Ha a produktivitás kérdése felmerül, az azt jelenti, hogy elértünk egy új szintre. Függetlenül attól, hogy pénzért vagy az önmegvalósítás miatt írunk zenét, a hatékonyság növelése kulcsfontosságú mind a profitábilitás és mind amiatt, hogy a lehető legjobban használjuk ki az időt azzal, ami örömet okoz nekünk.
Nem volt még jobb időszak zenei producernek lenni. A zeneíráshoz szükséges eszközök könnyen elérhetőek és ami a legfontosabb, hogy megfizethetőek. Az alábbiakban csokorba gyűjtve olvashatsz arról, hogy hogyan használd ki a lehető leghatékonyabban eme rendelkezésedre álló eszközöket.
Használj második monitort
A képernyő a legnagyobb ajándék, amit adhatsz magadnak. A mai DAW-ok rendkívül jól testreszabhatóak. A megjelenítést teljesen az általunk használt munkafolyamatokhoz igazíthatjuk és ebben egy új/nagyobb képernyő nagy segítség tud lenni. Minél többet látunk egyszerre, annál gyorsabban tudunk dolgozni. Egy nagy képernyő ma már megfizethető és akár használtan is vehetünk egyet. Ne hátráltassuk magunkat azzal, hogy egy eldugott sávot keresgélünk.
Tudatosítsuk a prioritásainkat
Mindegyikünk csinálta már azt, hogy órákig csiszolta az egy darab filtert, hogy a szintetizátor basszusa tökéletesen szóljon. Ha elkészül a mix, az a kis változtatgatás elveszik, maga alá temeti a produkció többi része. Ami még rosszabb lehet, ha a határidő miatt már nem marad elegendő idő a vokálra.
Tartsuk észben, hogy mik a legfontosabbak a produkció szempontjából. Könnyen elkalandozhatunk egy örökkévalóságig a jobbnál jobb plugin-okkal, eszközökkel, loop-okkal és más fülsimogató hangokkal való kísérletezgetéssel. Ezek olyan dolgok, amelyek már sok producert letérítettek a produktivitás útjáról. A fontos az, hogy mindig arra koncentráljunk, ami támogatja a zene megírását.
Frissítsük a szoftvert
Bár könnyű azt gondolni, hogy a DAW készítők csak azért adnak ki folyamatosan frissítéseket, hogy feltöltsék a nyugdíjalapjukat, valójában történnek fejlesztések. Nem minden frissítés egyforma, de sok változtatás irányul arra, hogy könnyebbé tegye a zenealkotást.
Figyeljük a frissítéseket, de ne érezzük kötelezőnek, hogy minden verzióra rávessük magunkat. Ha olyan javítás érkezik, ami számunk fontos, akkor viszont ne habozzunk frissíteni. Új vokál képességek nem sokat jelentenek egy csak hangszerekkel dolgozó művésznek, ilyen esetben nem kell kapkodni. Azokat a frissítéseket érdemes megvenni, amit használni is tudunk és nem csak egy plusz porosodni való lehetőséget adnak.
Gain vezérlés
Az Ableton egymaga hozta létre a megfizethető (és nem annyira megfizethető) alternatív vezérlő felületek piacát. Amióta a klikk-és-húzd csúszkák megjelentek, megjelent az igény is, hogy visszatérjünk a fizikai vezérlőkhöz. Egy QWERTY billentyűzettel és egy egérrel korlátozottan lehet csak kezelni a dolgokat.
A piac ma már tele van olcsó kontrollerekkel, amelyek kiaknázzák a MIDI vezérlési kódokat. Számok típus egyből együttműködik a DAW-ok széles skálájával. Néhány típus esetében kis konfigurációra azért szükség lehet. Minden esetben a kontrollerek azonban felülmúlják a billentyűzet és egér interfész adta vezérlési lehetőségeket.
Talán van már egy rácsos kontrollered, de gondoltál már arra, hogy hozzáadj egy újabbat? Csak be kell dugni az USB-t és már működik is. A határ a csillagos ég. Egyik kontrollerről lehet vezérelni a loop-okat, beat-eket, míg egy másikról jól elkülönülve lehet hangolni a szűrőket. Ha szükség van rá, akkor mindezt akár egy kontrollerrel is kézben lehet tartani.
Ismerjük meg a felszerelésünket
Ha már régebb óta használjuk a DAW-unkat és a kontrollerünket, még akkor is biztosan akad olyan funkció, amit még nem aknáztunk ki. Talán sosem volt rá szükség, vagy csak a tanulási folyamatból egyszerűen kimaradtak.
Egy jó zenei megírása sok finomságot igényel. Egy kis módosítás is nagyban tudja befolyásolni a zenét, de 100 kicsi változtatás az audió és MIDI track-ekben teljesen más világot eredményezhet. Függetlenül attól, hogy FM szintetizátort, komplex reverb plugin-t vagy akár auto-tune plugin-t használunk, ezekkel történő kis módosítás is nagy változást tud eredményezni.
Néha érdemes belemélyedni a dokumentációba. Talán van lehetőség arra, hogy elvágjuk a beat-et, manipuláljuk a loop-okat olyan módon amire nem is gondoltunk eddig. Az egyetlen módja, hogy ezt kiderítsük az, ha felderítünk és olvasunk. Kicsit tegyük félre a zenét és induljon a kutatás!
Új eszköz megfontolt bevonása
Ne legyünk olyan producer, aki azért nem haladt még előre egy lépést sem, mert nem tanulta meg az új eszköz használatát. Lehet nekünk csillagászati árú felszerelésünk, ha nem tudunk mit kihozni belőle.
Ez a fajta veszély az árak csökkenésével tovább nő. Könnyen elcsábulhatunk, ha találunk egy megfizethető új kütyüt. Mielőtt vásárolnánk, nézzük meg, hogy a meglévő eszközeink mit tudnak, mivel működnek együtt. Mielőtt begyűjtenénk az év legmenőbb cuccait, nézzük meg, hogy mivel járulnának hozzá a munkafolyamatainkhoz. Ugyancsak nem életszerű elvárás, ha azonnal sikereket akarunk egy új eszközzel elérni. Időt kell szánni az alapos megismerésre, amit lehetőleg ne a szoros határidő elé időzítsünk.
Loop-ok magunkévá tétele
Ez talán furcsán hangzik, mivel a loop-ok már több évtizede jelen vannak, azonban még mindig ellenállás tapasztalható a jogdíjmentes loop-ok használatával kapcsolatban. Az aggály érthető. Két ember készít két hasonló zenét a GarageBand-el. Kisebb különbségeket leszámítva majdnem egyformák. Mindkét dal ABAB struktúrájú. Ha az építőkockák egyformák, nagyobb az esély, hogy az eredmény is nagyon hasonló lesz.
Nem szükséges zenésznek lenni ahhoz, hogy zenét írjunk, de attól még kreativitás és vízió fog kelleni. Egy Lego készletet bárki össze tud rakni, de képzelőerő szükséges ahhoz, hogy valami eredeti és spontán szülessen.
Ne higgyük azt, hogy a loop-ok kizárják az eredetiséget. Minden gitárnak ugyanúgy vannak húrjai. Az, hogy mit csinálunk velük, ami igazán számít. A loop-ok csak az alapot adják a gyors építkezéshez. Az alaptól azonban a saját képzelőerőnkre van szükség, hogy elérjük az egyedi végcélt.
Alakítsuk a szobát
Nagyon bosszantó tud lenni, amikor kemény munkát teszünk a produkcióba és nem úgy szól egy másik hangrendszeren. Ez az úgynevezett átvitel. A jó mixek minden hangrendszeren jól szólnak, jól át lehet őket vinni. A rossz mixek csak az alkotónál szólnak jól.
Sajnos nem mindenki engedheti meg magának, hogy a házi stúdióját teljesen akusztikusra alakítsa. Általában szoba méretű merőleges felülettek kell dolgoznunk, amelyek nem ideális környezetek a felvételekhez és visszajátszásokhoz. A fejhallgatóval történő munkának is megvannak a nehézségei, amelyek ugyanúgy rossz minőségű eredményt adnak.
Szerencsére nem teljesen lehetetlen javítani a helyzeten. Több lehetőség van az eszköztárban:
Monitor hangfalak izolációja: közelre való monitorok és izoláció padokat használjunk
Hátsó visszaverődések kezelése: fontos, ha a hangfal közel van a jól visszaverő falakhoz
Oldalsó visszaverődések kezelése: mint a hátsó visszaverődésnél
Basszuscsapdák a sarkokban: számos szobában lehet jó eredmény elérni ék alakú csapdákkal
Ne legyünk lusták
Ha kezd megjelenni a frusztráció, mivel a zene nem akar úgy szólni, ahogyan szeretnénk, akkor gyakran jönnek olyan mondatok, hogy “jó lesz ez így is”. Ez pedig valószínűleg téves.
A lustaság számos módon megmutatkozhat. Testreszabás nélkül egy plugin preset használata is lustaság. Csak egy gyűjteményből származó loop-ok használata is lustaság. Egy gate beállítása arra, hogy kiszűrje a légzési hangokat anélkül, hogy az egész zenét végighallgatnánk ugyancsak lustaság. “Majd kijavítom a mixben.” Ezt úgy is lehetne mondani: “Lusta vagyok.”
Minden producer volt már ebben a helyzetben, nincs kivétel. Ami nagy hiba, hogy sokszor tudjuk is, hogy lusták vagyunk, de nem kapjuk össze magunkat. Több munkát javasolni a hatékonyság növelése céljából butaságnak tűnik, de így valójában az idő elvesztegetését akadályozzuk meg.
Álljunk fel és pihenjünk
Néha a legproduktívabb dolog az, ha felállunk az asztaltól és arra a napra befejezzük. Nem számít, hogy mennyire akarunk dolgozni, egy idő után már nem tudunk érdemben hozzátenni az alkotáshoz. Ha már ezt érezzük, jobb ha abbahagyjuk, hisz csak rontani tudnánk az eddigi munkánkon. A fülünk az agyunk elfáradt, ezen az energiaital nem segít. Ezen az alvás fog.
Néha nehéz megtalálni a megfelelő dalszöveget, néha a melódia nem illeszkedik az akkordhoz vagy a befejezés valahogy nem akar alakulni. A legjobb ilyenkor ha szünetet tartunk.
A másik fontos elem a perspektíva. Mindenki tapasztalhatta már, hogy ha egy ideje már dolgozott valamin és kis szünet után újra nekilátott azt kérdezte magától, hogy vajon ki tehetett drogot a kakaóba, hogy ilyen szörnyűség lett a műből. Ha ilyen esik meg velünk, akkor biztosan túlzásba vittük a munkát. Legközelebb viszont már jobban fogjuk tudni, hogy mennyi is az elég.
Bónusz tipp
Sokáig lehetne folytatni a listát, de ami még nagyban befolyásolja a hatékonyságunkat (és itt a szakmától rugaszkodjunk el) az az ergonómia. Egy jó szék és asztal kincset ér hosszútávon a hatékonyság szempontjából. Az egészségünk szempontjából pedig felbecsülhetetlen…
https://sonicschool.hu/wp-content/uploads/2018/07/10-tipp-produktivitas.png788940Skeldarhttps://sonicschool.hu/wp-content/uploads/2015/06/sonic_school_logo3-1.pngSkeldar2018-07-14 13:28:272018-07-14 13:37:2810 tipp a produceri produktivitás növeléséhez
“A mentális modell egy leírás valakinek a gondolkodásmódjáról, hogy hogyan is működik valami a valóságban. Egy reprezentációja a körülvevő világnak, kapcsolatai az alkotórészeknek, valamint a személy felfogásának arról, hogy cselekedetei milyen következményekkel fognak járni. A mentális modellek segítenek leírni a viselkedést és útmutatást adnak egy-egy probléma megoldásához (adva egy személyes algoritmust) és feladatok végrehajtásához.” – Forrás: Wikipedia
Az egyik mentális modell, amivel talán találkoztál is az Occam borotvája, amely szerint két ugyanolyan jó hipotézis közül azt érdemes választani, amelyik az egyszerűbb.
