lassabb (10 ms vagy több) beállítást alkalmazzunk az ütősebb hangért.
Release: Automatikus vagy lassú (100 ms vagy több)
Gain: Vagy a group hangerejét vezérli vagy azt szabályozza, hogy a csoportból mennyi jusson el a grouphoz. Ügyeljünk arra, hogy az általános hangerő ne változzon, miután a kompresszált hangot hozzáadtuk a track-hez.

A pergődob szaturációja

Egy nagyon jó lehetőség arra, hogy többet hozzunk ki a pergődobokból, ha szaturáljuk őket. Tegyünkegy szaturátort a csatornára és emeljünk néhány dB-t.

Szaturátor

Az Output potméteren csökkentsük annyival a jelet, amennyivel felpumpáltuk. Hasonlítsuk össze a dB értékeket úgy is hogy ki majd be van kapcsolva a szaturátor. Figyeljük meg a különbséget.

5. Az erőteljes lead

A hangtervezés vitathatatlanul a legfontosabb eleme egy produkció elkészítésének. A lead, amely kiemelkedik az öblösebb sub-ból a drop idején egy meghatározó eleme a trap stílusnak. Ebből kifolyólag hangtervezés (Sound Design) teszi lehetővé, hogy a track kitűnjön a tömegből. Egy jó lead elválaszt a versenytársak tömegétől.

A hangtervezés (Sound Design) nem olyan valami, amit egy éjszaka alatt meg lehet tanulni. Bár könnyű a rajt, mivel számos lead preset közül választhatunk a legkülönbözőbb hangkönyvtárakat felkutatva, de az igazán jó lead-hez ennél több kell.

Lead

Fentebb az effektek láncolatát láthatjuk Serum-ban. Nagy reverb, multiband kompresszor és a torzítás gyakori effektek a lead-eknél ennél a stílusnál. Bátran kísérletezzük a kedvenc szintetizátorjainkkal és preset-jeinkkel.

Minél erőteljesebb a lead, annál nagyobb lesz a drop. A NGHTMRE & Dillon Francis – Another Dimension mindezt remekül bemutatja. Figyeljünk a lead-re.

Vegyük észre a hangokat, a basszus- és pergődobot, sub-ot és az erőteljes lead-et. Mindössze néhány zenei elem elég ahhoz, hogy jó legyen a drop. Használjuk a reverb-et, delay-t és más effekteket ahhoz, hogy helyet csináljunk a hangoknak, amit utána kitölthetnek.

A “Mono” engedélyezésével a szintetizátorban a “Glide”-dal egyetemben lehetővé teszi, hogy a hangjegyek átfedjék egymást, ezzel a pitch(hangmagasság) hatása növelhető vagy csökkenthető.

Amennyiben a Sound Design nem az erősségünk, a képzéseink között megtalálod az alapokat is bemutató kurzust.

Minden nagy trap zene fokozatosan építi fel a feszültséget, ahogyan halad előre, egészen addig, amíg a lead és a kemény basszus be nem jön a képbe. Egy igazán jó belépőhöz viszont a feszültséget is jól kell felépíteni.

6. A feszültség felépítése

Ha a hallgató már várja, hogy mikor jön a drop, az azt jelenti, hogy jól megragadtuk a figyelmét egy jól felépülő feszültséggel. Ahhoz hogy mindezt elérjük, több lehetőségünk is van.

Új elemek hozzáadása

Remek módja, hogy felépítsünk egy feszültséget, ha a zene előrehaladtával újabb és újabb elemeket adunk a zenéhez. A RL Grime – Stay For It remix nagyon jól példázza ezt a fajta módszert. Ha figyelmesen hallgatunk, észrevehetjük ahogyan megjelennek az újabb zenei elemek (basszusdob, cintányér stb.), ezzel generálva feszültséget. Lassan adagolva az új darabokat fokozatosan felépíthetjük a feszültséget, hogy végül a drop zárását már várja a hallgató.

Az egyik ok, amiért ez működik az a feszültséges és kioldás elmélete. Számos elemet adunk a zenéhez, majd hirtelen eltüntetjük őket, de csak azért, hogy valami mással pótoljuk, ez a drop.

A növekvő Pitch Band

Egy másik zenei megoldás a feszültség növelésére a hangjegyek pitch emelése, amikor a elérjük a drop-ot. A Dillon Francis Mi Gente remixét meghallgatva megérhetjük miről is van szó.

Emelkedő hangjegyet használva úgy nevezet Pitch Band-et használva nyugtalanságot és feszültséget idézhetünk elő a hallgatóban. Klasszikus lépés az EDM világában a dobpergés használata, amely a trap stílusban sincs másképp.

A klasszikus dobpergés

Általában ezt 1/8-os ütéssel majd 1/16-os ütéssel és végül 1/32-es pergéssel érik ezt el a producerek. Itt is érdemes kísérletezni, mert a dobpergésnél számos variációból választhatunk.

Zedd dobpergése az Adrenaline című számban kiváló példája ennek a technikának.

A feszültséggel teli zene önmagában nem ér sokat, ha nem oldjuk ki az összpontosult erőt. Ahhoz, hogy a drop tényleg üssön, ahhoz a vezető hangnak kell igazán kitűnnie.

7. A drop elkészítése

Egy jó lead az egyenletnek csak az egyik fele, amikor drop-ról beszélünk. A jó dobminta kiválasztása, a stílus, a zene folyása, egyedi fordulópontok megalkotása az, amire még oda kell figyelnünk.

Basszus drop

Gyakorlás, gyakorlás, gyakorlás

Ezt talán nem is kell magyarázni. Ha úgy érezzük, hogy a drop nem sikerült olyanra, mint amilyeneket hallani lehet, nem kell csüggedni. Egy jó drop elkészítése nem fog menni gyakorlás nélkül.

Nyissuk meg a DAW-ot és állítsuk be a BPM-et valahova 140 és 170 közé, majd helyezzünk el egy sima dob loop-ot. Kezdjünk 8 bar-ral, majd menjünk fel 16-ra. Készítsünk drop-ot drop után egy azon project-en belül. Miután úgy érezzük, hogy kész egy drop, nem tudunk rajta már mit javítani, akkor kezdjünk egy másik drop-ot ugyanitt.

Használjunk referencia track-et, hogy mutassa az utat az elemek elhelyezésénél, hogy melyik dob és melyik szintetizátor hova kerüljön. Minél több ilyet megcsinálunk, annál könnyebben fog menni.

Módosítsunk a szakaszvégeken

A legtöbb trap drop 16 bar hosszúságú, aminek az eredménye az, hogy a hallgató füle belefáradhat abba, amit hall. A legkönnyebben ezt úgy tudjuk elkerülni, ha a drop első fele után változtatásokat eszközlünk.

Ha megfigyeljük a RL Grime – Core című számot, akkor észrevehetjük, hogy a drop második felében nem csak a lead pitch-et csökkenti egy oktávval, de cintányérokat is hozzáad, ezzel pedig hallgató érdeklődését fenntartja. Eg új elem hozzáadása vagy egy már meglévő megváltoztatása hosszabb távon is érdekessé teszi a drop-ot.

Egy Arpeggiator-t is használhatunk, hogy a drop-ot átvezessük a második felébe. A lehetőségek száma végtelen, így van bőven helye a kísérletezésnek.

Fordulópont elhelyezése

A fordulópont csupán egy zenei átmenet. Általában a második félbe való átmenetnél szokták használni vagy a drop utáni letörésnél. A Zeds Dead and Diplo – Blame jól bemutatja, hogy miről is van szó. Egy dobot használnak, valamint egy futurisztikus hangzást, amely a szám kivezető szakaszába visz át minket.

A fordulópontok jól használhatóak az drop intenzitás fenntartására és ezt számtalan módon érhetjük el. Akár csöndet is használhatunk ezeken a helyeken, hogy mélységet és kreativitást adjunk a drop-hoz.

