Bejegyzés

avicii

Avicii interjú – I Could Be The One zeneelemzés

Avicii, mesélj egy kicsit a 2013-as, Nicky Romero-val közösen készített „I Could Be The One” című számról! Milyen eszközöket és technikákat használtál?

Az Avicii dal egyik fő eleme a lead, ez adja meg a dallam egyfajta hullámzását, amit a dBlue Glitch valós idejű VST audiorendszerrel állítottunk elő. Ez tulajdonképpen egy mix a gate effekt és a különféle rétegű hangokból összetevődő LFO között (a tempo szinkronos step sequencer-rel alkalmazva). Ezzel nagyon energikus benyomást tehetünk. A dallamon kívül ez a másik dolog, amivel kiugró hatást értünk el. A hangszeres rész egyébként már régóta megvolt, erre pakoltam rá Justice „D.A.N.C.E.”-ét a cappella, amikor ezt a verziót játszottam (ami jó ideig „Nicktim”-ként volt ismert). Végül sikerült megtalálnunk a számunkra tökéletes hangot – konkrétan Noonie Bao énekét –, amibe rögtön beleszerettünk.

Avicii in studio

Hogyan építetted fel a lead-et?

Sokat játszottam a Glitch-csel, eleinte főként csak random, kissé „ropogós”, zúzós hangok létrehozása miatt. Aztán eszembe jutott Thomas Bangalter 1998-as „Colossus” című kislemeze. A névadó dalnak van egyfajta hullámzó, funky-s hangzása, ami arra ösztönzött, hogy a saját zenémbe egy kis fényességet, de ugyanakkor „kábultságot” is belevigyek. A kihívást ismét a tökéletes tempó és hangmagasság meglelése jelentette. A torzításhoz és a fehér zajhoz hasonlóan itt is meg kell találni a finomhangolást, azt a pontot, amikor el kell döntened, szükség van-e még többre vagy itt az ideje visszavenni. Ezért csináltunk egy VST szintit a Glitch-csel. Hasonló hatást lehet elérni a Fruity Loops (mai nevén: FL Studio) 3xOsc-vel (három oszcillátor, szubtraktív szintetizátor) is. Ezt használhatod egy standard sawtooth-hoz, majd a megfelelő hangmagasság eléréséhez „lemész” az adott csatorna instrumentális eszközei alá. Ott található egy olyan LFO beállítás, amivel kialakíthatod a megfelelő „adagolást” és tempót. A három gomb közötti egyensúly elérése révén a megfelelő vibe-ot is beállíthatod. Nálunk is akad néhány ilyen megoldás az „I Could Be The One”-ban, a különböző hangrétegekben.

 

Ez kicsit úgy hangzik, mintha folyamatosan váltogatni kellene a hangjegyek megrajzolása, a minták megduplázása, a VST hangszer kiválasztása, a hullámformák vágása és az automatizálás között. Kérdés, hogy mikor állsz meg és kezded el a mixelést. Be lehet azonosítani ezeket a folyamatlépéseket?

A fentiek tulajdonképpen egyszerre, folyamatosan történnek. Nálam legalábbis így megy ez, egészen a mastering-ig.

Avicii véleményed szerint mennyire veszik a DJ-k figyelembe a fellépés helyszínét amikor mixelnek?

Teljes mértékben. Én speciel elég türelmetlen típus vagyok. Amikor úgy érzem, közeledik a szám vége, akkor a másikat azonnal elkezdem játszani, ami segít meghallani, hogy egy adott frekvencia esetleg túlságosan kiemelkedik-e a zenéből. Ugyan nem csekkolom a frekvenciát hertz szinten, de így azonnal észlelem, ha egy szakasz túl halk vagy ha mondjuk túltolom a basszust. Stúdióban ülve ez teljesen más, ott nem mindig ilyen egyértelműek a dolgok. Így neked kell odafigyelned, hogy ne legyenek túl durva részek és hogy ne vesszenek el az egyes elemek a nagy „zúzásban”.

avicii studio 2

Mi a helyzet a sidechain-nel? Ezt is könnyű rosszul alkalmazni, mint a fehér zajt?

Igen, ezt is túl lehet tolni. Ha viszont megtanulod használni, akkor ez a legjobb cucc. Nekem szerintem nincs olyen track-em, ahol ne használnám ezt a különféle szinteken. Még egy nagyon enyhe sidechain – amiről talán nem is tudod, hogy valójában az – is óriási különbséget eredményezhet a mixben. Ezzel anélkül „üthetsz” nagyot, hogy túlzásba esnél. Mindez dinamikusabb zenét tesz lehetővé.

Avicii használsz más plug-ineket is a Fruity Loops-on kívül a „finomításhoz”?

Igen, a vokálhoz sok SoundToys cuccot, konkrétan a Decapitator-ot vagy az EchoBoy-t használom. Ezeken nagyon jó preset beállítások vannak, nem túlságosan bonyolultak, mégis jó velük dolgozni. Ráadásul az összes Waves plug-in életmentőnek bizonyulhat, különösen, ha több „akusztikus” forrással is dolgozol és nem akarsz „filmzenei” hatást elérni.

Ezek inkább a dolgok „feszesebbé húzására” jók  vagy speciális színezés hozzáadására?

Sok minden van a vezérléshez, de a színek hozzáadásához is. A Waves Tony Maserati kollekcióban egy csomó különféle toner és enhancer található, amelyek igazán cool hangzást adnak sokféle cuccnak. Kedved szerint variálhatsz, legyen szó valóságosabb vagy régiesebb hangzásról. Nemcsak zongorához használható, hanem basszusgitárhoz vagy szintihez is.

Sok munkával jár a minták és a virtuális eszközök rétegezése?

Ha tudod, hogyan kell csinálni, akkor nem igazán.

avicii sutdio 3

Biztosítható mindez automatizálással és/vagy EQ-val?

Szerintem nem. Ahogyan rétegezem a dolgokat, azt látom, hogy minden hangnak megvan a maga szerepe. Nincs két hang, ami ugyanazt a célt szolgálná. A zongora például mindig csodálatosan szól és sok hézagot ki lehet vele tölteni. A zongorával általában nagy akkordokat hozok létre, majd rápakolom a felső dallamot és egy kis ritmust is. Aztán megkétszerezzem ezt a mintát, és végigmegyek az alapvető stílusokon, hogy olyan dolgokat keressek, mint például egy sawtooth így hozzátehetek valami extrát, ami kissé kiemelkedik az egészből.

Ezek szerint úgy gondolod, hogy az egyes építőelemek ismerete sokkal értékesebb, mint ha órákat töltenél el az EQ-k testreszabásával?

Abszolút. Egyesek azt mondják, hogy a mixelés a dolgok „faragása” és „bevitele”, de én azt mondanám, sokkal fontosabb a zene meghallgatása és megalkotása. Minél több időt szánsz a folyamatra, annál hamarabb ki fogod szúrni, mi túl sok vagy éppen túl kevés. Így a minta és a dallam elrendezéseivel megoldhatod a problémát ahelyett, hogy erőltetett módon próbálnál egymáshoz “passzintani” egyébként össze nem illő dolgokat.

Köszönjük a kimerítő válaszaidat kedves Avicii.

https://www.emusician.com/artists/avicii

swedish house mafia

Swedish House Mafia tippek/trükkök zeneíráshoz

A Swedish House Mafia példája a legjobb bizonyíték, hogy tudatos munkával igenis ki lehet tűnni a tömegből. Az ismeretlenségből való kitöréshez azonban nem árt szem előtt tartani néhány dolgot. Íme, 26 tipp a zenekartól, hogy a zenekészítésbe fektetett energiád valóban megtérülhessen.

swedish house mafia studio 21. Mentsd el!

Gyakran előfordul, hogy zenekészítés közben olyan hangokkal találkozol, amelyeket ugyan szeretsz, de nem feltétlenül illeszkednek az aktuális projektedhez. Nagyon fontos, hogy  – a megfelelő előzetes beállítások alapján – minden egyes értéket tárolj el a szintetizátorodon, méghozzá hangtípusonként elnevezve. A kapcsolódó fájlmappát pedig érdemes a lista elejére mentened, hogy bármikor könnyen hozzáférhess az éppen szükséges dallamokhoz.