Miért kell róla tudnunk?
A mentális modellek segítenek gondolkodni. Minél jobban vagyunk a gondolkodásban, annál jobban tudjuk megoldani a problémákat. A zene produkció készítésénél pedig sokszor jönnek elő problémák.
A modellek ugyancsak segítenek elkerülni a hibákat és önámításokat. Vegyük például a Dunnin-Kruger effektust. Ha ismerjük ezt a hatást, kevésbé fogunk beleesni abba a csapdába, hogy elbízzuk magunkat és idő előtt vállon veregetjük magunkat, hogy milyen ügyesek voltunk.
Mentális modellek:
1. Concorde effektus
Ezt akkor figyelhetjük meg, amikor akkor is folytatjuk a munkát egy project esetében, amikor alig van esély a sikerre. Azért folytatjuk, mert már sok időt, pénzt és energiát beleöltünk, ugyanakkor érezzük, hogy feleslegesen, de nem akarunk továbblépni.
Képzeljük el, hogy indítasz két üzletet, egy limonádé standot és egy gyepnyíró szolgáltatást. Hat hónap után $2000-et fektettél a limonádé standba és már hoz havi $500-at. A piac jól fest és jövedelemnövekedésre is lehet számítani. Közel vagy hozzá, hogy visszajöjjön a már befektetett összeg.
A gyepnyírásba $10.000-et fektettél, de alig jönnek a megrendelések. Valójában pénzt vesztesz, mert vannak fenntartási költségeid és a marketingesed is komoly összegeket számláz sok vevőt ígérve.
Melyik üzletet zárod be?
A gyepnyírás lenne a leglogikusabb választás. Nem működik. Nincs kereslet és erős a konkurencia is. De nem akarod bezárni, mert sok pénzt fektettél bele, és ha bezárod, akkor a pénz “elveszik”.
Hogyan néz ez ki producerek esetében?
Sok időt fektetsz egy zenébe, amely objektíven ítélve messze nem hozza a szintet. Tovább folytatod a munkát, hogy jobb legyen és hogy az eddigi munka ne vesszek kárba. Ha így cselekszel, akkor hasonlóan viselkedsz, mint az előző példában a vállalkozó.
Azonban ha észreveszed, hogy ebbe a hibába estél, akkor tudod, hogy ki kell lépni belőle. Érzelmileg persze nehéz elszakadni az adott munkától, de gondoljunk arra, hogy egy új project valódi sikert hozhat.
Tetszik a poszt érdekel a zeneírás? Akkor gyere el bemutató napunkra!
Minden sikeres művésznek van egy inspiráló “hogyan legyünk sikeresek” elbeszélése, azonban vannak sikertelen művészek hasonló tehetséggel, munkamorállal és kreativitással. Felőlük azonban senki sem hallott.
Ez a jelenség leírja, hogy a győztesekre fókuszálunk egy területen és próbálunk tanulni tőlük, miközben teljesen elfelejtkezünk azokról a kevésbé sikeresekről, akik ugyanezt a stratégiát követték.
Röviden, ne próbáljuk másolni más producer sikerhez vezető útját, hisz talán nem is megismételhető. Csak hozzad ki magadból a legtöbbet, figyelj a megnyíló lehetőségekre és használd ki őket. Mindig legyen mentőötleted.
3. Elbeszélő ferdítése
Az agyunk imádja a történeteket. Ha valami történetbe vagy elbeszélés kontextusába jelenik meg, könnyebb emlékezünk rá és könnyebben el is hisszük.
Ha visszatekintesz az elmúlt 5-10 évre, megvan a saját történeted. Egyik esemény hozta a következőt és most itt vagy.
Azonban könnyű téves következtetéseket levonni. A milliárdossá váló azt meséli, hogy ő sikeres, mert napi 16 órát dolgozik ugyancsak ferdítés. Számos más körülményt kell figyelembe venni, úgymint piaci körülmények, csapat, szerencse stb.
A sikeres producereknél is hasonló a példa, mert heti hét nap 16 órát tölt a stúdióban. Ez így ebben a formában nem lehet igaz, a munkaórák nagy száma nem biztosítja a sikert (bár elősegíti). Ha egy interjút nézel, mindig figyelj az elbeszélő ferdítéseire. A sikernek nagyon sok összetevője van, így egy túlzottan leegyszerűsített történet túl veszélyes ahhoz, hogy kövessük.
4. Dunning-Kruger effektus
A Dunning-Kruger effektust, akkor figyelhetjük meg, amikor valaki tévesen méri fel szakértelmét vagy annak hiányát, így mindenkinél jobbnak hiszik magukat.
A legtöbb embernél megfigyelhető ez, főleg a kezdőknél. Ha kezdő producer vagy és úgy gondolod, hogy elképesztően fantasztikus vagy, gondold újra. Confidence = magabiztosség, None = Tudás hiánya, Experience = tapasztalat, Expert = szakértő
5. Csordaszellem
Minél több ember hisz valamiben, annál több embert győznek meg, hogy ők is higgyenek benne. A csordaszellem negatívan hat a kreativitásra. Bele akarunk simulni az “elismert” sémába, stílusba, így nem próbálunk újat és izgalmasat alkotni. Ha mi is ugyanazokat a technikákat használjuk pontosan úgy, ahogy mások, akkor az eredményünk sem lesz valódi újdonság.
Ha egy jelenleg felkapott műfajban akarsz alkotni, abban nincs semmi rossz. A komfortkényszer miatti zeneszerzés viszont nem fog előrevinni. Egy stílusban ki tudod magad fejezni? Örömet szerez a munka? Ezeket a kérdéseket fel kell tenned magadnak.
6. Rugalmatlanság
Egy rugalmatlan ember egy eszközt csak úgy hajlandó használni, ahogy tradícionálisan mások is használták. Ez hasonló, mint a csordaszellem, de ez inkább a módszerekhez való ragaszkodásról szól.
Például az EQ-t a zene karakterének és a frekvenciák megváltoztatásához használják a legtöbben. Kevesen fedezték még fel, hogy az EQ egyben lehet egy kreatív eszköz is, ha automatizálással kapcsoljuk össze.
7. Áttételes gondolkodás
Az áttételes gondolkodás egy olyan gondolkodásmód, amelyben a problémát közvetetten oldjuk meg nem magától értetődő úton.
Ez a fajta megközelítés nagyon hasznos a művészek számára. Kétségkívül nehéz, hiszen nincsen kitaposott ösvény, de éppen ezért tud újat mutatni.
Egy hasznos eszköz az alkotói blokkok feloldására egy pakli kártya, amelyre megkötéseket vagy ajánlásokat tartalmaznak. Például:
“Használj kevesebb hangot.”
“Tölts ki minden beat-et valamivel.”
Talán őrült ötleteket adnak a kártyák, de a cél az, hogy a blokkhoz vezető gondolatmenetből kizökkentsen.
8. Fix gondolkodás mód vs Haladó gondolkodásmód
Akik hisznek a fejlődésben, azok úgy gondolják, hogy bármilyen képességet, képzettséget meg lehet szerezni, ha elég időt és energiát fordítanak rá. Akik a képességeket fixnek tekintik, azok minden kudarcot alapvetően a kapott képességek hiányára vezetik vissza.
Számos olyan producer van, akik utóbbit képviselik és így nehéz nekik segíteni. Nehezen értik meg, hogy nem azért nem sikerül jól egy zene, mert nincs tehetségük, hanem mert fordítanak elég időtt a képességeik csiszolására és gyakorlásra.
A fejlődésben hívők értékelik az igyekezetet és beletett munkát, míg a másik látásmód alacsony önértékeléshez és boldogtalansághoz vezet. Rajtad múlik, milyen módon szemléled a világot.
9. Tudatos gyakorlás
A gyakorlás módja sokkal fontosabb a gyakorlásra szánt óráknál. Egy szakember összegyűjti azokat a képességeket, amik szükségesek, hogy szakember legyen valaki, majd gyakorolja őket. A gyakorlás gyakran párosul a mentortól jövő visszajelzésekkel.
10. Imposztor szindróma
Nagy dolgokat elért személyeknél fordul elő, akik nehezen vagy nem is tudják feldolgozni a sikereiket, így állandó félelemben élnek, hogy mások végül csalónak titulálják őket, mert soha nem tartják (elég) jónak magukat. Producerek közül azonban meglepően sokan tapasztalták meg ezt valamilyen szinten.
11. Parkinson törvénye
“A munkavégzést mindig addig húzzák, hogy kitöltse az elvégzendő feladat rendelkezésére álló időt.” Ha már egy feladatod, amit az utolsó percig húztál, akkor tudod miről szól a törvény. Ilyenkor bekapcsol valami odabent és intezíven, nagy koncentrációval, hamar befejezzük a munkát. A hátránya ennek a munkának, hogy nagyon stresszessé tud válni.
Parkinson törvénye jó vitaalap arra, hogy kicsivel rövidebb határidőket adjunk. Évente akarsz kiadni egy albumot? Próbáld meg 8 hónap alatt elkészíteni. Gyorsabban fogsz dolgozni, de ha ésszerű a határidő, akkor nem fog a minőség rovására menni.
12. Szakács kontra séf
A séf az alapelvekből indul ki, amelyek számára a nyers, ehető hozzávalók. Ezek a puzzle darabkái, építőkövei, amelyeket tapasztalatai és ösztönei szerint rak össze. A szakácsokban az a közös, hogy még a leginnovatívabb szakács is burgereket, pizzákat és tortákat készít felváltva.
Nincs abban semmi rossz, ha ugyanazokat a technikákat használod, amiket más producer vagy hasonló munkamenetettel dolgozol, de néha szükség van arra, hogy úgy dolgozz, mint egy séf.
13. A kezdők elméje
Egy attitűdöt fejez ki, amelyben csak nyitottság van, mindenféle prekoncepció nélkül. Egy kezdő fejében nagyon sok lehetőség van, míg egy profi fejében csak néhány. Egy kezdő nem gondolja, hogy “elértem valamit”. Az én effajta megjelenése limitálja az elménk működését.
Profiként is alkossunk egy kezdő mentalitásával.
14. Hatékonyság kontra hatásosság
“Csak azért, mert valamit jól tudsz csinálni, még nem biztos, hogy érdemes csinálni. Ami fontosabb, hogy hatsossan dolgozzunk a megfelelő feladatokon, ne pedig túloptimalizáljunk valamit, amit el se kellett volna kezdeni.” – Nat Eliason
Talán kimagaslóan jó vagy a többrétegű basszusokban, de ha a zenének, amin dolgozol, nincsen szüksége ilyenre, akkor nem számít, hogy milyen jó vagy ebben a folyamatban. Csak azért, mert profi vagy benne, még nem kell hozzáadni a zenéhez.
15. Listakészítés
A listák segítenek emlékezni feladatokra és egyfajta minőségellenőrzést is lehetővé tesznek.
Producerként érdemes listát készíteni, hogy mikor is van kész egy track. Olyanra kell gondolni, mint például:
Hallgassad újra és jegyezz fel mindent, ami nem tetszik
Két másik producer véleményét kérd ki
Phase korreláció ellenőrzése
Hasonló dalokkal való összevetés
Ha végigmész a listádon, hogy minek kell megfelelnie egy alkotásodnak, akkor biztos lehetsz benne, hogy hozod mindig a szintet, ha kiadsz valamit a kezedből.
Összességében
A mentális modellek nem életbevágóan fontosak. Ismeretükkel azonban számos “népszerű” csapdát kerülhetünk el, ezért érdemes minél előbb beépíteni őket a gondolkodásunkba.
https://sonicschool.hu/wp-content/uploads/2017/11/Mental_Modell.png788940Skeldarhttps://sonicschool.hu/wp-content/uploads/2015/06/sonic_school_logo3-1.pngSkeldar2017-11-13 13:09:332018-06-19 23:43:0415 mentális modell, amiről a producereknek tudni kell
Martin Garrix már 8 éves korában rajongott a DJ-ézésért , miután látta a példaképét, Tiesto-t fellépni az olimpiai játékokon Athénban. Kicsit több, mint egy évtizeddel később a tini zenész gyorsan szupersztár lett saját erejéből és már együtt is dolgozott Tiesto-val és más világsztárokkal a debütáló albumán.