A sok lehetőség közül nehéz választani, hogy melyik illik igazán a zenéhez, de ez gyakori. Egy referencia track mindig sokat segít, ha holtpontra jutunk.

 

Folytatatása következik…..

Forrás:https://cymatics.fm/

Sub-bass készítés és mixelés FL Studio-val

Sub-bass hármas oszcillátor használatával

Az első, amire szükség lesz az az, hogy egy csatornát adj hozzá a Channel ablakban, valamint egy step sequencer-t. Minden csatornát vehetünk egy hangszernek vagy sample-nek. Ahhoz, hogy ezt megcsináljuk, kattints az Add new-ra és válaszd ki a 3xOSC-t. Miután hozzáadtad, meg fog jelenni a Channel ablakban és a csatorna beállításai pedig a jobb oldalon lesznek elérhetőek.

3xOSC beállítások

A Channel settings rész az a terület, ahol a csatornát állíthatjuk, hogy a megfelelő basszus tónust elérjük. A beállítási ablakban van az OSC2 és OSC3 szekció. Az OSC2-höz és OSC3-hoz tekerjed a hangerőt teljesen balra (0 hangerő). Ha MIDI bllentyűzettel rendelkezel, akkor a C2 környékén egy sub-bass hangot hallhatsz. Ha nincsen MIDI billentyűd, akkor is játszhatsz hangokat a csatorna ablakban vagy a piano roll ablakban. A beállításokat ehhez a lépéshez az alábbi képen találod meg. Következő lépésként keressed meg a Course Tuning (CRS) knob-ot az első oszcillátornál és tekerjed teljesen balra, amely csökkenteni fogja a pitch-et 24 félhanggal vagy két oktávval.

Sub-bass mixelése

Fontos, hogy tudjunk sub-bass mixelésben alkotni, mivel ez elengedhetetlen a beat-ek készítéséhez. Ez az elem meghatározó a legtöbb hip-hop és R&B számban. Sajnálatosan ez a zenei elem, amit a producerek nehezen szoktak jól elhelyezni a track-ekben.

A legtöbb sub-bass egy szintetizátor szinusz hullámából készül. A másik népszerű módszer, hogy egy 808 sample-ból készítik el. Az emberek többsége megszenved azzal, hogy jó basszust készítsen, mivel vagy sub-bass szintetizátort használnak, amely nem szerepel jól egy mixben. Vagy egy 808-as hang, amely ugyancsak nem illik a zenébe. Kezdőként elsőnek analizálni kell a hang forrását. Lehet használni sample-t vagy szintetizátor hangot, amely túl sok és túl erős.

Sub-bass kompresszálása

A sub-bass hangást nagyban segíti a kompresszálás. Ha nagyon figyelsz, amikor szól egy sub-bass, gyakran észre lehet venni, hogy néhány hang hangos, míg más hangok eléggé halkak. Kompresszálással beállíthatod, hogy a hangerők egyensúlyban legyenek és konzisztens hangzást adjanak.

Basszus 3xOSC használatával

Mielőtt effekteket adhatnánk a basszushoz előtte hozzá kell rendelnünk a saját track-jéhez a mixerben. Ezt úgy tehetjük meg, hogy kiválasztjuk a track-et és megnyomjuk a Ctrl+L gombokat. Az első lépés, hogy csökkentsük az átlag rms-t olyan -18 db körüli értékre. Ennek a célja az, hogy a hangszer optimális értéken legyen az effekthez, amit majd a basszuson fogunk alkalmazni. Ha ki szeretnéd hagyni ezt a lépést, akkor arra figyelj, hogy a sub-bass csúcspontja -6 db körül legyen a mixernél.

EQ Sub-bass

Az EQ-zás nagyszerű módszer arra , hogy megakadályozzuk azt, hogy a sub-bass elnyomja a többi hangszert. Jó kezdés lehet az EQ plugin egy analizálóval, mint például az EQ 2 az FL Studio-ban. Az analizáló segítségével láthatod a domináns frekvenciákat, amikor lejátszod a zenét. Általában nem szeretnénk, hogy a sub-bass 60 Hz fölé menjen, de a basszus frekvenciák lehetnek ennél sokkal magasabbak is, akár 85-90 Hz is. Ha igazán arra összpontosítasz, hogy mély basszust készíts, akkor érdemes a 60 Hz feletti hangokat teljesen kiszűrni. Alkalmazhatsz még HPF néhány kisebb frekvencián is 20 Hz körül, így a tartomány alja tisztábban fog hangzani.

Ez az a területe, ahol nincsen teljes egyetértés. Néhányan szeretik bent hagyni ezeket a frekvenciákat, mivel hallani nem lehet őket, de érezni lehet. Használd a saját füled és dönts te magad, hogy neked melyik megoldás tetszik jobban. A példában HPF és LPF is jelen van meredek ívekkel.

Ezek a látszólag kis finomítások hatalmas hatást tudnak gyakorolni és meghatározzák, hogy milyen jól szól majd a basszus. Sokan félreértik a lényegét a sub-bass hangoknak és emelik a frekvenciát és a végeredmény csúnya lesz, hisz a basszus kezd összeolvadni más hangszerekkel.

Itt is érvényes az a szabály, hogy a kevesebb sokszor több. Ha találsz egy jó hangot, tisztítsad, EQ-zd és kompresszáld, hogy része legyen a zenének az eredmény és ne pedig elnyomja.

Effektek alkalmazása a basszuson

Az FL Bass plugin használatával felturbózhatjuk a basszusunkat. Ez kicsi erősítést ad a hangnak, de az eredmény annál jobb lesz. Ha a sub-bassnak nagyobb mélységet szeretnél adni, akkor a “stereo widener” effektet érdemes használni. Az effekt láncolatba az Izotope Ozone 4-et betéve pedig a hangot izgalmasabbá lehet tenni.

Miután minden kívánt effektet alkalmaztunk, egy trim plugin használatával állítsuk be, hogy a hang olyan -18 db körüli rms értéket üssön meg. Előfordulhat, hogy nincsen ilyen plugin-od, ebben az esetben csak ügyelj arra, hogy a csúcs a sub-bass csatornán -6 db körül legyen.

Iratkozz fel hírlevelünkre és kapj extra kedvezményeket kurzusainkból!

Skeldar

Forrás: FL Beat Tutorials

Sub Bass keverés (mixing)

Iskolánkba nagy figyelmet szentelünk a sub basszus keverésére. Ebben a tutorialban az alapvető sub keverési technikát fogjuk nektek bemutatni.

Annak érdekében, hogy tiszta low end mixet kapjunk, nagyon fontos, hogy foglalkozzunk a sub bass-ekkel. Néhány egyszerű technika segítségével nemcsak javíthatunk a sub bass-eken, hanem kordában is tarthatjuk a mély tartományt. Az első és legfontosabb, hogy megfelelő lehallgató rendszerünk legyen.

Érdemes figyelni arra, hogy a sub bass ne legyen túl hangos, mert nagyon sok headroom-ot elvesz és nehéz lesz a többi hangszert előtérbe helyezni. Különösen fontos, hogy kontrolláljuk a mély frekvenciákat, így a mix nem fog veszíteni ’fényességéből’. Az alábbiakban megismerkedünk a legáltalánosabb sub bass mixelési technikákkal.