Szabd testre!

Semmiképpen se ess abba a hibába, hogy a kompresszorokat, a limtereket és más plugin-okat csak vakon másolgatod egyik csatornáról a másikra anélkül, hogy megváltoztatnád a beállításokat.

Szintén fontos, hogy ne mindig ugyanazokat a plugineket használd ugyanabban a sorrendben. Lehet, hogy az egyik beállítás fantasztikusan szól az egyik basszuson, a másikat viszont akár teljesen tönkre is teheti.

Az tehát önmagában véve még nem baj, ha egy kompresszort, limitert vagy más plugin-t másolsz az egyik sávról a másikra, viszont mindig ügyelj arra, hogy az adott hangeffekt beállításait az új anyaghoz igazítsd.

3. Csak akkor változtass, ha muszáj!

Az egyszerűbb, funkcionális pluginok – például torzítókat, filterek – több esetben sokkal gyorsabban alkalmazhatók másolással. Győzd le magadban a késztetést, hogy „belepiszkálj” ezekbe!

Ha tehát rendszeresen ugyanazokat a pluginokat használod, akkor mindenképpen ügyelj arra, hogy ezekhez hozzájuk férhess.

4. Az ellentétek vonzzák egymást

A mix változatossá tételének jó módja, ha különféle, de hasonló csatornákon – mondjuk két pad-en – ugyanazokat a hangokat játszod le.

Érdemes szembeállítani egymással a különféle kiindulópontokat (például a balt és a jobbat) két, egyébként azonos módon beállított táblán (panneren). A dry/wet hatást pedig érdemes utóbbi irányba eltolni, ellenkező esetben ugyanis a zene kiegyensúlyozatlanná válhat.

5. A kevesebb több!

Általában nem jó ötlet túl sok limiter, kompresszor vagy más mastering effektet használni, mivel ez negatívan hathat az egyes önálló csatornákról alkotott elképzeléseidre.

House típusú zene írásánál és készítésénél érdemes tehát finoman, de határozottan korlátozni a futtatást, majd a mixelésnél le is venni ezeket.

6. Ducking és pumpálás

Ha sidechain kompressziót használsz a duckinghoz és a pumpáló érzet eléréséhez, akkor érdemes további sidechain technikákat is alkalmaznod az extra „vezérléshez”. Így anélkül szivattyúzhatod a basszust, hogy az elnyomna más hangokat vagy szivattyúzás nélkül duckingolhatod az adott pad-et.

7. Ellenőrizd a visszhangot!

Habár elsőre jó ötletnek tűnhet különféle visszhangokat használni az eltérő effektekhez, valójában azonban ezek megtörhetik a zenei harmóniát.

Ilyenkor érdemes megpróbálkozni a master kimenet korlátozásának felerősítésével. Így azonnal látható, hogy mindezzel megszüntethető-e a fenti probléma a mastering fázis végrehajtása után vagy más megoldásra van szükség.

 

8. Erősítés csak finoman!

Általában nagyon sok sztereó erősítőt használunk a különféle zeneszámokban. Azonban ebben sem szabad túlzásba esni, mivel a túlzott erősítés kiegyensúlyozatlanságot eredményezhet a dallamban és a fülünket is bánthatja. Esetenként megoldást jelenthet, ha csak egy-egy jelet erősítünk fel.

9. Rés a pajzson

A sztereó erősítő effektek használata kitöltendő „réseket” eredményezhet, ugyanakkor el is terelhetik a figyelmet egy-egy önálló dallamról. Jó módszer lehet az űr kitöltésére egy sztereo reverb beillesztése. Így egyrészt nem romlik a hangminőség, másrészt ezt követően már bátran alkalmazható az erősítés a dry hatás helyett.

10. Minden együtt

A koherens, professzionális hangzású mix létrehozásának egyik legjobb módja a hasonló hangok csoportosítása például az adott csatornán. Megoldás lehet a tömörítés, a korlátozás és/vagy a telített hangzás létrehozása az adott csoportra vonatkozóan.

A dobok, a magasabb hangok és a basszusok ilyen módon történő csoportosításával harmonikusabb hangzás érhető el.

11. Tedd „monokompatibilissá”!

Fontos, hogy mindig ellenőrizd a mixet az esetleges sztereo szakasznál fellépő problémák szempontjából. Ez különösen elengedhetetlen a house műfajának esetében, mivel sok bárban és klubban van monorendszer. Márpedig ha a basszus hirtelen eltűnik a dallam adott szakaszából, azzal a teljes zene is tönkretehető.

Tehát használj analizátort a track ellenőrzéséhez. Példának okáért a Vengeance-Sound VMS Analyser világosan képes „megmondani”, hogy az adott zene monokompatibilis-e vagy sem. Nincs rosszabb mint egy Swedih House Mafia számot lejátszol sé hiányzik a bass.

12. Csak lazán!

Mindig tartsd szem előtt, hogy a különféle hanghosszok eltérők lehetnek bizonyos szintetizátor típusok esetén. A Swedish House Mafia zenekar tagjaival is előfordul, hogy MIDI-ben teljesen máshogyan szól az általuk írt dallam.

A kiterjesztés ilyenkor is kulcskérdés. Ugyanazon riff (dallamrészlet) más-más rétegének összefüggésében ezek az észlelt hiányosságok valójában akár nagyszerűen is hangozhatnak.

13. Segítő kéz

Ha nem érzed magad komfortosan a gyorsan lejátszott riffek esetén, használj arpeggiátort vagy MIDI plugint, esetleg a szintetizátorba már eleve beépített modult. Építsd be az alapvető MIDI sorozatodat a megfelelő dallamba. Kísérletezz bártan, amíg meg nem kapod a megfelelő végeredményt, ami kiegészíti a fő dallamot vagy basszusgitárt.

Ha még izgalmasabb végkimentre vágysz, told el az egyes riffeket egy-egy oktávval feljebb vagy lejjebb.

14. Helyezd át a mintát!

Ha ki akarod próbálni az arpeggiátor mintáját egy másik szintetizátoron, több lehetőség közül is választhatsz. Manuálisan belenyúlhatsz a hangjegyekbe, ezzel alkotva újra azokat. Elkészítheted a riffet hangonként is, majd egy hangmagasság-korrekciós plugin segítségével azonosíthatod a hangjegyeket. De használhatsz a Waves Tune-hoz hasonló eszközöket is, melyek segítségével MIDI fájlt készíthetsz az audio bemenetből.

15. A piros esetenként tilos!

Amikor effekteket használsz bemenetként, mindig figyelj a beépülő modulokon áthaladó jelszintekre. Túl könnyű hagyni, hogy a jelszint felkússzon a pirosig a kimenetnél, főleg, ha nincs mindenhol szintmérő. Mi a Swedish House Mafia kiemelten figyelünk erre.

Ha ez megtörténik, a lánc végére a jel elvékonyodik, mivel ezeket menet közben elvágják, majd gyengítik.

16. A minőség legyen az első!

Napjainkban néhány zenei plugin magában foglal egy úgynevezett „kiváló minőség” módot. Ez rendszerint előtekintést igénylő, lineáris leképezésű műveleteket és/vagy más DSP „varázslatokat” foglal magában.

Fontos azonban, hogy zeneírás és rendezés közben mindig maradj a „normál” módnál – a késleltetés minimalizálása és a CPU megkímélése érdekében. Amikor pedig a mix elkészítésére kerül sor, akkor lehet “átugrani” a lehető legmagasabb minőségre.

swedish house maffia studio 3

17. Ésszel limitálj!

Ha a teljes mix alatt használsz limitert, tartsd a redukciós mérőt maximum 3-4 decibelnél. Ennél magasabb mérték ugyanis veszélyeztetheti a zenei dinamikát és a jel hallható károsodását eredményezheti. Az egyes önálló összetevőket azonban jobban „megnyomhatod”.

18. Erősítsd a reverb-et!

„Hizlald fel” a reverb-et úgy, hogy egy kompresszort vagy limitert helyezel el az effektláncban. Itt sem szabad azonban átesni a ló túloldalára, ez drámai hatást válthat ki, különösen a limiter esetén.