A Digital Spye beszélgetett Garrix-szel a kitöréséről, munkájáról Usher-rel és Ed Sheeran-nel és hogy miért is nem énekel egy zenéjében sem.
Egyszer csak jön Christina Aguilera, majd azt mondja : “Tudnád remixelni a dalomat?” Ez hogy történt?
Tiszta őrület volt számomra. Épp csak leszerződtem egy kiadóval, aminek hamar híre ment. Kaptam egy üzenetet, hogy “Hé, szeretnénk, ha készítenél nekünk egy remixet.”, én meg “Óóó, áááá…”. Számomra ez nagyon nagy élmény volt. Ugyancsak jó látni, hogy a nagyobb előadók is támogatják a zenei munkásságomat. A remix után a kiadó elhatározta, hogy berakja a Lotus Deluxe-ba. Első neki futásra csak egy online remixnek indult, de várakozáson felül teljesítettem, ezért úgy döntött a kiadó, hogy rárakja a hivatalos albumra is.
Találkoztál valaha Christinaval?
Nem, régebben általában nem találkoztam az előadókkal. Manapság elképzelhetetlen számomra, hogy ne egy studióban vegyük fel a számot az énekesekkel, előadókkal.
Magyarul visszautasítasz ajánlatokat, előadóktól, hacsak nem tudnak együtt dolgozni veled a stúdióban?
Igen, pontosan. Én az a típusú producer vagyok, aki azt mondja “zenéljünk együtt!”. E-mailen keresztül is át tudod küldeni a sávokat és tudod tartani a kapcsolatot a másik producerrel/előadóval, de az mégsem az igazi. Szeretem ha egymásra hangolodunk és ötletelünk. Sokkal jobb, mintha csak küldözgetnénk egymásnak a sávokat és várjuk a másik válaszát. A studióban egyből tudjuk kombinálni egymás ötletét.
Tetszik a poszt érdekel hogyan írnak a nagyok zenét? Akkor gyere el bemutató napunkra!
Amikor kijött az Animals, számítottál ekkora sikerre?
Nem, erre nem számítottam. Fantasztikus ebben az volt, hogy ez csak egy újabb klub zene volt a sok közül. 15 évesen írtam meg az Animals-t. Vicces volt, élőben játszottam és odajöttek az emberek, hogy mi ez a klikkelős hang? Én meg úgy voltam vele, hogy “Áááá, azt nem mondhatom meg.” csak hogy piszkálódjak.
Aztán hirtelen szuper nagy hype lett. Mindenhol ez volt a neten. Írtam egy zenét, hogy lejátszhassam fesztiválokon illetve a klubbokban is előszeretettel pörgettem. Miután az Animals kiadásra került a rádiók egyből elkezdték játszani. Felhasznnálták reklámokban a TV-ben, táncos programokhoz. Még a szülővárosomba is ezt hallottam vissza, amikor kimentem egy 70.000 fős focimeccsre. Számomra ez nagyon furcsa volt, de nagyon hálás vagyok azért, hogy ilyen sikeres lett. Csak is a fülbemászó dallamok miatt lehetett ennyire népszerű a track. A hangzása, tetszett az embereknek és szeretik az új, friss dallamokat. De mielőtt ide eljutottam, ezt nem tudtam. Azt hittem, hogy ez is csak egy újabb track lesz.
Énekelsz?
Soha, de soha nem fogok színpadon énekelni, de amikor a stúdióban vagyok, akkor viszont éneklek melódiákat. Amikor egy énekes-dalszövegíróval dolgozom és hallom a melódiákat, tudom vezetni őket. Azt mondom, hogy “Ó, ne ezt, inkább ezt és ezt”. De sosem fogok énekelni egy Martin Garrix track-en sem.
Miért van ez?
Mert nem tudok énekelni! Nincsen hozzá hangom… azt hiszem. Tetszik, hogy ilyen vagyok, mert a DJ-k a háttérben lévő emberek, azok akik csak szórakoztatják a közönséget. Magamat inkább így látom, mint azt a fickót, aki a színpadon énekel.
Nyomottan érzed magad, amkor olyan nagy DJ-kkel vagy a stúdióban, mint David Guetta és Tiesto?
Igen, néha. Különösen olyan legendákkal, mint David Guetta, aki nagyon sok sikeres számot tudhatnak magáénak. Emlékszem egy napra, amikor egyszer csak felhív, hogy “Gyere menjünk studiózni egy hétig.” Én meg “Hóó, oké”. Az első alkalommal, amikor Usherrel dolgoztam furcsa volt mert előtte nem is ismertem, nem találkoztam vele. Nem igazán volt merszem azt mondani, hogy valami tetszett vagy valami nem. Úgy képzeljétek el, hogy ott voltam és csak hagytam, hogy azt csináljon, amit akart, de amikor egyre több időt töltöttem el vele, jobban megismertem, nagyon szerény, kedves ember. Utána már tudtunk együtt dolgozni sokkal felszabadultabb lett a légkör. Sokszor megtörténik velem, hogy azt kérdezem magamtól: “Ez most a valóság?”
Amikor Usher felhívott, hogy egy track-en akar dolgozni veled, mi futott át az agyadon?
Hát kb, hogy “Mi a f*sz?” Felhívtam a szüleim, barátaim. Őrület volt. Tiszta őrület.
És utána dolgoztál Ed Sheeran-nel! Milyen volt a kapcsolatod vele, mert nagyon más zenei háttérből jöttetek?
Élmény volt Ed-del dolgozni. Szuper, elképesztően tehetséges énekes, dalszövegíró és ahogyan mondtad is, más zenei világból jött. Remek volt egybe gyúrni a hangzásvilágunkat és találni egy közös pontot, ahol van valami, amit mindketten el tudunk adni. Szerintem teljesen kihalladszódik a zenéből a két világ találkozása. Elégedetten ültünk hátra, amikor befejeztük a közös dalunkat.
Hogy haladnak a dolgok a most debütáló albumodon?
Most eléggé levagyok terhelve mert egyszerre sok zenét írok. Viszont van egy csapatom, akivel közösen kiválasztjuk melyik ami ki kerül a nagyközönség elé, melyik amelyik nem. Volt egy kreatívabb időszakom, amikor ontottam magamból a trackeket. Az emeleti studióban eszméltünk rá, hogy a francba is, nagyon sok track halmozodott fel. Nem is igazán tudjuk, hogy mikor lesz időnk minden zenét megjelentetni. Igazán kiváltságosnak érzem magam emiatt. Megírom a zenét és onnatól már csak kiadón múlik, hogy rákerül-e egy albumra. Benne van-e az a plussz ami sikerhez kell. És igen, ennek idő kell, néhány művész évekig dolgozik, amíg befejez egy albumot. Nem akarok éveket erre szánni, csak semmi pánik. De ez egy érdekes folyamat.
Szabad mondanod bármit arról, hogy kivel dolgozol még együtt?
Még nem tudom, hogy a track az albumon lesz-e vagy sem. Vannak művészek, akikkel szívesen együtt dolgoznék, de még nem volt rá alkalmam. Örülnék neki, ha a The Weekend lenne a vokalistám az egyik track-emen.
Mivel egy sötét, elvont, melankolikus R&B hangzásvilága van, így elég érdekesen hangozna egy táncos track-en.
Igen, ugyanaz, mint Ed Sheeran-nel. Amikor közöltem az ismerőseimmel, hogy egy track-et készítek Ed Sheeran-nel, mindenki csak annyit mondott, hogy “Óóó!”. Nemcsak, hogy izgatottak voltak, hanem kiváncsian várták, hogyan fogunk tudni együtt dolgozni. Nagyszerű dolog meglepni az embereket. Ha mindig ugyanazt csinálod, amit az emberek elvárnak, akkor hamar bele is fognak unni.
Skeldar
Forrás:Digital Spy
https://sonicschool.hu/wp-content/uploads/2017/04/Martin-Garrix-interjú-logó.jpg5361024Skeldarhttps://sonicschool.hu/wp-content/uploads/2015/06/sonic_school_logo3-1.pngSkeldar2017-04-24 09:54:172018-06-19 23:43:06Martin Garrix interjú: "Sosem fogok énekelni egy Martin Garrix track-en sem"
Iratkozz fel hírlevelünkre és kapj extra kedvezményeket!
BEVEZETÉS A MODERN ZENESZERZÉS VILÁGÁBA
Nem tudod felmérni, érdemes-e egyáltalán belevágnod és ha igen, akkor ehhez mire lenne szükséged?
Gyere el alapozó képzésünkre! Ismerkedj meg tanárainkkal!
Érdekel a zeneszerkesztés, a zeneszerzés?
Bemutatjuk képzéseinket!
Nem ismered a szoftvereket?
Végigjárjuk a zeneírás teljes folyamatát! Bemutatjuk zenei képzéseink!
A képzés árát később – ha eljössz további képzésekre – beszámítjuk azok árába.
Biztosítunk neked egyedi hangmintákat, amivel elkezdheted az otthoni zeneszerkesztést.
https://sonicschool.hu/wp-content/uploads/2017/01/Reverse-enginering.png788940nbalazshttps://sonicschool.hu/wp-content/uploads/2015/06/sonic_school_logo3-1.pngnbalazs2017-01-07 15:03:402018-06-19 23:43:09Fordítsd meg hangokat. Reverse engineering! Ableton Live segítségével!
Amikor elkezdtem ezt az egészet akkor fogalmam sem volt, hogy mit kéne csinálni. Nem tudtam, mit kell megtanulni, és mire kellene időt fordítani. Bárcsak lett volna akkor egy útmutatóm, amely segített volna kezdőből képesített művésszé válni.
Ha követed az ajánlásokat és a videókat, amiket ezen az oldalon találsz, hidd el nekem, hogy jó pár hónapot, évet spórolsz meg, míg kezdőből profivá válsz.
Producer életünk során 5 szakaszt tapasztalunk:
Kezdet
Exponenciális tanulás
Alámerülés
Jártasság
Kiválóság
Néhányatok talán az 1. szakaszban van – még új számodra a producerkedés, fogalmad sincs, hogy mit is kéne csinálni. De lehet, hogy a 3. szakaszban vagy, és kreatív problémákkal küszködsz. Bármelyik szakasznál jársz, mindig vannak kulcsfontosságú dolgok, amikre figyelned kell.
Ha az iskolánkat el kellene helyezni, akkor azt mondanám leginkább az első szakasz, ami ránk jellemző, mert sokan a teljesen 0-ról indulnak neki a zenélésnek viszont a 2-es 3-as szakaszban lévők is sokat tanulhatnak az iskolánkból, főleg akik 3. szakaszban úgy érzik, már nem tudják, mivel motiválni magukat. Itt mi nagyon be tudunk segíteni folyamatba. A haladó képzésünk kifejezetten a 3.-4. szakaszban lévőket érinti.
Első Szakasz: kezdet
Idő: 2-4 hónap
Ez a legtöbb ember számára kifejezetten izgalmas. Rájöttél (remélhetőleg) hogy nincsen szükség fél millió dollárt érő eszközökre ahhoz, hogy elektronikus zenét készíts, és mohón nekiállj összerakni egy zenét.
Az izgalmak közepette kétségbeesetten vágyakozol válaszokért, hogy minek kéne lennie az alapvető kérdésnek. Milyen szoftvert kéne használnom? Szükségem van-e speciális felszerelésekre? Mit kéne elsőként megtanulnom?
Az első pár hónapban négy dologra kéne fókuszálni.
Válaszd ki és tanuld meg használni a DAW-odat
A legfontosabb dolog, ha elektronikus zenét szeretnénk készíteni, hogy válasszunk egy DAW-ot.
Ha ebben a stádiumban vagy, akkor bizonyára hallottad már néhány DAW nevét, csak hogy néhány ismertebbet említsek: Ableton Live, Fl Studio, Cubase és Logic Pro.