EQ-zás

Az EQ-zás az egyik legfontosabb eleme a sub bass formálásának. Érdemes levágni a magas frekvenciákat 100-200Hz felett, hogy teret engedjünk a többi hangszernek a mixben. A cél az, hogy a mély frekvenciákra koncentráljunk és eltüntessük azokat a magas frekvenciákat, amelyek zavaróak lehetnek. Mindezek mellet az infra hangokat is tüntessük el, hiszen ezek a frekvenciák az emberi fül számára nem hallhatóak, azonban ez a tartomány is a headroom-ból vesz el. A 30Hz alatti vágás fényességet (clarity) és ütést ad (punch). A legtöbb esetben a nagyon mély frekvenciák vágása segít abban, hogy a sub bass hangosabb legyen. A sub bass emelése energiátlanná teheti a mixet és headroom-ot vesz el, ha pedig túl sokat vágunk, akkor vékonynak fogjuk érezni a mixet. Szintén nagyon fontos, hogy a többi hangszerről távolítsuk el a mély frekvenciákat, ezzel teret adva a sub bass-nek.

Szaturálás

A szaturátor használata kiváló megoldás, hogy feldobjuk a sub frekvenciákat, mivel felharmonikusakat ad hozzá. Szaturálni az EQ-zás előtt érdemes, hogy biztosan eltávolítsuk a szükségtelen magas frekvenciákat.

A következő eszközünk a kompresszor, amivel további ütést (punch) adhatunk a sub bass-nek. A közepesen gyors attack és közepesen gyors release kitartott, egyenletes basszust fog eredményezni, illetve elkerülhetjük a clippelést is. Nincs általános beállítása a kompresszornak, ezért fontos, hogy hallgassunk a fülünkre és annyi kompresszálást használjunk, amennyire épp szükség van. Egy másik fontos elem a sidechain kompresszálás, ezzel a technikával szétválaszthatjuk a sub bass-t és a lábdobot. A lábdob és a sub bass hasonló frekvenciákon mozog, ezért lényeges, hogy mindkettőnek teret adjunk.

Mono kompatibilitás

Végül, de nem utolsó sorban győződjünk meg róla, hogy a sub bass mono. A mono szignálnak nagyobb az ütése (punch) és jelenléte (presence), mint a sztereó hangoknak. Emellett a legtöbb klubban mono hangrendszert használnak, emiatt veszíthetsz a mélytartomány energiájából. Hasznos, ha frequency analyzer-t és stereo analyzer-t használsz, hogy vizuálisan nyomon követhesd a basszusodat.

 

Maddow

 

Tetszett a poszt érdekel a zeneszerkesztés? Akkor gyere el bemutató napunkra!

 

Iratkozz fel hírlevelünkre és kapj extra kedvezményeket kurzusainkból!

BEVEZETÉS A MODERN ZENESZERZÉS VILÁGÁBA

Nem tudod felmérni, érdemes-e egyáltalán belevágnod és ha igen, akkor ehhez mire lenne szükséged?

Gyere el alapozó képzésünkre! Ismerkedj meg tanárainkkal!

Érdekel a zeneszerkesztés, a zeneszerzés?

Bemutatjuk képzéseinket!

Nem ismered a szoftvereket?

Végigjárjuk a zeneírás teljes folyamatát! Bemutatjuk zenei képzéseink!

A képzés árát  később – ha eljössz további képzésekre – beszámítjuk azok árába.

Biztosítunk neked egyedi hangmintákat, amivel elkezdheted az otthoni zeneszerkesztést.

4 dolog amit mixeléssel oldunk meg, pedig zenei felépítéssel (arrangement) kellene!

 

Arrangement (zenei felépítés)… szinte, mint egy csúnya szó.

A zeneszerzést több folyamatra bonthatjuk. Mindegyik lehet akár külön tudomány is, viszont maga a producerkedés ezeknek a folyamatoknak az összessége.

A zeneszerzés, felépítés, hangszerelés alapvetően különbözik a mixeléstől. A mixelés olyan, mint az öltözködés. Ha nem vagyok rámenős, azért van, mert nem viselek kihívó ruhát. Az arrangement ezzel szemben pont olyan, mint ahogy kinézünk, ha nem vagyok rámenős, azért van, mert ha 20 kilót le kell dobnom magamról, nyilván akkor nincs akkora önbizalmam.

Sokkal egyszerűbb elfogadni, hogy egy számnak jobb mixing kell, mint jobb dalszerzés vagy felépítés, esetleg Sound design.

A mixelés (lekeverés) sok esetben csak önmagunk mentegetése, hogy igazából mi nagyon jó producerek vagyunk, de nincsenek méreg drága felszereléseink vagy nem telik hangmérnökre. Ha egy zene javításra szorul, be kell látnunk, az a mi hiányosságunkat tükrözi.

A fájdalmas igazság az, hogy a különböző oldalak és a hangmérnöktársadalom szinte már belénk ülteti azt a téves vélekedést, ha rossz egy zene, akkor az szinte csakis a mixing (lekeverés) vagy mastering miatt lehetséges. Pedig mélyen legbelül azért sokan érezzük, nem feltétlen ezen bukott el egy adott projekt. Szóval sok esetben, amikor a lekeveréssel szeretnénk javítani egy zenénken, egészen más helyen kell keresnünk a problémát.

Ne érts félre, fontos a lekeverés, de mixelés előtt már eleve jól kell, hogy szóljon a zenénk.

Itt van négy probléma, amit általában mixeléssel próbálunk megoldani ahelyett, hogy hangszereléssel vagy az arrangementtel (felépítés) orvosolnánk.

mixing-pult

I. Hangok amik nem illenek össze

Amit használunk: EQ, kompresszor

Kinézünk egy jó hangot, hihetetlenül jól szól. Kinézünk, egy másikat, szintén nagyon jól szól. Összerakjuk őket hirtelen, elromlik az egész hangzás. Utána vadul EQ-uzni és kompresszorozni és gyakorlatilag akkora lyukakat ütünk a hangszerek frekvencia spektrumába, hogy szinte meg se közelíti azt a minőséget, amit a hangszerek önmagukba képviseltek.

Amit használnunk kellene:

Nagyon sok dolog lehet, ami miatt nem fog a két hang együtt jól működni. A leggyakoribb gond az, hogy már a komponálásnál elvérzik ez a dolog. Jó, ha tudjátok, hogy a hangszerek frekvencia spektruma 8 oktávon helyezkedik el. Már azzal nagyon el tudjuk rontani a mixünket, ha nem megfelelően osztjuk el a hangszereket a frekvencia spektrumon. Például nagyon nem jó ötlet a basszus hangokat a 3-4. oktávra pakolni (DAW szoftverenként eltérhet az oktáv valódi hangmagassága).

Másik probléma az összeütköző hangjegyek. Az egyidőben összeütköző hangjegyek, dallamok már önmagukba sokat tudnak rontani egy produkción. Ezt könnyen megoldhatjuk, ha dallamírás szinten belenyúlunk egy-egy hangszerbe. Például, ha basszus hangok együtt hangzanak a (ugyanazon skálán) lábdobbal már sokat segítettünk a teljes hangzáson. Az emelkedő dallamok az egyik hangszeren sokszor összeütköznek egy másik hangszer dallamaival, sokszor fura akkordok jönnek emiatt létre. Véssétek a fejetekbe, teljesen mindegy, milyen királyul szól egy dallammenet, ha a tényleges produkcióban lévő többi dallammal összeütközik. Fokuszáljatok egy fő dallamra, a többi dallam csak kísérő legyen a többihez képest. A Sonic Schoolban megtanítjuk nektek, milyen skálákat hogyan érdemes használni, melyek azok az akkordok, amik jól szólnak együtt és, hogy ne írj olyan dalalmokat, amik kioltják egymást.

II. Mudiness (koszosság rossz értelemben)

Amit használunk: EQ

Most azt gondolhatod, hogy mégis mivel szüntessem meg a koszosságát egy mixnek, ha nem az EQ-val. Ez a folyamat csak részben felel meg a valóságnak. Az EQ-uzás, az tényleg a mixelés egyik fő folyamata, azonban ennek csak segítenie kellene a zeneírást nem pedig megoldani a fő problémákat. Valójában nem kell sok EQ-ut használnunk ahhoz, hogy tisztán hangzó zenéket gyártsunk.