Az is előfordulhat, hogy mindezek után még EQ-t is be kell vetned, méghozzá fentről lefelé haladva. Így mindkét hatás erőteljesebb lesz, de egyik sem teremt a mid-ekhez hasonló hangulatot, tehát csak helyet foglalnak el a mixben.

19. Örömteli késleltetés

A Swedish House Mafia szerint a valódi partihangulat létrehozásának kulcsa a késleltetés gondos megtervezésében rejlik. Ezt egyébként eredetileg a MIDI szekvenciák javító elemének szánták, amely kompenzálja a MIDI eszközök vezetékes láncai által okozott késést.

Ugyanakkor a modern produkciókban ez önálló életre kelt ahol az elemeket időben „húzzák-vonják”, így teremtve más-más hangulatot. Már csupán 1-10 ezredmásodperc elegendő mindehhez.

20. LFO a győzelemért

A „finomabb” hangzás érdekében érdemes időnként módosítani egy adott hangot a zeneszám bizonyos pontjain – esetleg a breakdown-nál, amikor a különféle hangszerek önállóan is szólnak. Ennek egyik módja az LFO moduláció alkalmazása a szűrő határfrekvenciájára.

A legtöbb szintetizátor beépített LFO-val tartalmaz, de használhatsz külső plugineket is – például az Xfer LFO Toolt – bármilyen hangforráshoz.

21. LFO/késleltetési kérdések

Az LFO modulációs effektjei ugyan fantasztikusak, de ha ezek közül olyat használsz, amely szinkronizálva van a tempó fogadására az adott zeneszám késleltetett részén, akkor a ritmikus effekt „odavághatja” a gondosan beállított késleltetést. Így az olyan részeket, mint például az audio, érdemes előre beállítani, majd ezt követően alkalmazni a késleltetést.

22. Minden az időzítéstől függ

Alapvető fontosságú, hogy az LFO-k a dallam megfelelő pontján legyenek aktiválva. Az Xfer LFO eszköze lehetővé teszi a moduláció fázisának (valójában a kezdőpontnak) az eltolását. A Swedis House Mafia is ezt használja.

Ha ez mégsem történik meg, de az LFO a tempóhoz van igazítva, akkor érdemes manuálisan megváltoztatni az adott részt a hangzás elmozdításával (előre vagy hátra). Ezt követően pedig megtörténhet a „visszaállás”.

23. Szűrő-őrület (filter)

A szűrőmodul (filter) ma már mindenütt jelen van aez EDM zenében. Mindig tartsd viszont szem előtt, hogy ez nagyban befolyásolja a zene dinamikáját. Ezt szem előtt tartva kifejezetten szórakoztató lehet az egyébként meglehetősen nehéznek számító tömörítés vagy limitálás, ami valójában akár ki is hangsúlyozhatja a modulációs effektet.

Swedish house mafia studio

24. A minőségnek ára van

Tetszik vagy sem, de a house műfaja valójában nagyon magas színvonalú plugineket igényel. A DAW-csomagban található mastering eszközök azonban valójában nem igazán felelnek meg a dedikált harmadik fél által kínált szolgáltatásoknak.

Ha már a költségvetésnél tartunk, olcsóbb beszerezni egy önálló mastering plugint, amelyben az összes szükséges eszköz megtalálható, mint egy önálló mastering kompresszort, EQ-t, limitert stb. Ebben a kategóriában egyébként meglehetősen nehéz legyőzni az iZotope Ozon termékcsaládot.

25. Mérd magad másokhoz!

A mixing és a mastering mindig hasonlítsa össze zenéidet a műfaj legjobb példáival. Használj inkább WAV/AIF fájlokat az MP3 helyett. Utóbbiak ugyanis alacsonyabb hangminőségűek, így összehasonlításra sem igen alkalmasak.

26. Ne feledkezz meg a sidechan-ről!

Légy óvatos, ha a DAW fagyasztó funkcióját használod, vagy a stem-eket exportálod keverésre, mivel sok DAW nem foglal magában semmiféle sidechain-t. (Ableton 10-es verziójában már megoldódott ez a probléma)

El tudod ezt kerülni, ha bármelyik részt egyenként emeled ki a sidechain segítségével (0 decibelre állítva, elkerülve minden beépített modult). Le kell tehát némítanod a sidechain forráscsatornáinak kimenetét, miközben azok jelei változatlanul továbbításra kerülnek. Reméljük tetszett ez a kis tipp gyűjteménytől egyenese a Swedish House Mafia-tól.

Diplo tippek

Diplo tippek a jellegzetes hangzásvilágának eléréséhez

Habár a Thomas Wesley Pentz néven született amerikai DJ, dalszerző és producer, Diplo karrierje során már több álnév alatt és változatos stílusokban alkotott, mégis vannak olyan egyedi jellemzők, amelyek mindig is meghatározták produkcióit. Következzen a Diplo tippek.

A souds.com oldalon megtalálható legújabb Diplo Drops csomagja alapján a Native Instruments-es Paul Nolan elemzi a zenész munkáját.

Diplo tippek

Diplo tippek 1. Játék a vokállal

Diplo produkcióinak egyedülálló aspektusa többek között a vokál „adagolásában” rejlik. Ez egyszerű, de hatékony technika a hook-onként duplázódó ritmikus sorozatok létrehozására. Ennek révén sokkal „emlékezetesebb” hangzás érhető el.

Ha te is szeretnéd kihasználni a módszerben rejlő előnyöket, használj olyan sampler-t – például az Ableton Simpler-t –, amelyben elérhető a ’Slice’ funkció. Ezzel a kitűzött célnak megfelelően tudod szétdarabolni a vokált, a részeket pedig igény szerint a meghatározott sorrendben játszhatod le egy MIDI billentyűzeten. Ez történhet ritmikusan és/vagy eltérő hangmagasságokban is. Ezzel olyan egyedi szólamokat és szakaszokat hozhatsz létre, amellyel az éneket szó szerint és átvitt értelemben is új magasságokba emelheted.

Diplo tippek 2. Réteges hangfeldolgozás – ügyesen irányított harmóniák

Az énekhanghoz való ragaszkodás egy másik, Diplo által alkalmazott módszere a vokál újrahangolása a mesterséges, zenei harmóniák létrehozásához. Ehhez egyszerűen önmagukra kell rétegezni az eredeti énekhangokat. Ezt követően az egyes rétegek hangmagasságát igény szerint áthelyezheted és a megfelelő szintre keverheted a zenei szempontból releváns időközönkénti, harmonikus hangzás létrehozásához. Ezt elérheted +5 vagy +7 félhanggal, de akár egy egész oktávot is ugorhatsz fel- és le.

A „szétdarabolási” technika és a mintaáthelyezés kombinációja révén az ének hihetetlenül hatásos és figyelemfelkeltő lehet, ugyanakkor megmarad a dallam egységessége.

3. Instrumentális anarchia

Diplo méltán híres arról, hogy a különféle hangokat, műfajokat, hangszereket és a vokált is át meri vinni teljesen ismeretlen területekre. Ezzel az „anarchikus” megközelítéssel egészen ikonikus hangokat képes létrehozni. Ilyenkor vesz egy hangszert, amit valami új, szinte felismerhetetlen formátummá alakít, majd az így létrejövő hangot teljesen új kontextusba helyezi.

A vokált például olyan szintetizált hangok létrehozásához használja, amelyek szinte torz fuvolaként szólalnak meg néhány legnépszerűbb dalában. Mindezt te is elérheted, ha a vokál egy-egy mondatát vagy akár szakaszát extrém hangmagasságba ülteted át vagy újra lejátszod azt magasabb szegmensekben. A különféle paraméterek – beleértve a hangmagasságot is – integrálása révén egészen érdekes valós idejű mozgásokat lehet kialakítani, amikkel egyedi dallamvilág alakítható ki.