A kérdés, hogy melyiket válasszuk?
Van néhány dolog, amit realizálni kell ebben a pozícióban:
Az időt, amit annak szentelsz, hogy melyik DAW-ot is kéne választanod, fordíthatnád inkább tanulásra is.
Nincs olyan, hogy legjobb DAW, mindegyik arra lett kitalálva, hogy jó zenét készítsenek vele.
Később is nyugodtan válthatsz DAW-ot, ha szükségesnek érzed
Annak ellenére, hogy nem ajánlott sokat gondolkozni a választáson, azért van néhány dolog, amit érdemes számításba venni:
Mit használnak a barátaid?
Mennyi pénzed van?
Melyik programra van képzés vagy bővebb tanulásra alkalmas ismeret
Egyéb befolyásoló tényezők.
A legjobb tanács, amit adhatok, hogy válassz egyet és kezdj el dolgozni még ma. Ennek a döntésnek nem kéne egy napnál tovább húzódnia.
A két legnépszerűbb DAW-nak, az FL Studio-nak és az Ableton Live-nak is van próbaverziója, amit bármikor ingyenesen le is tölthetsz. Ha nem tervezel még egy zsák pénzt elkölteni, töltsd le valamelyiket és próbáld ki.
Tehát ne vesztegessük el az időnket a DAW választással, csak töltsük le valamelyiket és álljunk neki. Később még meg fogod köszönni magadnak.
Szükségem van bármi féle felszerelésre?
Ezt a kérdést sok ember felteszi magának a kezdeti fázisban, hogy van-e szükség bármiféle felszerelésre a DAW-on kívül.
Két válasz van erre a kérdésre, egy teljesen igaz és egy általános válasz.
A teljesen igaz válasz, hogy ha van egy fejhallgatód vagy egy hangszóród (kivétel a laptop beépített hangszórója), akkor nincs is szükséged semmi másra. Meg lehet tanulni, hogy hogyan készítsünk zenét laptopon/asztali számítógépen egy Apple fülhallgatóval. Ez valóban így van, én is egy 3000 Ft-os asztali hangszóróval kezdtem.
Az általános válasz az, hogy egy komolyabb fejhallgatóra is szükség lesz és talán egy MIDI billentyűzetre. Az elsődleges dolog a listán egy komolyabb fejhallgató vásárlása legyen, ha jobban bele szeretnénk merülni a témába. Egy eőrsebb gépre is lehet szűkség de ez a témát már egy másik cikkben kitárgyaltuk, amit itt olvashatsz
DAW használatának elsajátítása
Miután letöltöttük a DAW-ot csábító lehet, hogy egyenesen beleugorjunk a zeneírásba.
De azzal csak a zavarodottságot és a frusztrációt éred el, ha nem vagy elég elővigyázatos, esetleg úgy döntesz, hogy abbahagyod az egészet, mert túl bonyolultnak tűnik és feladod.
A prioritás a DAW letöltése után az legyen, hogy tanuljuk meg használni. A legjobb módja ennek, ha elolvassuk a DAW használati útmutatóját. Ha nem tudsz jól angolul akkor például Magyarországon már kapható az Ableton 9-hez ismertető könyv amiből könnyedén megtanulhatod magának a szoftvernek a használatát. Et nálunk is beszerezheted mivel mivel iskolán alapítója Németh Balázs írta a könyvet.
Kísérletezés (játék)
Miután megismerkedtél a DAW-oddal a következő lépés a kísérletezés legyen.
Az egyetlen célja ennek, hogy érezzük jól magunkat. Persze megnézhetsz néhány tutorialt, megtanulhatsz pár dolgot, de mindenekfelett kísérletezz. Tanuld meg, hogy hogyan is tudsz elkészíteni egy egyszerű Beat-et. Próbáld meg lemásolni a zenék melódiáját.
Csináld ezt pár hétig.
Az első dal elkészítése
Az utolsó lépés a kezdeti szakaszban, hogy készíts egy komplett zenét az elejétől a végéig. Ne izgulj amiatt, hogy a zenének hogyan is kéne elkészülnie, akkor se, ha van szabály vagy nincs. Egyszerűen készíts valamit, ami legalább két perc vagy több, és mondjuk azt, hogy kész.
Ez egy alapvető lépés. Muszáj, hogy elsajátítsuk ezt a szokást, hogy a lehető legrövidebb időn belül befejezzük a dalunkat. Ha nem így teszünk, akkor annak az esélyét növeljük, hogy a későbbiekben sem leszünk képesek semmit befejezni.
Vonzó lehet a gondolat, hogy másokkal megosszuk a művünket, esetleg készítsünk egy SoundCloud fiókot, vagy posztoljuk a zenénket Youtube-ra. Kárt nem teszünk ezzel, de én nem ajánlom. Ez csak eltereli a figyelmünket, főleg a kezdeti fázisban
Második szakasz: Exponenciális tanulás
Idő: 6-24 hónap
A második szakasz az, ahol ez az egész folyamat igazán elkezdődik. Elkezdesz rájönni a dolgok nyitjára és minden egyes zenéd jobban szól, mint az előző.
Ez a szakasz elég sokáig tart, általában 1-2 év, mire átvergődünk rajta. Egyeseknek lehet, hogy kevesebb lesz, főleg ha rengeteg időt tudunk ráfordítani. Másoknak lehet még tovább is, mint két év.
A második szakasznak azért exponenciális tanulás a neve, mert itt pontosan ez történik. A produceri képességeid exponenciális sebességgel fejlődnek. Itt egy illusztráció (igen ez nem exponenciális görbe, de a lényeget jól szemlélteti):
Ez egy izgalmas szakasz több okból is. Felnyitja a tekintetünket, és az elektronikus zene készítés végtelen tárháza nyílik meg számunkra. Ha meghallgatunk egy zenét, amit akár csak két héttel azelőtt készítettünk, egyből észre fogjuk venni, hogy mennyit fejlődtünk.
Ebben a szakaszban, vagy legalábbis az első pár hónapban, hétről hétre fogsz fejlődni, ha elég energiát fektetsz bele, és követed a 4 kulcsfontosságú pontot, amit alul felsoroltam:
Az alapok elsajátítása
Az első szakaszban már bizonyára megnéztél néhány tutorialt és elolvastál pár cikket. Valószínűleg a zeneelméletről is tudsz egy-két dolgot, és van már valami fogalmad arról is, hogy mit csinál az EQ.
Itt az ideje, hogy leüljünk és tovább fejlesszük az alapvető tudásunkat
Zeneelmélet
Felépítés & elrendezés
Mixing
Sound design
Fontossági sorrendben írtam le az imént a dolgokat, mert fontos, hogy megértsük, hogy ez egy igen mély és szerteágazó téma. Csak akkor érdemes elmerülni valamelyikbe igazán, ha nagyon jó okunk van rá. Komplex jazz elméletre valószínűleg nem lesz szükséged ahhoz, hogy ha csak néhány techno zenét szeretnél összedobni.
Zeneelmélet
A zeneelmélet ismerete elengedhetetlen annak ellenére, hogy van néhány producer, akinek fogalma sincs az egészről. Az elektronikus zenekészítés eltér a hagyományos zeneírástól, de attól még mindig zene, és az alapvető zenei koncepcióra épül. A zeneelmélet megtanulásának kihagyása talán az egyik legnagyobb probléma.
Általunk készített pár tutorial nagyon jól elmagyarázza az alapokat:
Felépítés & elrendezés
A felépítés és az elrendezés a másodlagos. Nincs értelme tudni, hogy hogyan rendezd el a zenei ötleteid, ha azt sem tudod, miként fektesd le őket.
Szerencsére az elektronikus zene egy kiszámítható és szabványrendszert követ. Erre példákat nem nagyon tudunk mutatni mivel ez a leghosszabb folyamat. Lehet gyakorolni még pedig úgy, hogy behúzunk kész zenéket a DAW-unkba és kielemezzük, vagy csak egyszerűen lopjuk ki és használjuk sajátunkként.
Mixing
Senki nem fog meghallgatni egy jól elkészített dalt, ami rosszul szól. Ezért fontos elsajátítani a mixelés alapjait.
Itt van néhány dolog, amit kezdésképpen ajánlanék:
Ha megtekinted ezeket, vagy csak néhányat közülük, akkor már elsajátíthatsz néhány értékes technikát, amit hasznosíthatsz is a munkafolyamatodban. Fontos, hogy a tanulás soha nem helyettesíti a gyakorlást, találjuk meg az aranyközép utat.
Fejezzük be gyorsan és gyakran
“Ahogyan Ira Glass mondta, a legjobb módja, hogy tökéletesítsük mesterségünk az az, hogy készítsünk sokat, és ne a legtökéletesebbre törekedjünk, hanem inkább sok kisebb darabra.”
– Herbert Lui
Egy csapda, amibe nagyon sok producer belesétál a második szakaszban a “tökéletes vagy mestermunka csapda”. Azt hiszik, hogy tökéleteset kell alkotniuk és arra kell fókuszálni, hogy mestermunkát végezniük.
A perfekcionista felfogás a második szakaszban nem csak gátolja a tanulási folyamatot, de az önbecsülésünket is lerombolja. Miért? Mert, ha túl magas elvárásokat állítasz fel magad elé a munkádban, és ha sikerül is elérned (ami nem valószínű), akkor is olyan tempóban fejlődsz, hogy két hét múlva már csalódást fog okozni a mesterműved.
Amire fókuszálni kéne, az inkább a befejezés. Nem csak egyet, hanem annyit, amennyit csak tudsz és lehetőleg minél gyakrabban.
Amikor a második szakaszban jártam, minden nap befejeztem egy zenét. Nem hangzottak jól, de minden nap, minden projekttel tanultam valami újat. A mennyiségre kell ebben a szakaszban fókuszálni, mert ha így teszel, akkor sokkal gyorsabban fogsz fejlődni.
Változatosság & további kísérletezés
A második szakaszban csábító lehet, hogy egy adott stílus mellett elköteleződjünk. Ez nem kifejezetten rossz dolog, de amit én ajánlok, hogy próbálj ki inkább minél többet.
Miért?
Mert sokkal gyorsabban fejlődsz. Például én dupsteppel kezdtem, és sokat tanultam a sound designról és a dob programozásról, amikor csináltam. Amikor Drum & Bass-t készítettem, akkor tovább fejlesztettem a dob programozást. Egy darabig techno-t és house-t készítettem, amik megtanítottak a groovera. Manapság a trance és a progressive house műfajban evezek, de hasznomra vált a többi stílusból szerzett tudás is.
Szóval, ha azt érzed, hogy stílust váltanál, akkor tedd meg és válts! Ne tartson vissza semmi!
Sound design
Ez szinte külőnálló műfaj a zeneíráson belül. Nagyon izgalma tud lenni, de teljesen el is lehet benne veszni. A különböző sávok bass, lead, pluck chord, hangok kikeverése külön tudomány. Ennek elsajátítása is egy hoszabb folyamat. Az alábbi videók segíthetnek nektek ebben!
Visszajelzés és kapcsolatgyűjtés
Ebben a szakaszban sok producer kezd el azon gondolkodni, hogy hogyan is kéne brandet építeni, és eladni magukat, valamint hogy miként szerezhetnének több követőt a SoundCloudon és így tovább.
Ez egyszerűen csak figyelemelterelés, és ha a második szakaszban ragadtál, akkor reménytelen próbálkozás is.
Annak ellenére, hogy nem kéne fórumokon spamelni a komment szekciót, Youtube-on a videók azt mondják, hogy te vagy a következő Martin Garrix, van néhány dolog, amit érdemes tenni a DAW-on kívül, ami előkészíti a jövőbeli sikereidet és gyorsítja a tanulásod, fejlődésed.
Az első, ha van néhány kész zenéd, akkor gyűjts be néhány visszajelzést az emberektől. Fontos, hogy más is hallja a munkád, mert ők esetleg rávilágíthatnak a gyengeségeidre. Például ha a mélytartományod minden zenédben túl hangos.