Amit használnunk kellene:

A különböző hangszerek már az előbb említett módon külön szekciókba szólaljanak meg. Sokan lebecsülik az olyan eszközök tulajdonságát, mint a reverb vagy a delay. Pedig a sztereo térben való elhelyezés nagyon fontos. Sokszor nem is kell EQ-uzni, ha megfelelően használjuk a delay és reverb pluginjeinket.

 

 

ableton-arrangement

III. Nem üt akkorát amekkorát kellene

Amit használunk: EQ, reverb, delay, kompresszor

Amikor egy szám úgymond vékony vagy erőtlen, akkor ugye a legtöbben még több torzítást, kompresszort használtok vagy limiterekkel felerősítitek az adott zene hangzását. Ez egy remek eljárás, mégse ideális.

Amit használnunk kellene:

A lényeg itt megint a felépítés. Sok hangszer már önmagában is nagyon erős hangzást képvisel, gondolok itt a Nexusra vagy Serum szoftver szintetizátorokra. Ha megfelelően elosztjuk időben a hangokat, akkor egyrészt sokkal tisztább lesz hangzás, több erő jut a lábdobnak (kick) és könnyen lekövethető arrangemen-tet kapunk. Másik megoldás ha layerelünk. Tehát ugyanazt a hangot több úgynevezett layerből (réteg) keverjük ki, ebben az esetben a hangszerek együttesen sokkal erősebb érzetet fognak adni, mint ha csak pl egy basszus gitárt alkalmaznánk.

A harmadik megoldás pedig, használjunk minél több hangjegyből álló akkordot, az igazán vastag akkord mentek 4-5 oktávon vannak lefogva és 4-6 hangjegyet tartalmaznak. Ha összehasonlítjátok egy sima 3 hangjegyes triáddal, akkor észre fogjátok venni a különbséget.

Nagyon fontos, ha kevés hangszert használsz, akkor üres lehet mixed és azt hiába mixeled. ami nincs ott az a lekeveréstől meg mastertől se lesz ott.

 

fl-studio-arrangemnet

IV. Érdekesség.

Amit használunk: Mindent mindennel!

A mai elektronikus zenében szinte minden technikát bevetünk a cél érdekében: EQ, kompresszor, delay. reverb, torzítók, stb.

Nem azt mondom, hogy ezzel baj lenne, csak a mixelésnek nem ez lenne a lényege, hogy ezeket az effekteket létrehozza, hanem alapjába véve erősítse azokat! Ha sok hangszert, dallamot próbálunk egy teljesítménybe rakni akkor azt a felépítés során szépen építsük fel és kerüljük az olyan dolgokat amikor, 3-4 dallam vagy hangszer szól egymás alatt.

Konkluzió:

 

A lényeg, hogy a mixelés csak egy folyamat a zeneszerkesztés közben, a jól felépített átgondolt produkció már kevés utómunkát igényel. A zenék mixelik magukat. A felépítés és hangszerelés az igazi kihívás egy zeneszám megírása közben, mégis a mixelésről masterelésről beszélnek a legtöbbet, holott nem ezen múlik a legtöbb dolog.

Forrás: https://theproaudiofiles.com

Inbetween

 

Tetszett a poszt, érdekel a lekeverés? Akkor jelentkezz iskolánkba!

 

Iratkozz fel hírlevelünkre és kapj extra kedvezményeket kurzusainkból!

 

5 ok, amiért érdemes weblapot csinálnod

slowmagic

Volt már valaha problémád azzal, hogy fellépéseket szerezz, vagy építsed a rajongótáborod?

Ez lehet, hogy azért van, mert nincsen weboldalad.
Sokan azt hiszik, hogy nincs szükségük weboldalra. Szerintem ez egy igen szűk látókörű gondolkodás.
Most meg fogom mutatni, hogy milyen előnyökkel is jár egy weboldal és, hogyan is szerezhetsz így több rajongót, profitot és lehetőséget.

Sugározz professzionalizmust

diplo

Ez a legfontosabb. Professzionálisnak lenni az iparban hihetetlenül fontos.
Ez azt jelenti, hogy megfelelő e-maileket kell írni és üzletember módjára kell viselkedni….

NEM TELJESEN!

Mielőtt belemegyünk itt egy kis pszichológia:
Az emberek vélemény nagyban függ a rólad kapott információk összességétől. Ez így rendben van, de ez mit is jelent? Mondjuk azt, hogy a művésznek van egy lenyűgöző képe, sok követője Instagramon és Facebookon. Ettől egyesek egyből sokkal többre kezdik tartani az előadót.
Aztán megnézed a SoundCloud fiókját és látod, hogy csak 75 követője van, és alig van pár lejátszása. Ezek után mit gondolsz az egészről?
Ugyan ez a koncepció igaz egy igényes weboldalra is. Az összes A&R és rajongó egyből jó véleménnyel lesz rólad, miután megnézi a weboldalad.

 Professzionális Email Domain

e-mail

Ez a legegyszerűbb módja, hogy hitelessé válj.
Tegyük fel, hogy kaptál 2 emailt. Döntsd el te, hogy szerinted melyik a komolyabb.

From: johnforsyth@gmail.com                     vagy                From: john@forsythrecords.com

Nem kell sokat gondolkozni. Az agyad automatikusan arra következtet, hogy a második a jobb, mert nem tudná akárki elkészíteni. Neked is szükséged van legalább egy ilyen weboldalra.
Nem csak hitelesebbé válsz tőle, de még fel is csigázza az érdeklődést, hogy meglátogassák az oldalad.

Több Free Download

signup

 

Bármely előadó, aki kiteszi ingyenesen letölthetővé a zenéjét SoundCloudra anélkül, hogy bármit is kérne érte cserébe, egy hatalmas lehetőséget hagy ki. Nem azt mondom, hogy árazd be a zenéidet darabonként $1.99-re, mint ahogy a Beatport csinálja….
De akár kerülhetne egy like-ba, követésbe vagy email címbe.
Azok az idők, amikor a rajongók maguktól hallgatták a zenédet már véget értek. Naponta több száz zenével, videóval, reklámmal és telefonhívással bombázzák őket. Nagyon nehéz keresztül vágni ezen a „zajon”. Ezért kell a lehető legtöbb módon emlékeztetned őket, hogy létezel.
Az e-mailek, like-ok és követések gyűjtése elengedhetetlen, hogy kapcsolatban maradj a rajongóiddal.

Email vs Közösségi média

 

e-mail-social
Hagy magyarázzam el, hogy miért is fontos a rajongók e-mailcímeinek gyűjtése és, hogyan is tudod megtenni ezt a weboldaladon.
A legtöbb közösségi oldallal az a probléma, hogy ha a rajongóid követnek is téged, akkor is több millió tartalommal kell versenybe szállnod, ami az üzenőfalukon megjelenik. És akkor még nem is említettem, hogy a Facebook a rajongóid csak egy kis százalékának mutatja a posztjaidat.
Az adweek.com kutatása alapján egy Facebook poszt a rajongóid 2.6%-át éri el. Ez nem azt jelenti, hogy a közösségi média hasztalan, ez csak azt jelenti, hogy több dolgot is kell tenned, amikor megjelentetsz egy zenét.
A legszebb az e-mailekben a kontroll. Amikor megjelentetsz egy új zenét, akkor személyesen tudod szétküldeni az összes rajongódnak.

E-mailek cserébe a letöltésért

subscribe

Hogy tudod elérni, hogy az emberek megadják az email címüket?

EGYSZERŰ!

Ahelyett, hogy ingyenesen letölthetővé tennéd a zenéidet SoundCloud-on, vedd rá az embereket, hogy megadják az email címüket a letöltő oldalon. Amikor a weboldaladat építed, le tudsz tölteni ingyenes pluginket, mint például a Mailchimp, és készíthetsz egy oldalt ahol meg kell adni az email címüket a letöltésért cserébe.
Ha legközelebb, ha van egy új zenéd, akkor emailen keresztül tudasd a világgal. Egyébként nem kell döntened a közösségi média és az e-mailek között. A legjobb módszer, ha minden lehetséges módszert kihasználsz, hogy elérd a kívánt eredményt.