Az eredetihez képest érdemes legalább 12 félhanggal feljebb menni, majd az ének áramlása közben játszani a hanggal mindkét irányban.

diplo tippek studio

Diplo tippek 4. Extrém reverse

A dallam határainak áthelyezése mindig is kulcsfontosságú tényező volt Diplo esetében. A hangok visszafejtésével egészen drámai hangzás érhető el. Amikor pedig úgy tűnik, hogy a következő pillanatban minden szétesik, akkor – és pont akkor – kell bevetni a dropot, teljesen feloldva ezzel a feszültséget.

Ne félj „lecsippenteni” az énekes részek végéből, visszafejteni és 2-4 sávval magasabban használni azokat. Tompítással pedig ilyenkor is a saját kezedben tarthatod az irányítást.

Diplo tippek 5. Meghökkentő váltások

Diplo egyik „legütősebb” módszere a 2 az 1-ben megközelítés, amikor két, látszólag szinte teljesen összeegyeztethetetlen elrendezés áll össze egy „epikusan fülbemászó” egésszé. Ez jelentheti a tempó és az ütemek váltogatását, de akár a műfajok keveredését is.

Szintén jól használható ez a módszer a drop-oknál és az intrók végén. Ha pedig még több „kakaóra” van szükség, duplázd meg a dobokat. Ilyenkor maga a zene változatlan marad, de a tempó és az energiaszint változásába valósággal „beleremeg a ház” – ezt pedig bizonyára a közönség is értékelni fogja.

A drop esetében próbálkozz 70 BPM-es sebességgel, 140 BPM-nél pedig válts át a „B szakaszra”. Ezzel akár műfajt is válthatsz egy számon belül. Ez a technika figyelhető meg Diplo ’Get it right’ című számában.

6. Resampling

Ez tulajdonképpen a hangzás létrehozásának művészete – függetlenül attól, hogy MIDI-t használsz vagy a hangzáson változtatsz, esetleg új hangfájlt hozol létre további feldolgozás céljából. A legtöbb DAW programban már megtalálható a ’Bounce In Place’ funkció, vagy ha mégsem, akkor is könnyedén megoldható a hangok új fájlba történő rendezése, amely készen áll az elrendezésbe történő beépítésre.

Próbálkozz a vokál vagy a dobok rétegzésével. Az összes réteget egyetlen hangfájlba mentsd le, majd módosíts rajta: adj hozzá torzítást, változtass a hangmagasságon, készíts új mintákat és hasonlók. Tedd ezt mindaddig, amíg a hangok teljesen felismerhetetlenek és egyediek nem lesznek.

Egészen meghökkentő hangzást érhetsz el így még akkor is, ha látszólag mindez a minőség rontására megy, mint ahogyan az a ’Get it right’-ban hallható.

7. Hip-hop hatások

Az már eddig is kiderült, hogy Diplo bátran kísérletezik a különféle műfajokkal. Ami viszont biztos, hogy a hip-hop valamilyen formában egész eddigi munkásságában jelen volt. Különösen a hi-hat használata jellemző, ami azért is érdekes, mert a techno „aranykorában” gyakorlatilag csak Roland TR-808-as és 909-es dobgépek voltak elérhetők. A 909-es stílusú hangok és a hi-hat minták kombinálása révén viszont egészen modern hip-hop hangzás alakítható ki, amely ugyanakkor elég rugalmas a 4/4-es szakaszokhoz történő ugráshoz is.

Ha ez a célod, akkor először minden 8. hangnál vesd be a hi-hat-et. Ezt követően törölj néhány hangjegyet, majd változtasd meg a grid-et úgy, hogy minden 16. hangnál legyen hi-hat. De használhatsz hármasokat is a hi-hat-ek felpörgetéséhez. Diplo már említett ’Welcome to the party’ című nótája jól illusztrálja mindezt.

8. Extrém műfaji keveredés

A hangszerek állítólagos „megfelelő” használatának szélsőséges és mégis kreatív figyelmen kívül hagyása mellett Diplo minden esetben él a tempó és az ütem változásában rejlő lehetőségekkel. Ez magában foglalja a különféle műfajok extrém módon történő vegyítését is addig a pontig, amíg már úgy tűnik, mintha egy zeneszámon belül két különböző dal szólna.

Diplo munkássága jól mutatja, hogy igenis megfér egymás mellett a hip-hop (85 BPM) és a drum & bass (170 BPM) és nem baj az sem, ha éles, hirtelen változások történnek. A dalszerkezet egysége akkor is megőrizhető, ha menet közben „ugrálsz” egyik műfajról a másikra.

Jó példa erre a Silk City-vel, Dua Pipával és Mark Ronsonnal közösen készült ’ Electricity’, ahol a dal végén a disco house zenéből teljes mértékben funk & soulba „megyünk át”.

9. Off-kilter ritmusok

Diplo egy másik módszere az egészen különös, off-kilter ritmusok – például pontozott vagy triola hangok – használata. Ezek a meglehetősen érdekes módszerek szétválasztják a sávokat és a ritmusokat, sajátos hangzást adva azoknak. A dallamok így a grid körül „tekeregnek” és a dob megjelenésekor teljesen egyedivé válnak.

Ha ezt szeretnéd elérni, állíts össze egy vezető sort a DAW-ban 1/8-as pontozott grid (1/8dD) használatával. Ezzel a dallam és a ritmus teljesen új dimenziója nyílhat meg előtted.

https://blog.native-instruments.com/9-steps-to-deconstructing-a-diplo-track/

Zedd titkai

Zedd közkedvelt műhelytitkai és tippjei

Ebben a cikkben bemutatásra kerül Zedd által kedvelt pluginek és Daw szoftverek valamint egyik daljáról is mesél pár műhelytitkot.

Szoftver, szintik és sampler-ök

A Steinberg Cubase Zedd állítása szerint esetében a zenekészítés kreatív folyamatának középpontjában áll. „Mindig is használtam a Cubase-t. Amikor 14 éves voltam és a stúdióban voltunk a zenekarral, mindig ezzel dolgoztunk. Sokáig tehát csak ezt ismertem. Ma is ezt veszem igénybe az alkotói folyamathoz. Mindig megvan a legújabb verzió, bár nem frissítek azonnal. Inkább megvárom, amíg az esetleges problémák megoldódnak. A Cubase egyébként hihetetlenül későn kapott sampler-t, amely a legtöbb DAW egyik legfontosabb eleme. Egyébként a Native Instruments Kontaktja sem a legjobb megoldás. Ennél például nem szeretem, ahogyan a hangmagasságot kezeli, ilyenkor kicsit úgy érzem, hogy nem én irányítok.”

Zedd party

„Vannak olyan dolgok, amiket az Ableton vagy éppen a Pro Tools tud jobban. Ugyanakkor én úgy látom, hogy a Cubase-nak is megvannak a maga jellegzetességei. A szerkesztés például itt kivitelezhető a leggyorsabban. Ugyanakkor a DAW működése kétségkívül befolyásolja a zeneírást. Mivel a Cubase-ban nem volt sampler, így soha nem használtam olyan dolgokat, mint például a szinti hangminta. Így minden egyes hangot külön-külön kellett ’kipréselnem’ a szintiből, ami arra ösztönzött, hogy a zenére és az akkordokra összpontosítsak, és kevésbé gondolkodjak. Ezzel együtt irigylem azokat, akiknek van sampler-ük. Ugyanakkor a Cubase automatizálást szörnyűnek találom, mivel ebben millió sor látszik mindenhol, így azt sem tudod, mi mihez tartozik” – osztja meg gondolatait Zedd.

Zedd pluginjei

„Nem használom továbbá a Cubase beépített pluginjait és hangforrásait sem. Vannak persze átmeneti megoldások, mint például a Cubase Envelope Shaper, de ennyi. A fő szintim az Xfer Serum, amely jelenleg a leghatékonyabb soft szintinek tartok. Könnyen kezelhető, de igény szerint nagyon mély hangokat is ki lehet belőle hozni. A hangfájlokat rétegezheted is vele a zenébe, így nem csupán oszcillátorról van szó. De szeretem a Tone2 Gladiatort, a Lennar Digital Sylenth-et és a Native Instruments Damage-et is. Utóbbival jó kis ’filmes’ hangokat lehet létrehozni. A zongorahangokhoz a reFX Nexus beépített modult is igénybe veszem. Egyszerűen hihetetlen, hogy egy 250 euros plugin ilyen jól szól.”