A második, amire fókuszálni kéne, hogy ismerkedj meg emberekkel a szakmában. Erre attól függetlenül is építeni kell, hogy mit csinálsz, mert a legjobb lehetőségek mindig a kapcsolatokból adódnak.
Ha szeretnél többet megtudni arról, hogy hogyan kapj visszajelzés arról, hogy milyen is a zenéd és hogyan építs ki kapcsolatokat, akkor ajánlom ezt az interjút.
Levi Whalen’s The Dance Music Maker’s Podcast (ugorj 48:00-ra, ha csak azt szeretnéd hallani, hogy mit mondtunk a kapcsolatokról és a visszajelzésekről)
Harmadik Szakasz: Alámerülés
Idő: 6-18 hónap
A harmadik szakasz a legnehezebb az elektronikus zenei producerek számára. Ha a szerencsés 1%-ba tartozol, akkor talán nem mész keresztül a harmadik szakaszon.
De valószínűleg át fogsz rajta esni. A legtöbb ember átesik.
A szomorú valóság az, hogy a legtöbb ember feladja, amikor eléri a harmadik szakaszt. A munka kezd egyre nehezebbé válni, és egyre több időt emészt fel. Leülsz dolgozni, hogy készíts valamit és halogatásba fullad az egész, vagy elkezdesz valami könnyebb, szórakoztatóbb dolgot csinálni.
Szerencsére a harmadik szakasz se tart örökké, és vannak technikák, hogy lerövidítsük a benne eltöltött időt.
Megbirkózás a túlterheltséggel
Az első dolog, amit muszáj megtenned, ha a harmadik szakaszba érkeztél, hogy megbirkózz a túlterheltség érzésével.
Garantálom, hogy túlterheltnek érzed magad, ha elakadtál a harmadik szakaszban. Már a gondolatától is túlterheltnek érzed magad, hogy nem dolgozol annyit, amennyit régen, vagy attól amennyi munkát bele kell fektetni egy komoly zene befejezésébe.
Bármikor, ha ezt érzed meg kell fordítani az érzéseidet és felül kell kerekedni rajta. Van egy ezer éves produktivitási technika, ami segít, hogy ezt kivitelezd. Ezt úgy hívják, hogy a nagy projekt kis feladatokra történő bontása.
Például, ha túlterhelt vagy a sok munkától, amit a zenére fordítottál, akkor bontsd kisebb elemekre az adott részt. Elsőként fókuszálj a melódiára. Ha ezzel kész vagy lépj a következő feladatra. Ez segít, hogy legyőzd a túlterheltség érzését.
Találj ki valami célt/motivációt
A legfőbb indok, amiért az emberek feladják ebben a szakaszban az az, hogy elveszítik a szenvedélyt, ami az elején megvolt.
Pedig a szenvedély az egyetlen mozgatórugója. Ez tagadhatatlan. De vannak időszakok, amikor ezt nehéz érezni, észrevenni. Ezért érdemes két dolgot kitalálni: a következő célt és egy mindent átölelő motivációt, hogy miért is írunk zenét.
A következő cél lehet az is, hogy kiadunk egy EP-t. Ez a következő „nagy” dolog a listádon, és ezért dolgozol tovább aktívan. De egy cél önmagában még nem elég, ezért van szükség egy másodlagos okra is.
Az én két okom, hogy azért írok zenét, mert szeretem, a második pedig az, hogy ez segít abban, hogy embereknek megtanítsam hogyan is tudnak zenét írni. A nehéz időkben, amikor frusztráltnak érzem magam, és nem érzem annyira, hogy szeretek zenét írni, akkor mindig belekapaszkodok a második indokba, és emlékeztet arra, hogy több okom is van rá, hogy folytassam a zenélést.
Tanuld meg, miként tudod átvészelni a kreatív problémákat!
A harmadik dolog, amit muszáj megtanulni ebben a szakaszban, az a kreatív problémák leküzdése. Meg fogod tapasztalni őket, mindenki megtapasztalja.
Legyél következetes és türelmes!
Hiába teszünk meg mindent, a harmadik szakasz így is-úgyis sokáig fog tartani.
Ez egy természetes szakasza a művészek útjának, egyszerűen nem lehet elkerülni. Meg kell tanulni ezzel az érzéssel együtt élni, mielőtt beléphetsz a negyedik szakaszba.
Nincs semmi varázslat, amivel a harmadik szakasz kényelmesebbé tehető. Ez eredendően kényelmetlen és a természetéből adódóan-folyamatos gyötrődés. Ez azt jelenti, hogy következetesnek és legfőképpen türelmesnek kell lenned.
A következetesség számít, mert nélküle soha nem jutsz túl a harmadik szakaszon. A következetesség azt jelenti, hogy szokásokat kell kialakítani. Ezek a szokások fognak átsegíteni azokon az időkön, amikor az inspiráció kámforrá válik. A harmadik szakaszban érdemes lefektetni egy alapvető beosztást. Például „minden nap leülök 30 percre zenét írni történjék bármi”, vagy „30 naponta legalább egy zenét befejezek és megjelentetek”.
A türelem is nagyon fontos. Muszáj megérteni, hogy a harmadik szakasz nem tart örökké, de nem rövid. Még akkor sem, ha nem látod a fényt az alagút végén. El kell hinni, hogy ott van és kész, várni kell (és dolgozni-dolgozni, minél többet, mert magától nem fog soha semmi bekövetkezni).
Negyedik szakasz : Jártasság
Idő: 2-5 év
Nehéz kijelölni, hogy hol ér véget a harmadik szakasz, és hol kezdődik a negyedik, mert elég nagy az átfedés. Azt viszont tudni fogod, hogy mikor vagy túl a nehezén. A negyedik szakasz az utolsó szakasz az ötödik előtt, ami azt jelenti, hogy még itt is aktívan kell tanulni, fejlődni és javítani a munka minőségén.
A negyedik szakasz tipikusan éveket ölel fel. Fontos megérteni, hogy arról az időről beszélek, amikor jártasból kiválóvá válunk a szakmánkban. A legtöbb ember elismeri, hogy körülbelül 10 évre van szükség, hogy profivá váljunk bármilyen téren, “világ klasszis” szintet érjünk el.
Az hogy a negyedik szakasz 2-5 évig tart nem jelenti azt, hogy ebben a 2-5 évben ne válhatnánk akár jó, vagy remek producerré. Simán lehet karriert építeni a negyedik szakaszban is.
Haladó tanulás és remake-elés
Ebben a szakaszban még jobban el kéne sajátítani az alap koncepciót, és egy képet kell alkotni, hogy a különböző ágak milyen kapcsolatban állnak egymással.
De itt az ideje mélyebbre menni. Ennél a pontnál már aktuálisabb a komplex jazz elmélettel foglalkozni, mint a másodikban.
Ha jobban érdekel a sound design, akkor érdemes a téma fizikai oldalát behatóbban tanulmányozni, hogy az adott hangformák miért szólnak úgy, ahogy. Ha a mixing részét szereted, akkor érdemes elmenni egy stúdióba gyakornoknak, vagy olvass el a témában pár könyvet.
Remake-elés (egy kész zene lemásolása)
Eljön az a pont, ahol már a szükséges könyveken és videókon átrágtad magad, és túl kell lépned az általános válaszokon, hogy árnyaltabb praktikákat és trükköket sajátíts el.
A legjobb módja ennek, hogy olyan művészektől tanulj, akik jobbak nálad. Mindenkinek páratlan és egyedi gondolataik vannak, ebből következik, hogy mindenki zenéje másképp lesz egyedi.
Hogyan tudunk másoktól tanulni? Elemezzük ki a zenéjüket. A legjobb, ha remake-et készítünk. A remake készítés rákényszerít arra, hogy aktívan hallgassuk a zenét. Arra kényszerít, hogy új ötleteket próbálj ki és problémákat oldj meg. Arra ösztökél, hogy gondolkodj és gondolkodj arról, hogy mit hallasz, és hogy csinálták.
Kollaboráció
Előnyös lehet ebben a szakaszban a kollaborációra is fókuszálni. Dolgozhatunk egy másik producerrel, vokalistával vagy zenésszel. Több okból is hasznos lehet együttműködni:
tippeket, trükköket sajátíthatunk el más művészektől, producerektől
megtanulhatunk másokkal együtt dolgozni és ötleteket közvetíteni
megtanulhatunk kompromisszumokat kötni
hasonló gondolkodású emberekkel ismerkedünk meg
a másik előadó hallgatósága is megismerkedik a nevünkkel
Nincs arra kifogás, hogy ne működj együtt másokkal. Ha olyan helyen élsz, ahol senki nem készít zenét, akkor is összedolgozhatsz mással az interneten keresztül. Ha az interneten sincs ismerősöd, aki zenét készítene, akkor ne lustálkodj és csatlakozz ((EDMProd Artist Community)) és kérdezd meg hogy nincs e kedve valakinek társulni hozzád.
Karrier utak
Ez opcionális, mert nem mindenki akar karriert építeni producerként. Lehet, hogy szereted a munkádat és csak hobbiból készítesz zenét.
De merem állítani, hogy sokatok azért olvassa ezt, mert zenész karriert szeretne építeni. Annak ellenére, amit az emberek mondanak, rengeteg karrier lehetőség áll fenn a képzett zenei producereknek. Lehetnek:
Zenészek
Végezhetnek szabadúszó munkát
Audió editálás
Sound design
Ghostolás
Filmes és kereskedelmi munka
Oktatás
Sample pack és egyéb produktum gyártás
Egyértelműen vannak még egyéb munkák is. Én csak arra szeretnék rávilágítani, hogy nem az Ultra Mainstage az egyetlen lehetőség.
Fontos megjegyezni, hogy azok, akik elérik az utolsó szintet, azért teszik, mert teljes időben azon dolgoznak, hogy tökéletesítsék a képességeiket. Ha a 10,000 órás szabályt vesszük alapul (nem érdekel, hogy mennyire tudományos), akkor 10 éveken keresztül legalább napi 3 órát kell dolgozni.
Napi 3 órában foglalkozni egy 9-5-ös állásban nem egyszerű. Elérheted az ötödik szintet, de ez természetesen nem egyszerű.
Ötödik szint: Kiválóság
Az utolsó szintet csak kevesen érik el. A kiválóságot úgy definiáljuk általánosságban, hogy amikor valamit már olyan sokáig gyakoroltál akkor tudatalattivá válik a cselekvés. Erőfeszítés nélkül tudunk zenét írni.
Ilyen elektronikus zenei mesterek szerintem: BT, Above & Beyond, Mat Zo, Koan Sound és így tovább.
Fontos megjegyezni, hogy én sem értem el még ezt a szintet, szóval minden, amit ezután ajánlok az tisztán csak megfigyelésen alapul, és azon, hogy én mit tennék ebben a szakaszban.
Mély kísérletezés
Miután mesteri szintre fejlesztetted magad és minden, amit készítesz, az minőséget képvisel, akkor jön el az innováció ideje.
A mély kísérletezés arról szól, hogy felrúgjuk az eddig kialakított szabályokat, és változtassunk a munkamenetünkön. Mesterként meg kell kérdőjelezni a feltételezéseinket és a produkciós folyamatunkat. Ez a legjobb módja a kivitelezésnek? Mi lesz, ha ezt így csinálom?
A profik kísérleteznek, mert már tudják, hogy mi fog történni, ha változtatnak. Ebből adódóan a kísérleteik jó eséllyel sikeresebbek lesznek, mint egy második szintbéli társaiké.
Gyakran ezek áttörésekhez is vezetnek. Talán egy új mixelési technika vagy komponálási metódus. Talán egy új típusú zenei struktúra. A zene folyamatosan fejlődik és a mesterek ennek a mozgatórugói.
Elágazás
Ha ezt a szintet elérjük, valószínűleg új kihívásokat fogunk keresni. Például elkezdünk akusztikát tanulni, vagy komoly zenét. Több irányba elágazunk, és nem csak azért, mert ez segíti a produceri munkánkat, hanem mert érdekel is minket.