Like & követés a letöltésért

facebook-download

A másik dolog, amit a letöltésért cserébe kérhetsz az a követés és a like.
Annak ellenére, hogy a Facebook hátrányait említettem, létfontosságú, hogy növekedj a közösségi platformokon az extra figyelem kedvéért. Könnyen itt is elérhetsz pár embert, de ami ennél is fontosabb, hogy a like-ok és a követések száma még hitelesebbé tesz.
Több tonna különböző plugin van, amit használhatunk, de mi a Social Lockert használjuk. A likeok és követések száma nem csak hitelesebbé tesz, de még segíthet a jövőbeni fellépések biztosításában.

Te kit hívnál meg a bulidba? Akinek 20.000 like-ja van, vagy akinek 700?

Blogoljál

 

Egy blogot fenntartani időigényes lehet, de hatalmas forgalmat is generálhat.
Egy blog módja lehet annak, hogy a rajongóid ne csak a zenét miatt látogassák az oldalad. Ryan Hemsworth Secret Songs blogját közel 50k-n követik SoundCloud-on. Minden zenéje legalább 100k lejátszást kap. Mikor a saját zenéjét posztolta, másnapra 155k lájátszást ért el.

secret-song

Egy hely, hogy pénzt keress

 

machandise

Szerintem egy előadónak több bevételi forrást is találnia kell. A weboldalad erre egy tökéletes hely. Gyakori, hogy producerek itt árulják a saját cuccaikat. A kalózkodás felemelkedésével az előadóknak más bevételi forrásokat is ki kell aknázniuk a pénzkeresés érdekében. A legjobb része, ha saját weboldalad van, hogy azt árulhatsz, amit csak akarsz.
De hogyan?
Ha WordPress-t használsz a weboldalad elkészítésére akkor egyszerűen töltsd le a Woocomerce-t. Aztán kösd össze a Paypal felhasználóval a Woocomerce plugint. Ezek után kész is vagy.

Konklúzió

Megértem, ha csak hobbiból írsz zenét, lehet, hogy ez a blog nem neked való, de ha komolyan gondolod, akkor kénytelen leszel készíteni egy weboldalt!
Ha már van weboldalad, vagy dolgozol egyen akkor nyugodtan linkeld be a kommentekhez. Én személyesen nézem végig őket és elmondom, hogy mit gondolok róluk.

Ranek

 

Forrás:https://cymatics.fm

 

Hogyan készítsünk Fill-eket FL Studio segítségével!

Ebben a videóban a zenei elemek összekötését segítő FIll-eket vesszük nagyító alá!

 

 

 

Tetszett a poszt érdekel a zeneszerkesztés a lekeverés? Akkor jelentkezz iskolánkba!

 

Iratkozz fel hírlevelünkre és kapj extra kedvezményeket kurzusainkból!

 

Az elektronikus zenei producer 5 szakasza

Amikor elkezdtem ezt az egészet akkor fogalmam sem volt, hogy mit kéne csinálni. Nem tudtam, mit kell megtanulni, és mire kellene időt fordítani. Bárcsak lett volna akkor egy útmutatóm, amely segített volna kezdőből képesített művésszé válni.

Ha követed az ajánlásokat és a videókat, amiket ezen az oldalon találsz, hidd el nekem, hogy jó pár hónapot, évet spórolsz meg, míg kezdőből profivá válsz.

Producer életünk során 5 szakaszt tapasztalunk:

  1. Kezdet
  2. Exponenciális tanulás
  3. Alámerülés
  4. Jártasság
  5. Kiválóság

Néhányatok talán az 1. szakaszban van – még új számodra a producerkedés, fogalmad sincs, hogy mit is kéne csinálni. De lehet, hogy a 3. szakaszban vagy, és kreatív problémákkal küszködsz. Bármelyik szakasznál jársz, mindig vannak kulcsfontosságú dolgok, amikre figyelned kell.

Ha az iskolánkat el kellene helyezni, akkor azt mondanám leginkább az első szakasz, ami ránk jellemző, mert sokan a teljesen 0-ról indulnak neki a zenélésnek viszont a 2-es 3-as szakaszban lévők is sokat tanulhatnak az iskolánkból, főleg akik 3. szakaszban úgy érzik, már nem tudják, mivel motiválni magukat. Itt mi nagyon be tudunk segíteni  folyamatba. A haladó képzésünk kifejezetten a 3.-4. szakaszban lévőket érinti.

Első  Szakasz: kezdet

Idő: 2-4 hónap

Ez a legtöbb ember számára kifejezetten izgalmas. Rájöttél (remélhetőleg) hogy nincsen szükség fél millió dollárt érő eszközökre ahhoz, hogy elektronikus zenét készíts, és mohón nekiállj összerakni egy zenét.

 

Az izgalmak közepette kétségbeesetten vágyakozol válaszokért, hogy minek kéne lennie az alapvető kérdésnek. Milyen szoftvert kéne használnom? Szükségem van-e speciális felszerelésekre? Mit kéne elsőként megtanulnom?

Az első pár hónapban négy dologra kéne fókuszálni.

Válaszd ki és tanuld meg használni a DAW-odat

A legfontosabb dolog, ha elektronikus zenét szeretnénk készíteni, hogy válasszunk egy DAW-ot.
Ha ebben a stádiumban vagy, akkor bizonyára hallottad már néhány DAW nevét, csak hogy néhány ismertebbet említsek: Ableton Live, Fl Studio, Cubase és Logic Pro.

A kérdés, hogy melyiket válasszuk?

Van néhány dolog, amit realizálni kell ebben a pozícióban:

  • Az időt, amit annak szentelsz, hogy melyik DAW-ot is kéne választanod, fordíthatnád inkább tanulásra is.
  • Nincs olyan, hogy legjobb DAW, mindegyik arra lett kitalálva, hogy jó zenét készítsenek vele.
  • Később is nyugodtan válthatsz DAW-ot, ha szükségesnek érzed

music-producer

Annak ellenére, hogy nem ajánlott sokat gondolkozni a választáson, azért van néhány dolog, amit érdemes számításba venni:

  • Mit használnak a barátaid?
  • Mennyi pénzed van?
  • Melyik programra van képzés vagy bővebb tanulásra alkalmas ismeret
  • Egyéb befolyásoló tényezők.

A legjobb tanács, amit adhatok, hogy válassz egyet és kezdj el dolgozni még ma. Ennek a döntésnek nem kéne egy napnál tovább húzódnia.

A két legnépszerűbb DAW-nak, az FL Studio-nak és az Ableton Live-nak is van próbaverziója, amit bármikor ingyenesen le is tölthetsz. Ha nem tervezel még egy zsák pénzt elkölteni, töltsd le valamelyiket és próbáld ki.

Tehát ne vesztegessük el az időnket a DAW választással, csak töltsük le valamelyiket és álljunk neki. Később még meg fogod köszönni magadnak.

Szükségem van bármi féle felszerelésre?

Ezt a kérdést sok ember felteszi magának a kezdeti fázisban, hogy van-e szükség bármiféle felszerelésre a DAW-on kívül.

Két válasz van erre a kérdésre, egy teljesen igaz és egy általános válasz.

A teljesen igaz válasz, hogy ha van egy fejhallgatód vagy egy hangszóród (kivétel a laptop beépített hangszórója), akkor nincs is szükséged semmi másra. Meg lehet tanulni, hogy hogyan készítsünk zenét laptopon/asztali számítógépen egy Apple fülhallgatóval. Ez valóban így van, én is egy 3000 Ft-os asztali hangszóróval kezdtem.