„Lényegében az összes dobom teljesen egyedi hang, melyeket az idővonalra helyezek. Ezt egérrel csinálom, viszont a dolgok zenei ’oldalához’ szinte mindig a billentyűzetet veszem igénybe. Ugyanis gyorsabb és sokkal könnyebb kitűnő akkordprogramokat találni, mint megpróbálni beilleszteni vagy mozgatni az egyes note-okat az egérrel. Amikor játszom, egyszerre rögzítem a MIDI-t és a hangot is. Amikor beprogramoztam valamit a MIDI-be, megpróbálom azt a lehető leghamarabb audióvá konvertálni. Sokkal könnyebb ugyanis az audiót feldarabolni, mint a MIDI-ben dolgozni. Csak akkor használom a MIDI-t, ha később meg akarom változtatni a hangot, és nem akarom újrajátszani az adott részt. Előbb lementem a munkamenetet, és csak utána konvertálom audióvá. Így mindig visszamehetek és előhívhatom a MIDI-t egy korábbi munkamenet-verzióból. De a hang hosszát is könnyebb így megváltoztatni, nem beszélve a feldarabolásról vagy időbeli meghosszabbításról és így tovább. Az audióval történő munka arra késztet, hogy megcsináld az adott dolgot és ne ’gondolj túl’ semmit.”

Zedd party2

„A dobok programozásakor néha loop-okat használok, mert ezzel nyilván sok időt lehet megspórolni. Van, aki szerint ez ciki, de szerintem nincs ebben semmi, mivel a loop alapvetően nem változtat semmit a dalon. A jó dal egy jó dal és kész. Nem beszélve arról, hogy amikor a dobokat manuálisan programozom, akkor hajlamos vagyok elveszni a részletekben” – avat be Zedd.

Csak előre

Zedd tovább „finomítja” munkamódszereit azáltal, hogy nyomon követi eddigi legnagyobb slágerének, a Stay című számnak az útját. Zedd slágerei ugyanis átkerülnek a pop birodalomba, ahogyan manapság ez a világ legsikeresebb EDM-eseivel történik. Így a dal megfelel a 21. századi követelményeknek, amely szerint egy dal több műfajban is helyt állhat. A Stay-t olyan dalszerzők dolgozták már fel, mint Linus Wiklund, Sarah Aarons, Alessia Caracciolo és Jonnali Parmenius. Sőt, Zaslavski és Wiklund producerként is jegyzi a nótát.

„A dal a Linus, Sarah és Jonalli által készített demón alapszik, amelyet én készítettem, majd továbbfejlesztettem. Nem akartam, hogy a dal csupán a drop-ról szóljon, így időrendben dolgoztam rajta, kezdve az intróval, majd a verzével, valamint az előkórussal és a kórussal. Azt akartam, hogy a verze és főleg a kórus a lehető legminimálisabb legyen, és csak azokat az elemeket őriztem meg, amelyeknek tényleg van valami szerepe. Így amikor a kórus belép, akkor csak a vezető vokál és a voconder vokál a hangsúlyos, minimális reverb-bel. Így amikor a drop ’bejön a képbe’, az teljesen megdöbbentő, és valóban megragadja a hallgató figyelmét. Ugyan a drop-hoz is tartozik build-up, de nem a tipikus EDM sweep-ekről, swell-ekről és snare-ekről van szó. A drop ezután továbbviszi a kórus vokáljának dallamát, amelyet csak néhány szintetizátor, pár meglehetősen éles hang és egy kis fehér zaj hoz létre.”

A Zedd féle produkció elkészülése

„Sarah ugyan énekelt a dal demójában, a végső verzióban azonban már nem akart szerepelni. Így kértem fel Alessia Cara-t, akinek a hangszíne nagyon hasonlít Sarah-éhoz. Néhány sort megváltoztatott, hogy komfortosabban érezze magát ezek éneklése közben. A felvételt a Westlake-ben készítettük el. Ezt követően sok időt töltöttem el a stúdiómban a dal ’finomhangolásával’, a vokál szerkesztésével, különféle elemek hozzáadásával és hasonlókkal. A legdrámaibb változás egy új akkord volt a drop-ban. Ezt korábban nem használtam a dalban, mivel elsőre ’idegen’ lehetett volna a közönség számára. Amikor viszont már ismered az adott dalt, akkor egy új akkord érdekesebbé és egyedibbé teheti azt” – árulja el Zedd.

A zenész továbbá azt is elmondta, sok időbe telt a dalt befejezése. Több hónapig is dolgozott rajta és emlékei szerint a 26. verzió lett a végleges változat.

Normál esetben egyébként a keverési szakasz az írási, rögzítési, szerkesztési és rendszerezési folyamatok után következik. Nem úgy Zedd-nél, aki már ’”menet közben” is mixel. „A lényeg a tökéletes végeredmény” – vallja a zenész.

Zedd daw

Mi a helyzet a mastering-gel?

„Mindig van a ’tarsolyomban’ néhány plugin. Ilyen például a LVC-Audio ClipShifter-je. Úgy érzem, a limterek túlságosan lecsökkentik a tranzienseket, az én zeném esetén pedig végképp nem szükséges túl sokat korlátozni. Tehát a ClipShifter programot használom, amely 6 és 12 decibel között bármit képes kezelni. A jel ezután az iZotope Ozone-ba kerül, amelyben olyan előzetes beállítást használok, ami sztereó szélesítéssel minden olyan magasságot megad, amire szükségem van. Ezenkívül tömörítésre és maximalizálásra is használható. A végén pedig jöhet a limiter – például az AOM Invisible Limiter vagy a FabFilter Pro-L –, csak hogy növeljem kicsit a hangerőt.”

„Mindenesetre a mastering esetén elmondható, hogy itt egyszerűen nincs őrült magasság” – zárja a beszélgetést Zedd.

https://www.soundonsound.com/people/producing-edm

Zedd

Zedd módszere: muzikalitás és EDM

„Az EDM elképesztő dolog, sokan sok mindent kihoznak belőle, másoknál viszont egyszerűen unalmassá válik. Időnként szeretem az ilyen dalokat élőben játszani, mivel az EDM-nek van egy bizonyos energiája” – vallja a német producer, Anton Zaslavski, művésznevén Zedd.

Zedd in studio

„Egy eltorzított kick magában foglalhatja az összes alsó szintet, ilyenkor már csak egy pár hangra van szükség a felsőbb régiókhoz. Általánosságban a ’kevesebb több’ elve a jellemző erre a műfajra. Ha nem zsúfolsz mindenfélét bele a dalba, akkor több hely marad az egyes elemeknek. Ha péládul változó basszussal akarsz kialakítani komplex hangzást, akkor később ezt nehéz lesz mixelni vagy igazán ’ütőssé’ tenni. Ugyanakkor számomra egy csupán négy felső hangból álló torzított kick nem túl izgalmas.”

„Az EDM időnként inkább a funkcionalitásról szól és kevésbé a zenéről” – teszi hozzá Zedd. „Gondolok itt az emelkedésekre, a drop-okra és a breakdown-okra. Sok EDM dal nem feltétlenül a készítőjéről árulkodik, egyszerűen ott van, működik és kész. Ezeket magunk között „DJ-eszközöknek” hívjuk. Amikor ott állsz 40.000 ember előtt és a tömeg nem reagál a zenédre, akkor egyszerűen be kell vetned az egyik ilyet, hogy felhívd magadra a közönség figyelmét. Tök jó, hogy van ilyen, én magam is csináltam már ezt, de jelenleg inkább a zeneiségre és a dalszerzésre koncentrálok. Hallgatni akarok valamit. Olyan zenét akarok létrehozni, amelyet mindenki élvezhet, amely nem „fárasztja le’ a hallgatót és ami nem csupán a fesztiválokon működik. A Clarity-t például minden egyes nap lejátszom évek óta és még mindig lépes lelkesedést kiváltani belőlem” – osztja meg műhelytitkait Zedd.