Vezetővé válás
Mesterként vezetővé válhatsz, ha csak nem vagy remete. Talán azért mert úttörő vagy, talán azért mert kitaláltál egy új stílust, ami híres lesz. Ki tudja?
Még a mestereknek is folyamatosan tanulnia kell.
Konklúzió
Hogy végigjárjuk az összes szakaszt sok időbe kerül. De megéri? Keresztülmenni a harmadik szakaszon megtapasztalva a sok kreatív gyötrődést? Megéri órákat belefektetni a tanulásba?
Csak te tudsz erre válaszolni. Én tudom a saját válaszom.
https://sonicschool.hu/wp-content/uploads/2016/10/elektronikus-zene-5-szakasz.png788940nbalazshttps://sonicschool.hu/wp-content/uploads/2015/06/sonic_school_logo3-1.pngnbalazs2016-10-25 16:00:122018-03-27 11:13:51Az elektronikus zenei producer 5 szakasza
Ki ne ismerné a feltörekvő alázatos Holland csoda gyereket Oliver Heldens-t? Egy külföldi honlapnak adott interjúját fogjuk nektek közkincsé tenni, amiben többek között alig felszerelt stúdiójáról és feltörekvő zenei karrierjéről beszélt.
Az interjú az idei Creamfields fesztivál előtt készült. Creamfiled Láthatólag a legnagyobb nevek gyűjtőhelye, mint pl Fatboy Slim, Tiesto és Calvin Harris illetve Dimitri Vegas és nem utolsó sorban a Knife Party. Nem csoda, hogy itt futottunk össze a már 3. éve lemezeket pörgető tehetséges 21 éves Oliver Heldens-el.
Oliver Heldens: Nagyjából 200 showt vezényellek le minden évben az egész világon. Körülbelül most kezdtem el megérteni, hogyan viselkednek az egyes tömegek a fesztiválokon. Az amerikaiak örült egy tömeg, viszont kanadaiak egy fokkal értelmesebb megfontoltabb közönség. A Hollandoknak nagy a történelmi múltuk a zenei underground szcéna felé ezért sokkal szenvedélyesebbek az átlag tömegeknél. Az angoloknak szintén nagy a történelmi múltuk van, viszont nagy különbséget véltem felfedezni az északi és déli angol közönségében. A déli erősen viszont az északi teljesen örült közönség. Valaki azt mondta nekem Creamfield is északi beállítottságú. Ez sok mindent megmagyaráz. Amint fellépsz, a színpadra a tömeg teljesen megörül és olyan erőteljes energiát sugároz feléd, mint egy emberi lábdob.
Az Oliver Heldens féle hangzás nehezen behatárolható deep house, electro progressive és disco elemeket is tartalmaz.
Oliver Heldens: Nem számít, hol játszom, egyáltalán nem tetszik, hogy csak egyfajta stílust játszhatok! Ha egy zene jó, kit érdekel a zenei ritmika a stílus stb. Büszke vagyok arra, hogy zenei és produceri ízlésemet nem befolyásolják a nagy kiadók és fellépők. Az ilyen nagy fesztiválokban az a legjobb, hogy mindent egy helyen megtalálsz. És minden az elektronikus zenéről szól.
Megnéznél valaki mást is?
Oliver Heldens: Nagyszerű lenne megnézni Pryda színpadot Adam Beyert. Láttam a Prydzot amint Cirez D-t játszik egy másik napon. Személy szerint én sokkal jobban szeretem a Cirez D-t nagyszerű lenne azt is megnézni a fesztivál alatt.
Az utóbbi évek meglehetősen siker teljeseknek mondhatóak. 2013-ban leszerződtél a Spinin Recordssal kiadtad a Geckot és az év végén itt állsz harmaddikként a South színpadon vállvetve Calvin Harrisel és Pete Tonggal.
Oliver Heldens: Nehéz elmagyarázni mi történt az elmúlt években mivel, hogy igazából fogalmam sincs. Én csak éltem az életem hallgattam a zenéket. Az életem egyik pontján azt mondtam gyerünk “Oliver csináld ezt és az emberek majd észrevesznek!” Csinálj ilyesfajta zenét és majd leszerződtetnek. Volt néhány ötlet a fejembe és megpróbáltam a lehető legtöbbet kihozni belőlük. Sosem volt tervem. Ha megnézzük igazából elég hosszú ideig tartott mivel 12 éves korom óta írok zenéket.
Valóban?
Oliver Heldens: Igen egy demo verzióju FruityLoops-om (mai FL Studio)volt, amivel 7 másodpercnyi ütemeket lehetett készíteni. Arra használtam, hogy loopokat készítsek majd az Apple Movie Makerrel különböző számokhoz illesszem az egyes sávokat. Most így visszagondolva nem semmi egy 12 évestől elég jó képzelőerőm lehetett.
Szinte biztos vagyok benne, hogy én voltam az egyetlen 12 éves, aki LTJ Bukem-et hallgatott az ebédlőasztalnál még anno az általánosban.
Szerintem ezt apukámtól örököltem, ő szerette a zenét és technológiákat. A legnagyobb szerelme a Jazz volt és azon a böhömnagy Steinway zongorán játszott állandóan, viszont vett szintetizátorokat is Minimogot például. Gitárok és effekt pedálok hevertek szerte szét az egész házban. Zeneileg ő mindig is az a kísérletezgető fajta volt. Hozzám hasonlóan apu sem rajongott, ha beskatujázták zeneileg. Sosem mondta, hogy ez egy jó fajta disco vagy drum and bass mindig azt mondta nah ez egy kiváló nóta.
Ő is írt zenéket?
Oliver Heldens: Valójában ő sosem volt az a jellemzően komponáló típus. De sok időt töltött azzal, hogy más zenékre improzzon. Amikor Jazzt hallgatott akkor igen ijesztően komponált, azonban más stílusoknál igen letisztult könnyen fogyasztható melódiákat talált ki. Miközben ezeket hallgattam én is kitaláltam a saját kis melódiáimat. A top 40-es top listákat is rendszeresen hallgattam és megpróbáltam visszajátszani őket, apu szintetizátorain. Általában kudarccal zárultak eme próbálkozásaim, de kísérletezgetés közben a saját hangzásom, dallam meneteimet is megtaláltam. Ez vett rá arra, hogy magam írjak zenét!
Szóval alapjába véve apukád szintetizátorain tanultál meg zenét írni vagy már alapból a digitális zeneírással kezdtél?
Apukámnak volt egy számítógépe, de semmi olyasmi nem volt, rajta ami kicsit hasonlított volna a mai Cubase Logic zeneszerkesztő szoftverekre.
Szerencsére a barátomnak volt egy idősebb testvére, aki éppen csak elkezdett dolgozni a FruittyLoops-on, így találtam rá a demo verzióra is. Először nem igazán volt tudomásom arról, hogy hogyan is kezdjek neki egy számnak. Zeneórákra jártam és melódiákat kezdtem rakosgatni a 7 másodperces loopjaimra. Igen erőteljesek voltak mivel, akkor igen sok elektronikus zenét hallgattam a top 40-ből. Az iskolánkban disco partyk-at rendeztek és észrevettem, hogy a diákok előszeretettel táncolnak elektronikus zenékre. Ekkor mondtam azt magamnak igen producer leszek. Zenét fogok írni.
Olyan egyszerűnek hangzik!
Oliver Heldens: Nem volt egyszerű. Elküldtem jó pár zenémet a kiadóknak, de senkit sem érdekelt, mert szörnyen szóltak! Aztán egy darabig elkeseredésembe úgy döntöttem abba hagyom egy darabig és videó játékokkal kezdtem játszani. Körülbelül 15 éves koromba jött elő megint a zeneírás iránti kedv. Akkor úgy gondoltam, ha nem is tudok, jó zenét csinálnia attól még másoknak játszhatok jó minőségű dalokat, szetteket. Szóval elkezdtem DJ-ézni és megint beleszerettem a zenélésbe. Szerencsére már idősebb voltam és bölcsebb ezért csatlakoztam pár online fórumra illetve a youtube videókat kezdtem nézegetni. Összeismerkedtem pár emberrel akik Massive-ról az EQ-ról a lekeverésről beszélgettek és rájöttem el kell kezdenem pénzt spórolni. Suli bulikon dolgoztam ás vállaltam pár diákmelót is. Minden pénzemet a zenélésbe öltem. Néhány év elteltével vettem egy pár Genelec hangfalat megvettem a Massivot a FruityLoopsot és Sylenthet.
A zenei karrierem kezdetét egyértelműen az elektronikus zenei közösségnek köszönhetem. Egyedül 15-16 évesen fogalmam sem lett volna, hogyan kell egy szintit megtekerni vagy egy normális lekeverést végrehajtani. Nagyon sokat segítettek a közösség tagjai. Fontos dolog hogy sok mindent meg kell tanulni a kiváló zeneíráshoz, és egyedül nagyon nehézkesen megy. Az internet szerencsére nagy segítség volt a tanulási folyamatban.
Mit gondolsz a producer iskolákról?
Oliver Heldens: Úgy gondolom hasznos a működésük nagyban lerövidíti a tanulás folyamatát, anno amikor én kezdtem ez még nagyon kezdetleges és kiforratlan volt a producer oktatás a mai iskolákhoz képest.
Visszatérve az előbbi kérdéshez. Miután idővel kitapasztaltam a Sylenth és Massive képességeit elkezdtem figyelgetni, hogy top producerek hogyan csinálnak hangokat és elkezdtem utánozni őket, de egy picit azért a saját ízlésemhez igazítottam a hangzás világukat. Nem sokára egy egész kis adatbázist építettem fel a saját hangjaimból. Mivel része voltam az online zenekészítő közösségnek szinte azonnal tudtam mit kell csinálnom ahhoz, hogy következő szintre lépjek – visszajelzés, promóció, kollaboráció. Néhány weboldal azonnal visszajelzést küldött a számaimról nem mindig jókat, de amikor jót kaptam akkor az azonnal megnövelte az önbizalmamat. Néha jól ismert DJ-ék is visszaírtak, hogy figyelj, tetszik az elképzelésed csak így tovább. Ez szintén nagy lökést adott. A közösség fiatal tagjai is gyakran megkerestek együttműködés tekintetében. Ezzel párhuzamosan elkezdtem küldözgetni/posztolgatni a zenéimet azoknak a DJ-éknek akiket kedvelek. Sosem gondoltam, hogy csak egy magányos hálószobás DJ lennék mivel gyakran kapcsolatba kerültem ezekkel a DJ-ékkel személyesen is. Így történhetett, hogy Spinin-hez kerültem anélkül, hogy kiadtam volna zenét. Még saját hangzásomat sem találtam ki. Akkoriban azt mondták tetszenek, az elképzeléseid nézzük, meg mi fogtörténi.
Egy tonna számot kiadtál 2013-ban!
Oliver Heldens: Hollandiából UK-ból és Amerikái stílusokból inspirálódtam. Ezért valószínű, hogy nehéz beskatulyázni a számaim. Nem csak deep house-t és UK houset hallgattam igazából minden fajta zenén inspirálódtam. Tisztán emlékszem, hogy volt egy időszak, amikor sok UK zenét hallgattam, mint például a Shadow Child-et. Nagyon úgy tűnt, hogy visszarepülök az időbe 2005 2006-ba de saját elképzeléseim szerint próbáltam UK Deep Houset csinálni ez alapján készült el a Gecko.
Emlészel arra mit használtál, amikor összeraktad a számot?