Az általános válasz az, hogy egy komolyabb fejhallgatóra is szükség lesz és talán egy MIDI billentyűzetre. Az elsődleges dolog a listán egy komolyabb fejhallgató vásárlása legyen, ha jobban bele szeretnénk merülni a témába. Egy eőrsebb gépre is lehet szűkség de ez a témát már egy másik cikkben kitárgyaltuk, amit itt olvashatsz

 

DAW használatának elsajátítása

Miután letöltöttük a DAW-ot csábító lehet, hogy egyenesen beleugorjunk a zeneírásba.
De azzal csak a zavarodottságot és a frusztrációt éred el, ha nem vagy elég elővigyázatos, esetleg úgy döntesz, hogy abbahagyod az egészet, mert túl bonyolultnak tűnik és feladod.

A prioritás a DAW letöltése után az legyen, hogy tanuljuk meg használni. A legjobb módja ennek, ha elolvassuk a DAW használati útmutatóját. Ha nem tudsz jól angolul akkor például Magyarországon már kapható az Ableton 9-hez ismertető könyv amiből könnyedén megtanulhatod magának a szoftvernek a használatát. Et nálunk is beszerezheted mivel mivel iskolán alapítója Németh Balázs írta a könyvet.

Kísérletezés (játék)

Miután megismerkedtél a DAW-oddal a következő lépés a kísérletezés legyen.

Az egyetlen célja ennek, hogy érezzük jól magunkat. Persze megnézhetsz néhány tutorialt, megtanulhatsz pár dolgot, de mindenekfelett kísérletezz. Tanuld meg, hogy hogyan is tudsz elkészíteni egy egyszerű Beat-et. Próbáld meg lemásolni a zenék melódiáját.

Csináld ezt pár hétig.

Az első dal elkészítése

Az utolsó lépés a kezdeti szakaszban, hogy készíts egy komplett zenét az elejétől a végéig. Ne izgulj amiatt, hogy a zenének hogyan is kéne elkészülnie, akkor se, ha van szabály vagy nincs. Egyszerűen készíts valamit, ami legalább két perc vagy több, és mondjuk azt, hogy kész.

Ez egy alapvető lépés. Muszáj, hogy elsajátítsuk ezt a szokást, hogy a lehető legrövidebb időn belül befejezzük a dalunkat. Ha nem így teszünk, akkor annak az esélyét növeljük, hogy a későbbiekben sem leszünk képesek semmit befejezni.

Vonzó lehet a gondolat, hogy másokkal megosszuk a művünket, esetleg készítsünk egy SoundCloud fiókot, vagy posztoljuk a zenénket Youtube-ra. Kárt nem teszünk ezzel, de én nem ajánlom. Ez csak eltereli a figyelmünket, főleg a kezdeti fázisban

Második szakasz: Exponenciális tanulás

Idő: 6-24 hónap

A második szakasz az, ahol ez az egész folyamat igazán elkezdődik.  Elkezdesz rájönni a dolgok nyitjára és minden egyes zenéd jobban szól, mint az előző.

Ez a szakasz elég sokáig tart, általában 1-2 év, mire átvergődünk rajta. Egyeseknek lehet, hogy kevesebb lesz, főleg ha rengeteg időt tudunk ráfordítani. Másoknak lehet még tovább is, mint két év.

A második szakasznak azért exponenciális tanulás a neve, mert itt pontosan ez történik. A produceri képességeid exponenciális sebességgel fejlődnek. Itt egy illusztráció (igen ez nem exponenciális görbe, de a lényeget jól szemlélteti):

 

Ez egy izgalmas szakasz több okból is. Felnyitja a tekintetünket, és az elektronikus zene készítés végtelen tárháza nyílik meg számunkra. Ha meghallgatunk egy zenét, amit akár csak két héttel azelőtt készítettünk, egyből észre fogjuk venni, hogy mennyit fejlődtünk.

Ebben a szakaszban, vagy legalábbis az első pár hónapban, hétről hétre fogsz fejlődni, ha elég energiát fektetsz bele, és követed a 4 kulcsfontosságú pontot, amit alul felsoroltam:

Az alapok elsajátítása

Az első szakaszban már bizonyára megnéztél néhány tutorialt és elolvastál pár cikket. Valószínűleg a zeneelméletről is tudsz egy-két dolgot, és van már valami fogalmad arról is, hogy mit csinál az EQ.

Itt az ideje, hogy leüljünk és tovább fejlesszük az alapvető tudásunkat

  • Zeneelmélet
  • Felépítés & elrendezés
  • Mixing
  • Sound design

Fontossági sorrendben írtam le az imént a dolgokat, mert fontos, hogy megértsük, hogy ez egy igen mély és szerteágazó téma. Csak akkor érdemes elmerülni valamelyikbe igazán, ha nagyon jó okunk van rá. Komplex jazz elméletre valószínűleg nem lesz szükséged ahhoz, hogy ha csak néhány techno zenét szeretnél összedobni.

Zeneelmélet

A zeneelmélet ismerete elengedhetetlen annak ellenére, hogy van néhány producer, akinek fogalma sincs az egészről. Az elektronikus zenekészítés eltér a hagyományos zeneírástól, de attól még mindig zene, és az alapvető zenei koncepcióra épül. A zeneelmélet megtanulásának kihagyása talán az egyik legnagyobb probléma.

Általunk készített pár tutorial nagyon jól elmagyarázza az alapokat:


Felépítés & elrendezés

A felépítés és az elrendezés a másodlagos. Nincs értelme tudni, hogy hogyan rendezd el a zenei ötleteid, ha azt sem tudod, miként fektesd le őket.

Szerencsére az elektronikus zene egy kiszámítható és szabványrendszert követ. Erre példákat nem nagyon tudunk mutatni mivel ez a leghosszabb folyamat. Lehet gyakorolni még pedig úgy, hogy behúzunk kész zenéket a DAW-unkba és kielemezzük, vagy csak egyszerűen lopjuk ki és használjuk sajátunkként.

Mixing

Senki nem fog meghallgatni egy jól elkészített dalt, ami rosszul szól. Ezért fontos elsajátítani a mixelés alapjait.

Itt van néhány dolog, amit kezdésképpen ajánlanék:

Ha megtekinted ezeket, vagy csak néhányat közülük, akkor már elsajátíthatsz néhány értékes technikát, amit hasznosíthatsz is a munkafolyamatodban. Fontos, hogy a tanulás soha nem helyettesíti a gyakorlást, találjuk meg az aranyközép utat.

Fejezzük be gyorsan és gyakran

“Ahogyan Ira Glass mondta, a legjobb módja, hogy tökéletesítsük mesterségünk az az, hogy készítsünk sokat, és ne a legtökéletesebbre törekedjünk, hanem inkább sok kisebb darabra.”
Herbert Lui 

Egy csapda, amibe nagyon sok producer belesétál a második szakaszban a “tökéletes vagy mestermunka csapda”. Azt hiszik, hogy tökéleteset kell alkotniuk és arra kell fókuszálni, hogy mestermunkát végezniük.

A perfekcionista felfogás a második szakaszban nem csak gátolja a tanulási folyamatot, de az önbecsülésünket is lerombolja. Miért? Mert, ha túl magas elvárásokat állítasz fel magad elé a munkádban, és ha sikerül is elérned (ami nem valószínű), akkor is olyan tempóban fejlődsz, hogy két hét múlva már csalódást fog okozni a mesterműved.

Amire fókuszálni kéne, az inkább a befejezés. Nem csak egyet, hanem annyit, amennyit csak tudsz és lehetőleg minél gyakrabban.

Amikor a második szakaszban jártam, minden nap befejeztem egy zenét. Nem hangzottak jól, de minden nap, minden projekttel tanultam valami újat. A mennyiségre kell ebben a szakaszban fókuszálni, mert ha így teszel, akkor sokkal gyorsabban fogsz fejlődni.