Zedd: Igazságot mindenkinek

Zedd még 2013-ban futtott be a brit énekesnő, Foxes közreműködésével készült dallal. A Clarity közel 260 milliós megtekintésnél jár a YouTube-on, elnyerte a legjobb dance felvételnek járó Grammy díjat is és több milliós eladásokat produkál. Zedd szekere pedig azóta csak egyre jobban fut. A producer egészen egyedi módon közelíti meg az EDM műfaját, utalva ezzel a ’klasszikus’ zene iránti szeretetére, George Bensonra, a Beatles-re, a Deep Purple-re és a King Crimson-ra. Az 1989-es születésű Zedd már gyerekkorában magába szívta zene szeretetét: orosz származású édesapja ugyanis gitáros, szintén orosz édesanyja pedig zongoratanár. A család Zedd négyéves korában költözött Németországba, a zenész így németnek vallja magát.

„Három vagy négy éves lehettem, amikor a szüleim elkezdtek zongorázni tanítani” – emlékszik vissza a zenész. „Főként klasszikus dalokat játszottam, kicsivel később azonban már lett egy saját billentyűzetem 12 dallal és egy floppy-val. Minden nap írtam egy dalt, amit aztán édesapám ’kielemzett’. 12 évesen kezdtem el dobolni a Dioramic nevű bandában a testvéremmel. Akkoriban leginkább a Muse-hoz hasonló zenét játszottunk. Később volt egy jazz-rock korszakunk, majd alternatív rockot csináltunk, végül pedig belemerültünk a metalba, ami idővel nagyon durva hardcore-ba ment át. Később valaki megmutatta nekem a Cross zenekar Justice című albumát, amibe teljesen beleszerettem. Innentől kezdve azon gondolkodtam, hogyan tudnék én is hasonlót létrehozni.”

Zedd: Újszerű megközelítés

Habár a fiatalember ekkor még csak 18 éves volt, sorsa innentől kezdve gyakorlatilag megpecsételődőtt. Zedd még csak 30 éves, olyan előadók számait remixelhette, mint Skrillex, Lady Gaga és BoB. De együtt is dolgozott Gagával és Justin Bieberrel. Olyan szólóalbumai jelentek meg, mint a Clarity (2012) és True Colors (2015), vendégelőadó volt Ariana Grande Break Free (2014), valamint Hailee Steinfeld és Grey Starving (2016) című produkciójában és 14 kislemezt adott ki saját neve alatt.

Az Alessia Cara éneklésével készült Stay című száma 2017 tavaszának és nyarának egyik legnagyobb slágere volt, amely 2 milliós példányszám feletti eladással és több mint 400 milliós Youtube-nézetséggel bücszkélkedhet. A Get Low című dal pedig a One Direction-os Liam Payne közreműködésével készült.

Zedd elmondása alapján a Justice alapjaiban változtatta meg számára a zenei alkotói folyamat teljes perspektíváját. „Előtte körülbelül csak annyit tudtam, hogy használod a lábdobot, beraksz elé egy mikrofont, és kész. Nem tudtam mintacsomagokról (sample pack-ekről), riser-ekről vagy sweep-ekről. Tehát elkezdtem elektronikus zenét készíteni a Cubase használatával, de akkor még csak szórakozásból csináltam a barátaimnak. CD-ket adtam nekik, és semmit sem töltöttem fel. Utána viszont elkezdtem feltölteni a zenéimet és azt láttam, hogy az embereknek tetszik, amit csinálok. Esetemben még jól is jött, hogy korábban nem ismertem az EDM-et, mivel így nem a szokásos klisék alapján dolgoztam. Csakis olyan zenét készítettem, ami tetszett, ez pedig újszerűvé tette számomra az EDM-et” – avat be Zedd.

A zenész 2010-ben töltötte fel első számát a Soundcloud-ba. A Lucky Date Ho’s & Disco’s című dalának remixe Zedd klasszikus és progresszív rock zenei tapasztalatának köszönhetően egészen egyedire sikeredett. A nagy áttörés pedig hamarosan be is következett, amikor a zenész az interneten keresztül kapcsolatba lépett Skrillex-szel, aki feltette Zedd egyik dalát saját MySpace oldalára. Ezt követte a közös turné. A szívesség viszonzásának jegyében Zedd pedig újramixelte Skrillex Scary Monsters And Nice Sprites című dalát. Ezt követően Zedd az Amerikai Egyesült Államokba költözött és a Blood Company nevű céggel kezdett el együtt dolgozni. Ugyanazzal a csapattal, amelyik Skrillexet is menedzseli. Sőt, Zedd Skrillex kiadójával, az OWSLA-val is szerződött, mielőtt átment volna az Interscope Records-hoz.

Kaliforniai álom

Zaslavski egy ideig a Los Angeles-i Interscope stúdióban dolgozott, 2015-ben azonban a Hollywood Hillsre költözött, ahol saját házi stúdiót alakított ki. Elmondása szerint nincs szüksége sok felszerelése. „Itt csak az Augspurger hangszóróim vannak. A nagyobb példányok, amik a legtöbb nagy stúdióban megtalálhatók. Ezenkívül két kicsi, öt hüvelykes KRK monitor, egy Mac Pro Cubase-zel, egy (Antelope Audio) Orion hangkártya, a Slate Raven vezérlőképernyő, egy Slate Digital virtuális mikrofonrendszer, két MIDI billentyűzet – a Roland SV1 Stage Vintage és a Nord Stage EX88. Valamint egy nagyon kicsi, két oktávos MIDI vezérlő apró gombokkal, csak azért, hogy valóban gyorsan ellenőrizni lehessen a szinti hangot vagy a mintát.”

„Az Augspurger-ek a fő hangszóróim, rengeteg alacsony szintű információval, amiket szükség esetén ’keményen’ vezethetek. Ellenőrzéshez viszont a KRK-kat használom, leginkább az ének megkomponálásakor. Utóbbi célra véleményem szerint a kicsi hangszóró vagy akár a MacBook a legalkalmasabb. Gyakran órákon át hangoltam a vokált és úgy éreztem, hogy tökéletesre sikerült. Amikor aztán a laptopomon keresztül lejátszottam a dalt, hallottam kissé éles vagy tompa hangokat. Ilyenkor sokkal jobban ’előjön’ minden, mert csak egy nagyon szűk frekvenciatartományon mozogsz. Ha viszont túl sok basszust használsz, az elfedi a dolgokat. A Roland a fő billentyűzetem, amit a súlyozott billentyűk nagyon ’valóságossá’ tesznek – szeretek rajta játszani. A Nord Stage-t pedig azért használom, mert nagyon kedvelem az elektromos zongora hangját és ezzel adott esetben egy bizonyos hangmagasságot is elérhetek.”

„Vokál egyelőre nincs a saját stúdiómban. Ha éneket akarok felvenni, akkor inkább átmegyek a házamtól mindössze 10 percre lévő Westlake Studios-ba – nekem ez így bevált. Mivel a hangmérnöki munkát nem én végzem el, így az ének előállítására és annak hangszerelésére összpontosíthatok, ügyelve arra, hogy az énekhang valóban megfelelően szóljon. Ha stúdiómban szeretnék néhány demót vagy háttéréneket felvenni, akkor a Slate Digital virtuális mikrofonrendszert használom. Ugyanez a helyzet a hangkártyával is. Egyszerűen keresni kell olyat, ami működik és aminek nem nagy a késleltetése, ami szerintem a legfontosabb. Lehet, hogy hihetetlennek hangzik, de sokáig egyszerűen a laptopom belső hangkártyáját használtam” –árulja el Zedd.

A cikket hamarosan folytatjuk.

https://www.soundonsound.com/people/producing-edm

W&W interjú a Rave Culture-ről és az új zenei irányokról

A Your EDM interjút készített a W&W-vel a Rave Culture-ról, zenei fejlődésükről és még sok másról.

Vajon mi a holland duó sikerének titka?

A zene folyamatosan fejlődik. Legyen szó rockról, rapről vagy dance-ről, az előadóknak köszönhetően a műfajok állandó mozgásban vannak, soha nincs megállás.

Ha egy zenész hosszú ideig talpon tud maradni, az óriási eredménynek számít. Különösen igaz ez a dance-re, ahol egy-egy „életciklus” csak rövid életű, az ízlések és trendek ebben a műfajban állandóan változnak.