Oliver Heldens: Nagyjából igen! A fő téma a Massiveból jött. Nagyjából találtam egy hangot, ami illet az elképzeléseimhez majd pár layert ráraktam nagyjából ugyanazon hangokból, amit megtorzítottam egy kicsit és egy kvinttel (+7 st) eltoltam az utolsó szintit a többihez képest. A torzítás valószínűleg a Guitar Rig-gel csináltam, ami idővel az egyik kedvenc pluginom lett. A subot Sylenthel csináltam. A dobokat nos úgy emlékszem a lábdob egy Swedish house maffia számból jött pár más kickkel layerelve és egy kis Reverbel megfűszerezve hogy nagyobbnak hasson. A tapsra illetve a cinekre annyira nem emlékszem, de úgy rémlik Vengeance vagy Sample Magic hangokpakkokból jött. A Drum layerelés egy olyan dolog, ami minden számnál más és más kell, hogy legyen, minden számnak külön szabályai vannak. Nem mondhatód azt, hogy rakjál bele egy kicsit ebből ezt rakd a tetejére és végén kapsz egy jó kicket. Ez nem ilyen egyszerű, ha így volna, akkor minden producer sokkal boldogabb lenne.
Szóval eddig beszéltünk egy kicsit a FruityLoops-ról, Synlenth-ről Massiv-ról de vannak más pluginjeid is nem igaz? Vagy ilyen egyszerű a studiód?
Egy kicsivel több de nem sokkal. Sokkal több plugint megvizsgálnék meg kipróbálnék, ha lenne rá időm. Az utazás az élő show rengeteg időmet elveszik. Egy új szintetizátor kipróbálása megtanulása rengeteg időt felemészt. A fő szoftver szintetizátoraim a Massive, Sylenth és a Nexus. Guitart Rig a fő effekt pluginom. A reverb (zengető) amit használók pedig Valhalla. Alapos megfontolás után valószínűleg a Serum-ot fogom legközelebb megvásárolni. És persze ott van a Kontakt. Az utóbbi években sokkal jobban érdekelgetek az organikus hangok például a hegedűk (strings) zongorák, amik nem szintetizáltak. A fő hegedű dallam a Melodyban (2015) a Kontatktból szólt. Viszont később egy élőzenei kvartettnek adtam. Az érzés az érzet annyira erőteljes biztos vagyok benne, hogy magamtól sosem tudtam volna ilyenre csiszolni.
Mostanában észrevehető, hogy zeneszámaid sokkal összetettebbek. Ez annak köszönhető, hogy magabiztosabb lettél?
Valószínűleg de például ott van az Ooh La La, ami még mindig elég egyszerű és üres. Amikor valakivel együtt dolgozok akkor szoktak bonyolultabbá válni a számok mivel több hozzávalóból dolgozunk. Mint például a Space Ship amit együtt csináltunk a Chocolate Puma-val.
Ezt a te stúdiódban készítettétek?
Oliver Heldens: Haha, nem az én öreg stúdióm még mindig a hálószobám. Mindent úgy hagytam, ahogy régen volt nem éppen a nagy kollaborációkhoz lett kitalálva.
Azért most már rengeteg pénzed van a bankban nem érezted úgy, hogy megteheted, hogy jobb stúdió berendezéseket vegyél?
Oliver Heldens: Mi értelme lenne? Már 2-3 éve csinálom és még mindig a régi Macbookomon készülnek a számaim. Az én stúdióm nagyon alapszintű nem kell bele semmi drága cucc. Elég hely a régi gépemnek és két Genelecnek.
Amire sokat költöttem az a szoba akusztika. Sok pénz felemésztett, hogy tökéletesítsem szobám hangzását.
A szomszédok nem panaszkodnak?
Oliver Heldens : Amikor feltekerem, a hangerőt egy szomszédtól kell tartanom. Emlékszel, amikor azt mondtam az egyik haverom bátyja adta oda nekem a Fruitty Loopsot! Na, ő szomszédom viszont ő is nagyban üvöltteti a zenét és csinálja a trackeket. Annyi zajt csinál, mint én. Ez így tökéletes!
Inbetween
Forrás: Music Radar.com
Tetszett a poszt érdekelnek a pluginok, amivel Oliver Heldens is dolgozik? Akkor jelentkezz iskolánkba!
A Sonic Schoolban a legnagyobb hangsúlyt az Equzásra fektetjük. Szinte az egész kurzus végig kíséri. Ez egy olyan topic, amiről nem lehet eleget tanulni. Folyamatosan jönnek ki az új módszerek és maguk az EQ-ik is folyamatosan fejlődnek. Az EQ-uzáson nagyon sok múlhat, ugyan kezdetben nem ez az elsődleges szempont egy zenei mű összerakásánál, azonban csak az EQ-val tudsz a számaidnak olyan mélységet és tisztaságot adni amitől kiadhatóvá válik a projekted. Az EQ-uzást alapjába véve bizonyos frekvencia tartományok erősítésére (boost) vagy csillapítására (attenuation) és vágására (cut) használják. Az Equalizer célja a zavaró más hangszerek által gerjesztett felesleges frekvencia tartományok megszűntetése, ezáltal szép tiszta hangzás létrehozása.
Equlizer típusok dióhéjban
Több fajta Equailzer típussal találkozhattok. Ebből többet is bemutatunk az iskolánkban. A legelterjedtebb Equaliezerek több típusba sorolhatók és ezek szinte a legtöbb mixer pultba megtalálhatóak.
Shelving equalizer
Az úgynevezett shelving EQ-k egy bizonyos frekvencia tartományt erősítenek vagy csillapítanak, általában egy előre meghatározott görbe segítségével. Két fajtáját különböztetjük meg, a magasáteresztő (HPS) és mélyáteresztő szűrőket(LPS). A mélyáteresztő filter csillapítja a frekvenciákat egy általunk meghatározott frekvencia tartományban a Cutoff vagy vágási frekvencia felett pedig érintetlenül hagyja a frekvenciaspektrumot! A magasáteresztő természetesen ennek a fordítottját csinálja. Vannak fixált frekvencia tartományok ezekben a filterekben, az LPS filter általában 150 hz alatt szokták igénybe venni, míg a HPS 10 kHz fölött. Ezeknek a filtereknek általában magas (High) mély (Low) és (Mid)közép tartományt szabályozó gombjai vannak. Az analog equalizerek ezenfelül még a hangszerek karakterét is képesek nagymértékben befolyásolni bizonyos melegséget (warm) adva a hangszerekhez. Ebből eredendően kijelenthetjük, hogy nem csak frekvenciák szűrésére hanem hangszínezésre is használhatjuk az Equlizereket.
Paragraphikus EQ
A paragraphikos EQ-k nem annyira elterjedtek de sok helyen megtalálhatod őket. Például a hifi rendszereken vagy a windows média playeren. Lényegük, hogy előre meghatározott frekvencia tartományokat tudunk erősíteni vagy gyengíteni !
Parametric Equalizer
A parametrikus Equalizerek a legelterjedtebbek és legflexisebbek az equalizerek között. A multiband EQ-nak egyik legnagyobb előnye, hogy bármelyik frekvenciát erősíthetjük, vághatjuk, csillapíthatjuk kedvünk szerint, ezért is használják őket előszeretettel. Valamint sokkal precízebbek a többi EQ-nál. Ezek az EQ általában digitálisak. Precizitásuk miatt főként bizonyos frekvencia tartományok eltávolítására vagy szűrésére használják. A legtöbb DAW szoftverben szinte csak ilyen EQ-uk találhatóak.
A leggyakoribb paraméterek a parametrikus vagy grafikus EQ-kon
Frekvencia (frequency): Az egyes frekvenciatartományok paraméterezését befolyásolja.
Gain: Az adott frekvenciatartomány hangerejét állítja. Ez kikapcsolásra kerül, ha LP vagy HP filtereket használjuk.
Szűrő meredekség (Filter Slope): Az adott filter típus meredekségét állítja, minél nagyobb, annál drasztikusabb változást érhetünk el egy adott hangban. A HP/LP filterek bekapcsolásánál használhatóak.
Rezonancia (Resonance) vagy Q: A lefedett frekvencia szélességét hivatott befolyásolni. Szűkre és tágra lehet vele venni egy adott frekvenciatartományt.
Filter típus (filter type): A különböző filtertípusokat itt tudjuk kiválasztani.
Gyakran használt filtertípusok
Fontos megértenünk a különböző filtertípusok működését. A mit, mikor és hogyan kérdés nem olyan egyszerű a zeneírásban. Hosszas kísérletezgetés és gyakorlás szükséges az EQ professzionális felhasználásához. Többek között erre is kiemelt hangsúlyt fektetünk a Sonic School-ban.
Low Shelf: Átenged minden frekvenciát, de az általad meghatározott mély tartományban erősíti vagy gyengíti a frekvencia hangerejét.
Bell görbe vagy harang görbe: egy meghatározott frekvenciatartományt erősít vagy gyengít! A haranggörbe szélessége állítható!
Notch szürő: ez egy fordított haranggörbe. Minden frekvenciát megszűr egy adott tartományban.
High Shelf: lényegében a Low Shelf ellentéte.
Low Pass vagy mély áteresztő filter: ez a szűrő a magas hangokat szűri meg a vágási ponttól, a mélyeket pedig átengedi.
High Pass vagy magas áteresztő: a Low pass filter ellentéte itt a magas frekvenciákat engedi át és a mélyeket szűri.
EQ tippek és technikák
A következő példákban a Abbleton EQ 8-án keresztül fogjuk szemléltetni az EQ-zás technikáit.
Ezek a tippek bármely parametrikus EQ-lizeren megtalálhatók. Az EQ-zás lényege, hogy erősítsük vagy csillapítsuk az egyes frekvenciatartományokat, így a különböző hangszereknek teret és mélységet adjunk a mixben. A nem EQ-uzott hangszerek szinte mindig oltják a többi hangszer frekvenciáját, ezért koszos és rossz lesz a mix.
Vágj ki minden felesleges frekvenciatartományt!
Ezt legkönnyebben egy Nyitott cinen (Open Hihat-en) lehet érzékeltetni. Alapvetően ez egy olyan hangszer, ami magas tartományba dominál. Ha ráraksz egy spektrum analizert, meg is állapíthatod, hogy mennyi felesleges frekvenciatartomány van csupán egy cinen. Itt a legcélravezetőbb 750 hz vagy magasabb frekvenciatartományon egy High Pass filterrel mindent levágni, így nem fogja zavarni a többi hangszerünket. Hasonlóan bass-eknél a felesleges magas tartományokat is megszűrhetjük.
Subtractive EQ-zás
Ennek a technikának a lényege a csillapítás, szemben az erősítéssel. Példával élve, ha két Lead szintetizátor más-más tartományokon játszik, egyik a mély felén, a másik a magas felén a frekvencia spektrumnak, akkor ahelyett, hogy a magasat tovább emelnénk ezáltal erősítve a zajokat is, próbáljuk meg a mélytartományban játszó szintetizátorba egy high self filter segítségével redukálni a meglévő magas frekvenciákat. Mély frekvenciáknál is ugyanez a helyzet. Bátran vágjuk a nem basszus típusú magas és közép szintetizátorok mély tartományát. Ezzel a technikával ugyan nehezebb boldogulni, de a végeredmény sokkal tisztább mix lesz, mintha folyamatosan erősítenénk a különböző frekvenciatartományokat.
Egyben nézzük a mixet!
Nagyon fontos, hogy ne külön-külön, hanem egyben nézzük a mixünket. Nem önmagába kell jól szólnia egy hangszernek, hanem a mixben. Tanítás közben észrevettem a tanulókon, hogy sokak önmagukban szeretnék, ha jól szólna egy adott hangszer. Önmagukban hangszerek, ha nem csak magukban szólnak, teljesen mindegy, hogy milyen tisztán és szépen szólnak. Nem tudsz sok hangszert belerakni egy mixbe, ha minden tartományát kiemeled, bizonyos tartományokat fel kell áldozni. Melyiket? Ez mindig helyzetfüggő.
Ismerjük a frekvencia tartományok tulajdonságait!
Egy szám mélységét többféleképpen létrehozhatjuk, egyik leggyakoribb módszer mégis maga az EQ használata. Példának okáért a magas frekvenciák kiemelése azt eredményezi, hogy a hangszer előrébb kerül mixben, sokkal prominensebb lesz. Ha viszont csillapítjuk ezt a frekvenciát, akkor pont, hogy kevésbé hangsúlyossá tesszük az adott hangszert. Ha megvizsgáljuk a mély tartományt, ott teljesen más szabályok érvényesülnek. Ha ezt a tartományt erősítjük, akkor erőteljesebbé, ütősebbé tehetjük a mixünket. Ha viszont csillapítjuk, akkor mixünk erőtlenné válhat.