Változatosság & további kísérletezés

A második szakaszban csábító lehet, hogy egy adott stílus mellett elköteleződjünk. Ez nem kifejezetten rossz dolog, de amit én ajánlok, hogy próbálj ki inkább minél többet.

Miért?

Mert sokkal gyorsabban fejlődsz. Például én dupsteppel kezdtem, és sokat tanultam a sound designról és a dob programozásról, amikor csináltam. Amikor Drum & Bass-t készítettem, akkor tovább fejlesztettem a dob programozást. Egy darabig techno-t és house-t készítettem, amik megtanítottak a groovera. Manapság a trance és a progressive house műfajban evezek, de hasznomra vált a többi stílusból szerzett tudás is.

Szóval, ha azt érzed, hogy stílust váltanál, akkor tedd meg és válts! Ne tartson vissza semmi!

Sound design

Ez szinte külőnálló műfaj a zeneíráson belül. Nagyon izgalma tud lenni, de teljesen el is lehet benne veszni. A különböző sávok bass, lead, pluck chord, hangok kikeverése külön tudomány. Ennek elsajátítása is egy hoszabb folyamat. Az alábbi videók segíthetnek nektek ebben!

Visszajelzés és kapcsolatgyűjtés

Ebben a szakaszban sok producer kezd el azon gondolkodni, hogy hogyan is kéne brandet építeni, és eladni magukat, valamint hogy miként szerezhetnének több követőt a SoundCloudon és így tovább.

Ez egyszerűen csak figyelemelterelés, és ha a második szakaszban ragadtál, akkor reménytelen próbálkozás is.

Annak ellenére, hogy nem kéne fórumokon spamelni a komment szekciót, Youtube-on a videók azt mondják, hogy te vagy a következő Martin Garrix, van néhány dolog, amit érdemes tenni a DAW-on kívül, ami előkészíti a jövőbeli sikereidet és gyorsítja a tanulásod, fejlődésed.

Az első, ha van néhány kész zenéd, akkor gyűjts be néhány visszajelzést az emberektől. Fontos, hogy más is hallja a munkád, mert ők esetleg rávilágíthatnak a gyengeségeidre. Például ha a mélytartományod minden zenédben túl hangos.

A második, amire fókuszálni kéne, hogy ismerkedj meg emberekkel a szakmában. Erre attól függetlenül is építeni kell, hogy mit csinálsz, mert a legjobb lehetőségek mindig a kapcsolatokból adódnak.

Ha szeretnél többet megtudni arról, hogy hogyan kapj visszajelzés arról, hogy milyen is a zenéd és hogyan építs ki kapcsolatokat, akkor ajánlom ezt az interjút.

Levi Whalen’s The Dance Music Maker’s Podcast (ugorj 48:00-ra, ha csak azt szeretnéd hallani, hogy mit mondtunk a kapcsolatokról és a visszajelzésekről)

Harmadik Szakasz: Alámerülés

Idő: 6-18 hónap

A harmadik szakasz a legnehezebb az elektronikus zenei producerek számára. Ha a szerencsés 1%-ba tartozol, akkor talán nem mész keresztül a harmadik szakaszon.

De valószínűleg át fogsz rajta esni. A legtöbb ember átesik.

A szomorú valóság az, hogy a legtöbb ember feladja, amikor eléri a harmadik szakaszt. A munka kezd egyre nehezebbé válni, és egyre több időt emészt fel. Leülsz dolgozni, hogy készíts valamit és halogatásba fullad az egész, vagy elkezdesz valami könnyebb, szórakoztatóbb dolgot csinálni.

Szerencsére a harmadik szakasz se tart örökké, és vannak technikák, hogy lerövidítsük a benne eltöltött időt.

Megbirkózás a túlterheltséggel

Az első dolog, amit muszáj megtenned, ha a harmadik szakaszba érkeztél, hogy megbirkózz a túlterheltség érzésével.

Garantálom, hogy túlterheltnek érzed magad, ha elakadtál a harmadik szakaszban. Már a gondolatától is túlterheltnek érzed magad, hogy nem dolgozol annyit, amennyit régen, vagy attól amennyi munkát bele kell fektetni egy komoly zene befejezésébe.

Bármikor, ha ezt érzed meg kell fordítani az érzéseidet és felül kell kerekedni rajta. Van egy ezer éves produktivitási technika, ami segít, hogy ezt kivitelezd. Ezt úgy hívják, hogy a nagy projekt kis feladatokra történő bontása.

Például, ha túlterhelt vagy a sok munkától, amit a zenére fordítottál, akkor bontsd kisebb elemekre az adott részt. Elsőként fókuszálj a melódiára. Ha ezzel kész vagy lépj a következő feladatra. Ez segít, hogy legyőzd a túlterheltség érzését.

 

Találj ki valami célt/motivációt

A legfőbb indok, amiért az emberek feladják ebben a szakaszban az az, hogy elveszítik a szenvedélyt, ami az elején megvolt.

Pedig a szenvedély az egyetlen mozgatórugója. Ez tagadhatatlan. De vannak időszakok, amikor ezt nehéz érezni, észrevenni. Ezért érdemes két dolgot kitalálni: a következő célt és egy mindent átölelő motivációt, hogy miért is írunk zenét.

A következő cél lehet az is, hogy kiadunk egy EP-t. Ez a következő „nagy” dolog a listádon, és ezért dolgozol tovább aktívan. De egy cél önmagában még nem elég, ezért van szükség egy másodlagos okra is.

Az én két okom, hogy azért írok zenét, mert szeretem, a második pedig az, hogy ez segít abban, hogy embereknek megtanítsam hogyan is tudnak zenét írni. A nehéz időkben, amikor frusztráltnak érzem magam, és nem érzem annyira, hogy szeretek zenét írni, akkor mindig belekapaszkodok a második indokba, és emlékeztet arra, hogy több okom is van rá, hogy folytassam a zenélést.

Tanuld meg, miként tudod átvészelni a kreatív problémákat!

A harmadik dolog, amit muszáj megtanulni ebben a szakaszban, az a kreatív problémák leküzdése. Meg fogod tapasztalni őket, mindenki megtapasztalja.

Legyél következetes és türelmes!

Hiába teszünk meg mindent, a harmadik szakasz így is-úgyis sokáig fog tartani.

Ez egy természetes szakasza a művészek útjának, egyszerűen nem lehet elkerülni. Meg kell tanulni ezzel az érzéssel együtt élni, mielőtt beléphetsz a negyedik szakaszba.

Nincs semmi varázslat, amivel a harmadik szakasz kényelmesebbé tehető. Ez eredendően kényelmetlen és a természetéből adódóan-folyamatos gyötrődés. Ez azt jelenti, hogy következetesnek és legfőképpen türelmesnek kell lenned.

A következetesség számít, mert nélküle soha nem jutsz túl a harmadik szakaszon. A következetesség azt jelenti, hogy szokásokat kell kialakítani. Ezek a szokások fognak átsegíteni azokon az időkön, amikor az inspiráció kámforrá válik. A harmadik szakaszban érdemes lefektetni egy alapvető beosztást. Például „minden nap leülök 30 percre zenét írni történjék bármi”, vagy „30 naponta legalább egy zenét befejezek és megjelentetek”.

A türelem is nagyon fontos. Muszáj megérteni, hogy a harmadik szakasz nem tart örökké, de nem rövid. Még akkor sem, ha nem látod a fényt az alagút végén. El kell hinni, hogy ott van és kész, várni kell (és dolgozni-dolgozni, minél többet, mert magától nem fog soha semmi bekövetkezni).


tumblr_static_kevin_at_work

Negyedik szakasz : Jártasság

Idő: 2-5 év

Nehéz kijelölni, hogy hol ér véget a harmadik szakasz, és hol kezdődik a negyedik, mert elég nagy az átfedés. Azt viszont tudni fogod, hogy mikor vagy túl a nehezén. A negyedik szakasz az utolsó szakasz az ötödik előtt, ami azt jelenti, hogy még itt is aktívan kell tanulni, fejlődni és javítani a munka minőségén.