A W&W viszont már jó ideje ott van az élvonalban. Az elektronikus zene melegágyának számító Hollandiában Ward van der Harstnak és Willem van Hanegemnek már jó pár éve sikerült kitűnnie a tömegből.

A két srác az EDM mozgalom korai úttörőjének számít. Karrierjük 2013 körül indult az Egyesült Államokban. Nevükhöz olyan produkciók fűződnek, mint a „Bigfoot”, a „The Code” Ummet Ozcannel, a „Don’t Stop the Madness” Hardwell-lel, a „Rocket” a Blasterjaxx-szel és a talán legikonikusabb darabnak számító „Rave After Rave”.

Ward and Willem képesek folyamatos megújulni és nem mellékesen olyan előadókkal – és egyben közeli barátaikkal – együttműködni, mint például Armin van Buuren és Dimitri Vegas & Like Mike.

Meséljetek egy kicsit a W&W rebrand-ről és a Rave Culture-ről. Milyen út vezetett ide?

Willem: Valójában több oka is van a változásnak. Mi alapvetően a Mainstage mellett tettük le a névjegyünket, aminek megvannak a maga jellegzetességei. A Rave Culture-rel azt akartuk érzékeltetni, hogy a rave sokkal több, mint pusztán az elektronikus zene vagy a trance.

Ward: Van néhány igazán klassz technikai cuccunk.

Willem: Igen, ugyanakkor sokan azt akarják, hogy a hátsó színpadon lépjünk fel. A mainstage viszont nem a hátsó színpadra való. Olyan ez, mintha lenne egy követő táborunk, egy olyan közösség, akik miatt egyszerűen meg kellett újulnunk, hogy még jobban megfelelhessünk nekik. Mintha egyfajta “ódát” írtunk volna nekik.

Ward: Ők már létrehozták ezt a mainstage családot.

Willem: Mi tulajdonképpen nem is tudtunk a létezésükről. Ők tárták fel előttünk ezeket a csoportokat az összes olyan dallal együtt, amit nem adtunk ki.

Ward: Ez egy hatalmas WhatsApp csoport, ami tisztán, 100%-ban organikus.

Willem: És ez ösztönöz minket a továbbhaladásra.

Ez lehetővé teszi, hogy a W&W nyithasson új műfajok felé. Meséljetek azokról a dolgokról, amikkel kísérleteztek. Ahogyan tudom, jócskán van mindebben psy-trance.

Willem: Igen, tavaly együtt dolgoztunk a Vini Vicivel és Maurice Westtel is, bár az utóbbi produkció inkább psy-ish, futurisztikus jellegű. Mivel Vini Vicivel több ilyen típusú zenét, tribalt csináltunk, így a sci-fit inkább Maurice Westtel együttműködve oldottuk meg, hogy kiegyenlítsük az arányokat. Mostanában pedig kicsit visszarepülünk az időben fiatalságunk EuroDance-napjaihoz olyan dalokkal, mint pédául a „God is a Girl”.

Ward: Nagyon uptempo.

Willem: Nosztalgikus, itt techno-nak hívják, de nálunk „német hands-up”-ként ismert. Ifjú korunkban ugyanis ezeket a dalokat játszották a klubokban. Őszintén szólva számomra ma már viccesnek tűnik, hogy nagyon szerettem volna megkaparintani ezt a dalt, amikor úgy 11 éves voltam. Akkoriban azonban ezt csak a szórakozóhelyeken lehetett hallgatni, hiszen a Shazam még csak nem is létezett. A DJ-k pedig finoman szólva sem voltak túl segítőkészek. Hiába kérdeztem meg tőlük, mi ez a dal, rám se bagóztak. Nagyon sok hardstyle-t is csináltunk, tavaly például egyet Darren Styles-zal. Ezt „UK hardcore”-nak szokás nevezni, simán van benne annyi energia, mint a hardstyle-ban, ugyanakkor valamennyivel lágyabb is.

Ward: Igen, sokkal vidámabb.

Willem: Tehát minden évben megpróbálunk elmerülni új stílusokban és természetesen visszük az energiát a nagyszínpadra a big romm-mal és a trance-szel, ahogyan tettük azt eddig is. Mindig igyekszünk újítani, hogy ne ugyanazt játsszuk minden évben.

Ward: Mindig szeretnénk egy kicsit „trance-esebbek” lenni. Ha ugyanis mindig ugyanazt toljuk, akkor ez előbb-utóbb unalmassá válik. Így örömmel váltunk át egyik projektről a másikra.

Willem: Szeretünk alkotni, nem csupán egy-egy zenét megcsinálni.

Ward: Amikor például két napon át dolgozunk egy big room-on – vagy akár máson –, akkor utána szívesen térünk vissza a trance-hez. Majd egy hét elteltével ismét másra vágyunk.

Áruljátok el, hogy dolgoztátok ki az új W&W menetrendet, például az Armin van Buurennel való együttműködést vagy a Blasterjaxx-szel közös új dalt.

Willem: A Blasterjaxx-sztori lényege, hogy először csak egy demót küldtek nekünk, amin aztán mi megszállotként kezdtünk el dolgozni. Arminnak pedig mi küldtünk el egy demót az Ultra zenei fesztiválra, amit ő úgy kezelt, mintha a mi részünk már készen lenne – ezt nagyon szeretem.

Ward: Armin kicsit stresszes volt, mivel úgy gondolta, nem lehet majd mindent megoldani, így ki kell vágni egy részt. (?) Sajnálom, ha a dal nem váltotta be a hozzá fűzött reményeket, többen is nagyon izgatottak voltak, hogy Armin a mi dalunkat fogja játszani.

Willem: Igen, de mindannyian barátok vagyunk és sok demót küldünk el egymásnak. Ha úgy érezzük, valamiben benne van az „Armin-hangzás”, akkor azt neki küldjük el. Blasterjaxx pedig ugyanezt teszi velünk.

Ward: Dimi & Mike esetén volt egy apróbb setup.

Willem: Igen, először Armin és Dimi kezdtek el együtt dolgozni, majd bevontak minket is, így alakult ki a közös munka.

Ward: Ez egy nagyon szűk közösség.

Willem: Igen, ez nem úgy megy, hogy előre megbeszéljük, hogy csinálunk egy közös dalt. Egyszerűen elkezdünk dolgozni valamin, amit aztán megosztunk másokkal is.

Milyen érzés volt az EDC Las Vegas nagyszínpadán fellépni?

Ward: Nagyszerű.

Willem: Elképesztő. Az EDC számunkra mindig is az egyik olyan zenei fesztivál volt, amelyre szerettünk volna eljutni. De ugyanez mondható el a belgiumi Tomorrowland-ről is.

Ward: Nemigen létezik hasonló rendezvény a világon. Az EDC Las Vegas a helyszín és a produkció szempontjából is egyedülálló. Úgy érzed, mintha egy másik világba csöppentél volna. Nagyon különleges.

W&W deck

W&W deck

A zenéhez visszatérve ez a műfaj nagyon ciklikus, folyamatosan változó trendekkel. Milyen kihívásokkal szembesül a W&W?

Willem: Ha egy előadó újdonsággal áll elő, akkor mindig nagyon izgatottak vagyunk, még akkor is, ha nem feltétlenül a mi stílusunkról, hanem egy komplett produkcióról van szó. Ilyenkor górcső alá vesszük az előadó stílusát és újra felépítjük annak elemeit. De nem pont ugyanazt a hangot fogjuk megszólaltatni, hiszen az az a nekünk tetsző elemeket, majd meghatározott sorrendbe állítva ezeket újra felépítjük a dallamot, amit aztán beépítünk a produkciónkba. Innen pedig már egyik dolog hozza magával a másikat. Tehát nem másolni akarunk.

Ward: Már csak azért sem, mert ebben az esetben mindig le lennék maradva legalább egy lépéssel, hiszen valaki már megcsinálta előttünk az adott dolgot. Így soha nem hozhatnánk létre igazán eredeti alkotást.