Hangszeparáció harmonikus felépítés
Az egyik leghangsúlyosabb dolog, amit a Sonic Schoolban megtanítunk, hogy a lekeverésnek már akkor álljunk neki, amikor még csak a dallamokat próbáljuk összerakni. Nagyon fontos tudni, hogy minden hangjegynek (note) van saját frekvenciatartománya. Így már a dallammenetek és harmóniák megfelelő megválasztása nagyban segítheti a lekeverést. Kevésbé hangsúlyos dolog a panolás. Ennek sokan nagy jelentőséget tulajdonítanak, azonban a reverbek és a delayek megfelelő használata másodlagossá teszi a használatukat.
Zavaró frekvenciatartományok szűrése
Sokszor elő fog fordulni, hogy bizonyos frekvenciatartományok nagyban zavarják a teljes mix hangzását. Ezeket többféleképpen megszűntethetjük. Az egyik legegyszerűbb módja, ha egy harang (Bell) szűrővel nagyon kis Q beállítás mellett végig pásztázzuk a frekvencia tartományt az egyes hangszereken. Hallani fogjuk, hogy egy-egy frekvencia tartomány különösen zajos és kilóg az átlagból. Ezeket ilyenkor csak megfelelő mértékben csillapítani kell és sokkal tisztább mixet kapunk.
Az Equzás végig kíséri a zeneírás teljes folyamatát. Szinte a leghosszabb folyamatok egyike. Fontos szerepe van hangszerek elhelyezésében, szeparálásában, kiemelésében, érzelmek befolyásolásában, sztereotér manipulálásában. Ezért nem lehet eléggé sokat beszélni ebben a témában. Remélem hasznosnak találtad a cikket, ha igen, kérlek oszd meg vagy kommentelj! Segítsd a munkánkat, küldj be téma ötleteket!
Tetszett a poszt érdekel a zeneszerkesztés az Equlizerek? Akkor jelentkezz iskolánkba!
A sample packok vagy magyarul hangminta packok remek lehetőségeket adnak a kezdő producereknek, ahhoz, hogy inspirálódjanak és könynedén elekezdhessenek egy tracket. Nem ritka, hogy profi producerek is minőségi sample packból kiválogatott loopokból kezdik el producer munkájukat felépíteni. Azonban sokan beleesnek abba a hibába, hogy szinte csak össze ollózzák a trackeket emiatt tucat számokat hoznak létre, ami karrierjük szempontjából nem túl előnyős. Ezért a Sonic Schoolba egyik legfontosabb feladatunknak tartjuk a szintetizátorok olyan szintű megimsertetését, amivel könnyedén személyre szabhatjátok a meglévő vagy vasárolt presetjeiteket. Az egyediség egyik legfőbb ismérve, hogy tudjuk használni eszközeinket és meglévő hangokból valami újat tudjunk alkotni.
Dinamika és hangerő
Az egyik legtöbbet vitatott téma a hangerő nagyság és dinamikai kompresszió. A dinamika lényegében egy zenei mű leghalkabb és leghangosabb hangja közötti távolságot jelenti. A mai zenei kultúra a hangos zenéket részesíti előnyben. Ennek senki nem tudja a pontos okát de minnél tisztább és hangosabb egy zene annál kelendőbb. Manapság a kompresszió extrém mértékeket öltött az újabb és újabb kompresszorok maximazerek szinte 0-ra redukálják a dinamikáját a mai zenéknek. Ettől függetlenül a kezdők egyik legnagyobb problémája, hogy rosszul állítják és használják a kompresszorokat ezért vagy egyáltalán nem kompresszálnak vagy túlzott kompressziót hoznak létre. Az egyik leggyakoribb hiba, hogy ahova kellene kompresszió ott nem használnak ahova pedig nem kellene rögtön három kompresszort is raknak. A legfontosabb kérdés amit fel kell kompresszor használtakor tenned, hogy szűkséges-e a kompresszió? Vajon a hangerő növekedés és dinamika csökkenés kedvezően befolyásolja-e a produkciónkat vagy csak temészetellenesen szétlapítja azt. Nagyon fontos, hogy a kompresszor használat megtanulása éveket vesz igénybe. A Sonic Schoolban megtanítjuk a kompresszor megfelelő használatát, de pontos használatához a hallásodnak el kell érnie azt a küszöböt, amivel már könnyedén megállapítod mi a jó és rossz kompresszió közötti különbség.
A limiterek
A kompresszorokkal ellentétben a limiterek lényege, hogy a küszöbérték felett (treshold) nem engedi át a hangerőt. Másképpen az úgynevezett 0 decibel felé sosem engedi a szignált. Így folyamatosan tudjuk erősíteni egy szignál hangerejét anélkül, hogy digitális clippelés jönne létre. Azonban, egy bizonyos szint után elmosodnak tranziensek az egész track csak egy torzított massza lesz. Ezért érdemes nagyobb figyelmet fordítania különböző limiter típusok irányába. Próbáljatok ki több gyártó álltal kínált limitert. Észre fogjátok venni mennyire megváltozik egy-egy zene dinamikája és hangereje bizonyos limiterek hatására.
Hangolás/tuning
Egyik fontos dolog a mai zeneírásban a megfelelő harmónia menet. Ugyan vannak stílusok amik ettől elrugaszkodnak és direkt diszonáns hangokat hoznak létre pl Future bass, Bass House. Azonban a jóminőségű zene ismérve megfelelő harmónia menet. Ne legyél lusta a doboknál cineknél tapsoknál ugyanúgy fontos a megfelelő hangmagasság(pitch) mint az összes többi hangszernél.
Ha lábdobod(kick) rossz hangmagasságod van EQ-uzhatod nap estig sosem fog összepasszolni basszus meneteddel. A megfelelő harmónia menet kialakítása a lekeverést is nagyban megkönyíti. Ha nem tudod éppen milyen hangmagasságon szólal meg egy adott hangszer akkor használj spektrum analizereket vagy Tuner pluginokat ezekkel játszva megállapíthatod, hogy milyen hangamgasságon van egy adott hangszer és könnyen korrigálhatod azt.
Tudatos választás
Manapság annyi elérhető profi eszköz fellehető a piacon, hogy bőség zavara igenis valós probléma. Az egyik legtipikusabb hiba amit egy kezdő producer elkövethet, hogy megvesz minden eszközt ami elsőre megtetszik neki. Ez azért probléma mert sok eszközben sokkal több lakozik, mint, amit gyártók beletápláltak. A kevesebb néha több ebbe szakmában fokozottan megállja a helyét. 3-4 szintetizátor bőven elég egy egész életre. Ez nem azt jelenti, hogy ne probálj ki többet viszont érdemes egy két szintetizátort mélységeiben megismerni. Amit viszont tanácsolni tudok, hogy ha nagyon elakadtok egy számmal, akkor érdemes egy új szintetizátort vagy hangminta vagy preset packot kipróbáni sokszor átud lendítni bárki egy új hangzás kipróbálása.
Az analizis paradoxon!
Ez a jelenség nálam is előszokott fordulni. A lényege az hogy elkészítesz egy témát vagy egy menetet és oda vissza játszod (loopolod), majd várod a csodát. Elemezgeted vizsgálgatod és arra vársz, hogy történjen valami, jöjjön egy impulzos ami beindítja a kreatív folyamatot. Viszont pont ez a túlzott elemzés gátol majd téged abba, hogy folytasd a trackedet. Egyetlen megoldás van erre a problémára, probálkozz, de ne elemezgess túl sokágig egy dolgot, mert könnyen leragadhatsz egy öteletnél. Ha viszont végképp nem jön az ihlet, akkor ne örlődj a dolgon, kezdj új projektet. Félreértés ne essék, nem mindenki tudja előre mit szeretne létrehozni. Nem mindenkinek jelenik meg a fejében a következő projekt refrénje. Én sem ezek közé a producerek közé tartozom. Nálam az ihlet általában ,akkor jön, amikor elkezdek össze-vissza tekergetni vagy véletlenszerűen hangjegyeket leütni. Szerencsés esetben a fülem elkap egy-egy menetet onnatól már tudom mit szeretnék csinálni. Szóval ne add fel ne hidd, hogy tehetségtelen vagy lehet te is pont ilyen producer vagy.
Inbetween
Tetszett a poszt érdekel a zeneszerkesztés? Akkor jelentkezz iskolánkba!
M-Audio hangkártya és midi interface ráncfelvarrás jön 2016-ban. A gyártó az utóbbi pár évben nagy hangsúlyt fektett a hangkártya és audio-interfacek fejlesztésére. Pár éve még csak az M-track széria volt elérhető, idén azonban 5 új modellel is bővitik termékkínálatukat. Mostantól gyakorlatilag a pár tízezer forinttól egészen a százezres kategóriáig szinte minden piaci szegmenst és felhasználói igényt lefednek.
M-Track Hub, £50
USB monitoring interfész 3 darab midiporttal.
Studio minőségű 24-bites visszajátszást tesz lehetővé
(2) Balanced 1/4 hüvelykes fő kimenetek a kifejezetten hozzájuk dedikált fém hangerőszabályozóval
Három különböző USB MIDI eszköz kezelése
Fülhallgató kimenet a belehellgatás érdekében
M-Track Solo, £85
24/192 USB-C high speed 2×2 audio interfész
24bit/192kHz felbontás a professzionális felvétel készítéshez és lejátszáshoz
(1) Dedikált XLR/TRS combo bemenet és (1) dedikált hangszer kimenet —tökéletes választás solo énekeseknek/zenészeknek
USB-C high-speed audio interface (kompatibilis w/USB-A) zero késleltetett belehallgatás lehetőséggel.
USB/Direkt Balance kontroll
Fülhallgató kimenet a belehellgatás érdekében
Beépített szoftverek
AIR Creative Collection FX (20 Világhírű FX AU/VST pluginok nem más álltal készítve mint a Pro Tools®)
Ableton Live Lite
AIR Strike
AIR Xpand!2
AIR Mini Grand
M-Track 22, £100
24/192 USB-C high speed 2×2 audio interfész
24bit/192kHz felbontás a professzionális felvétel készítéshez és lejátszáshoz
Külön választható (2) XLR/TRS combo bemenet vagy (2) hangszer bemenet
első hátsó panel jackek
5-pin MIDI bemenet/kimenet minden létező midi eszközt rá lehet dugni
USB-C high-speed audio interface (kompatibilis w/USB-A) zero késleltetett belehallgatás lehetőséggel.
USB/Direkt Balance kontroll
Beépített szoftverek
AIR Creative Collection FX (20 Világhírű FX AU/VST pluginok nem más álltal készítve mint a Pro Tools®)
Ableton Live Lite
AIR Strike
AIR Xpand!2
AIR Mini Grand
M-Track 84, £210
24/192 USB-C high speed 8×4 audio interfész
24bit/192kHz felbontás a professzionális felvétel készítéshez és lejátszáshoz
(2) 1/4-inch fülhallgató kimenet külön állítható csatornákkal (1/2 or 3/4) és hangszínszabályozó, hogy egyszerre két zenészt is feltudjunk venni két különböző mix beállítássa
USB-C high-speed audio interface (kompatibilis w/USB-A) zero késleltetett belehallgatás lehetőséggel.
USB/Direkt balance kontroll
Beépített szoftverek
AIR Creative Collection FX (20 Világhírű FX AU/VST pluginok nem más álltal készítve mint a Pro Tools®)
Ableton Live Lite
AIR Strike
AIR Xpand!2
AIR Mini Grand
M-Track 1212, £280
32/192 12-in/12 Out USB-C high speed audio interfész
32-bit 192kHz studio minőségű audio a legjobb audio interfészek tudásához mérten
Vállasztható (2) XLR/TRS combo bementek vagy (2) hangszer bemenetek
DB25 8 csatornás TRS konnektorok rákötve 8 ki és bemeneti csatornára