A negyedik szakasz tipikusan éveket ölel fel. Fontos megérteni, hogy arról az időről beszélek, amikor jártasból kiválóvá válunk a szakmánkban. A legtöbb ember elismeri, hogy körülbelül 10 évre van szükség, hogy profivá váljunk bármilyen téren, “világ klasszis” szintet érjünk el.

Az hogy a negyedik szakasz 2-5 évig tart nem jelenti azt, hogy ebben a 2-5 évben ne válhatnánk akár jó, vagy remek producerré. Simán lehet karriert építeni a negyedik szakaszban is.

  1. Haladó tanulás és remake-elés

Ebben a szakaszban még jobban el kéne sajátítani az alap koncepciót, és egy képet kell alkotni, hogy a különböző ágak milyen kapcsolatban állnak egymással.

De itt az ideje mélyebbre menni. Ennél a pontnál már aktuálisabb a komplex jazz elmélettel foglalkozni, mint a másodikban.

 

Ha jobban érdekel a sound design, akkor érdemes a téma fizikai oldalát behatóbban tanulmányozni, hogy az adott hangformák miért szólnak úgy, ahogy. Ha a mixing részét szereted, akkor érdemes elmenni egy stúdióba gyakornoknak, vagy olvass el a témában pár könyvet.

Remake-elés (egy kész zene lemásolása)

Eljön az a pont, ahol már a szükséges könyveken és videókon átrágtad magad, és túl kell lépned az általános válaszokon, hogy árnyaltabb praktikákat és trükköket sajátíts el.

A legjobb módja ennek, hogy olyan művészektől tanulj, akik jobbak nálad.  Mindenkinek páratlan és egyedi gondolataik vannak, ebből következik, hogy mindenki zenéje másképp lesz egyedi.

Hogyan tudunk másoktól tanulni? Elemezzük ki a zenéjüket. A legjobb, ha remake-et készítünk. A remake készítés rákényszerít arra, hogy aktívan hallgassuk a zenét. Arra kényszerít, hogy új ötleteket próbálj ki és problémákat oldj meg. Arra ösztökél, hogy gondolkodj és gondolkodj arról, hogy mit hallasz, és hogy csinálták.

Kollaboráció

Előnyös lehet ebben a szakaszban a kollaborációra is fókuszálni. Dolgozhatunk egy másik producerrel, vokalistával vagy zenésszel. Több okból is hasznos lehet együttműködni:

  • tippeket, trükköket sajátíthatunk el más művészektől, producerektől
  • megtanulhatunk másokkal együtt dolgozni és ötleteket közvetíteni
  • megtanulhatunk kompromisszumokat kötni
  • hasonló gondolkodású emberekkel ismerkedünk meg
  • a másik előadó hallgatósága is megismerkedik a nevünkkel

Nincs arra kifogás, hogy ne működj együtt másokkal. Ha olyan helyen élsz, ahol senki nem készít zenét, akkor is összedolgozhatsz mással az interneten keresztül. Ha az interneten sincs ismerősöd, aki zenét készítene, akkor ne lustálkodj és csatlakozz  ((EDMProd Artist Community)) és kérdezd meg hogy nincs e kedve valakinek társulni hozzád.

Karrier utak

Ez opcionális, mert nem mindenki akar karriert építeni producerként. Lehet, hogy szereted a munkádat és csak hobbiból készítesz zenét.

De merem állítani, hogy sokatok azért olvassa ezt, mert zenész karriert szeretne építeni. Annak ellenére, amit az emberek mondanak, rengeteg karrier lehetőség áll fenn a képzett zenei producereknek. Lehetnek:

  • Zenészek
  • Végezhetnek szabadúszó munkát
  • Audió editálás
  • Sound design
  • Ghostolás
  • Filmes és kereskedelmi munka
  • Oktatás
  • Sample pack és egyéb produktum gyártás

Egyértelműen vannak még egyéb munkák is. Én csak arra szeretnék rávilágítani, hogy nem az Ultra Mainstage az egyetlen lehetőség.

Fontos megjegyezni, hogy azok, akik elérik az utolsó szintet, azért teszik, mert teljes időben azon dolgoznak, hogy tökéletesítsék a képességeiket. Ha a 10,000 órás szabályt vesszük alapul (nem érdekel, hogy mennyire tudományos), akkor 10 éveken keresztül legalább napi 3 órát kell dolgozni.

Napi 3 órában foglalkozni egy 9-5-ös állásban nem egyszerű. Elérheted az ötödik szintet, de ez természetesen nem egyszerű.

Ötödik szint: Kiválóság

Az utolsó szintet csak kevesen érik el. A kiválóságot úgy definiáljuk általánosságban, hogy amikor valamit már olyan sokáig gyakoroltál akkor tudatalattivá válik a cselekvés. Erőfeszítés nélkül tudunk zenét írni.

Ilyen elektronikus zenei mesterek szerintem: BT, Above & Beyond, Mat Zo, Koan Sound és így tovább.

Fontos megjegyezni, hogy én sem értem el még ezt a szintet, szóval minden, amit ezután ajánlok az tisztán csak megfigyelésen alapul, és azon, hogy én mit tennék ebben a szakaszban.

Mély kísérletezés

Miután mesteri szintre fejlesztetted magad és minden, amit készítesz, az minőséget képvisel, akkor jön el az innováció ideje.

A mély kísérletezés arról szól, hogy felrúgjuk az eddig kialakított szabályokat, és változtassunk a munkamenetünkön. Mesterként meg kell kérdőjelezni a feltételezéseinket és a produkciós folyamatunkat. Ez a legjobb módja a kivitelezésnek? Mi lesz, ha ezt így csinálom?

A profik kísérleteznek, mert már tudják, hogy mi fog történni, ha változtatnak. Ebből adódóan a kísérleteik jó eséllyel sikeresebbek lesznek, mint egy második szintbéli társaiké.

Gyakran ezek áttörésekhez is vezetnek. Talán egy új mixelési technika vagy komponálási metódus. Talán egy új típusú zenei struktúra. A zene folyamatosan fejlődik és a mesterek ennek a mozgatórugói.

Elágazás

Ha ezt a szintet elérjük, valószínűleg új kihívásokat fogunk keresni. Például elkezdünk akusztikát tanulni, vagy komoly zenét.  Több irányba elágazunk, és nem csak azért, mert ez segíti a produceri munkánkat, hanem mert érdekel is minket.

Vezetővé válás

Mesterként vezetővé válhatsz, ha csak nem vagy remete. Talán azért mert úttörő vagy, talán azért mert kitaláltál egy új stílust, ami híres lesz. Ki tudja?

Még a mestereknek is folyamatosan tanulnia kell.

Konklúzió

Hogy végigjárjuk az összes szakaszt sok időbe kerül. De megéri? Keresztülmenni a harmadik szakaszon megtapasztalva a sok kreatív gyötrődést? Megéri órákat belefektetni a tanulásba?

Csak te tudsz erre válaszolni. Én tudom a saját válaszom.

Ranek

Forrás http://edmprod.com/5-stages/

 

 

Lábdob kinyerése meglévő zeneszámokból!

Ebben a videóban végre te is meg tanulhatod, hogyan nyerd ki a legjobb kickeket egy-egy népszerű zeneszámból, hogy később felhasználhas saját szerzeményeidben! Ha tetszett iratkozz fel YouTube csatornánkra!

 

Tetszett a poszt érdekel a zeneszerkesztés többet tanulnál a lábobokról?? Akkor jelentkezz iskolánkba!

 

Iratkozz fel hírlevelünkre és kapj extra kedveznényeket kurzusinkból!