Willem: Igen, sokszor látjuk, hogy mások próbálják azonnal átvenni a trendi cuccokat, de ez nem így működik. A saját „személyazonosságodat” kell használnod.

Ward: Igen, legyen meg a saját stílusod, amelybe aztán beilleszthetsz különféle elemeket másoktól.

Willem: Minden újdonság megjelenésekor mindent részletet megvizsgálunk és kielemzünk. A produkció szempontjából és a DJ szemszögéből is. Ezután eldöntjük, hogy egyáltalán szeretnénk-e az adott zenét játszani vagy sem. Nálunk ez így működik.

Éreztétek már úgy, hogy valamit mégis máshogyan kellett volna csinálnotok?

Willem: Persze, én például a zenéink felét már nem is akarom meghallgatni.

Ward: Néha nagyon izgatottak vagyunk valami miatt, majd fél évvel később visszahallgatjuk és rájövünk, hogy bizony nem úgy sikerült, mint ahogyan azt eredetileg elképzeltük.

Willem: Bizony, ez benne van a pakliban.

Ward: Ugyanakkor ez fordítva is igaz. Van olyan cucc, amit korábban készítettünk és akkor nem voltunk teljesen elégedettek vele, most visszahallgatva viszont úgy tűnik, hogy teljesen rendben van.

Willem: Nem mindig azt nézzük, hogy mennyire sikeres az adott szám. Van, hogy egyszerűen csak „ez nem volt semmi különös” érzésünk van, visszanézve viszont azt gondoljuk, hogy „hé, ez nem is volt olyan rossz”.

https://www.youredm.com/2019/06/03/ww-talk-rave-culture-new-music-production-and-career-tips-interview/

Trap stílus, zenealkotás Ableton segítségével – 1. rész

A trap zenei stílus az utóbbi pár évben fejlődött ki. A legismertebb jellegzetessége az öblösebb basszus. A fejbólintásra késztető, rap-szerű ütem és a kemény lead, mint amilyen a Flosstradamus-ban is van, az EDM világ egyik legnépszerűbb stílusává tették.

A 808-as szintetizátor jellegzetes hangjával és az erőteljes dobjaival a trap stílus számos EDM lejátszási listáján megvetette a lábát. Nagy a változatosság a stíluson belül, de az alapvető elemek minden számba megtalálhatók.

A cikkben bemutatjuk a trap zenék kulcsfontosságú elemeit, amelyeket ajánlott minél jobban megismerni, ha ebben szeretnénk alkotni:

  • 808-as szintetizátor,
  • Basszus- és pergődob kiválasztása,
  • Sidechain,
  • Dobfeldolgozás,
  • Erőteljes lead,
  • Feszültség felépítése,
  • Drop készítés,
  • Referencia track használata,
  • Melpdikus elemek hozzáadása,
  • Dobkitöltés és más ütősök,
  • Kísérletezés,
  • Mix & Master.

1. Roland TR-808

Az erős basszus megkerülhetetlen eleme a trap zenének. Egy jó 808-as hangminta kiválasztásával, amely kitűnik a zenéből, már nagy lépést tettünk előre. A 808-as dobokat importálva bármelyik DAW-ba egy remek kiindulási pont. Mindehhez vezérlést, esetleg kis túlvezérlést, szaturációt kell csak hozzáadni, hogy harmonikusan erős eredményt kapjunk.

Ügyeljünk arra, hogy a sub hallatszódjon hangfalon, laptopon, de kis túlzássak még telefonon is. Ne féljünk EQ-t használni, hogy az ízlésünkhöz igazítsuk a hangokat, csak arra ügyeljünk, hogy a sub frekvenciákat ne erősítsük, mert ez ronthatja a hangok szinkronját.

A szaturáció használata

Egy egyedi módja, hogy feldolgozzuk a basszust, ha send/returnt állítunk be oda, ahova az EQ frekvencia-szétválasztást tettük a szaturátorral együtt, hogy magasabb harmonikusokat is hozzáadjunk.

Az alábbi képeken láthatjuk az effekt racket Abletonban. A chain highpasst (magasvágó szűrőt) tartalmaz, hogy 100 Hz alatti frekvenciákat kivágjuk, valamint egy lowpasst is, amely ugyanezt teszi a 100 Hz fölöttiekkel.

HighpassLowpass

Egyszerűen némítsuk le az alacsonyabb frekvenciákat azzal, hogy a kis szürke hangszóró szimbólumot szürkévé tesszük.  A highpassra már csak rá kell tennünk a kedvenc szaturátorunkat, és meg is vagyunk. Küldjük a subot ehhez a visszatéréshez és kísérletezzünk, hogy mekkora szaturáció és gain hangzik jól.

Ezek a lépések segítenek, hogy a sub hallható legyen és még kisebb hangszórókon is kijöjjön a öblösség, amit így a hallgató érzékelhet akkor is, ha a hangszóró nem egészen szól ennyire mély tartományokban.

2. Láb és pergődob kiválasztása

Nem sok olyan hangszer van, ami annyira kitűnik a zenékből, mint a láb vagy a pergődob. Mindkét dobféle kemény, ütős hangot ad, ezért különösen érdemes rájuk odafigyelni, főleg a trap stílusban.

A lábdob

A kiválasztáskor ügyeljünk arra, hogy ugyanaz legyen a zenei kulcs, mint amilyenben a zene íródik. A legegyszerűbb és leggyorsabb módja, hogy ez kiderítsük, ha a lábdob (kick) trackjére tunert vagy EQ-t teszünk és megnézzük, hol van a legnagyobb csúcs lejátszásnál. Ez lesz az alapvető hangjegy a dobnál. Az általános szabály, hogy a lábdobot a zene kulcsához igazítjuk.

Ugyancsak fontos a jó középső frekvenciák megtalálása, így a 808-as öblös hangján át is hallható lesz a dob. E két tényezőt mindenképpen jól össze kell hozni, hogy a zene alapja jó legyen. A lábdob és a 808-as kombinációja a trap stílus egyik kulcseleme, bánjunk vele kiemelt figyelemmel.

A pergődob

A pergődob ugyanolyan fontos, mint a lábdob. A pergődob az, ami egyszercsak megszólal és megragadja a hallgatót.

A dobra jellemző, hogy erős, ütős hangja van, kitűnik a tömegből, de paradox módon mégis jól illeszkedik hozzá. Ennek eléréséhez több pergődob hanggal kell dolgoznunk. Mivel azt szeretnénk, hogy kitűnjön, ezért legalább kettő réteg kell, egy a frekvenciatartomány alsó, egy pedig a felső felén.

Ügyeljünk arra, hogy a pergődob illeszkedjen a lábdobhoz. Válasszunk összepasszoló hangokat! Egy kis gyakorlás után a fülünkkel gyorsan meg fogjuk találni az összeillő párosokat, de ez csak a kezdet, ezeket össze is kell illeszteni.

3. Sidechain

A trap zenékben a sidechain kompresszió az ember legjobb barátja, amely egyszerűen csak lenyomja a hangerőt, így a frekvenciák ütközését orvosolja. A kompresszor mellett egy szellem-dobot is szokás használni.

A trap stílusban a 808-at sidechain kompresszáljuk, hogy a subot visszaszorítsuk, így az alsó frekvenciatartomány nem lesz túl zavaros az ütközések és erősítések miatt.

Amennyiben Ableton Live-ot használunk, úgy a Lookahead beállítással érdemes kísérletezni. Ez a funkció lehetővé teszi, hogy a kompresszor előrébb lásson és így jobban tömörítsen. A nagy előrelátás azonban kiöli az életet a hangból, ezért csak óvatosan bánjunk vele.

trap sidechain lookahead

Most, hogy a dobok már jól illeszkednek, csak be kell dolgozni őket a zenébe. Ezt többféleképp tehetjük meg.

4. Munka a trap dobokkal

A legnagyobb hiba, amit a producerek el szoktak követni, hogy túlságosan vagy éppen túl kevéssé dolgozzák be a dobokat. A dobok (különösképpen a basszusos zenékben) jól ki tudnak emelkedni, ezért fontos, hogy rendesen megcsináljuk őket.

Az alábbiakban olvashatsz néhány tanácsot, hogy hogyan tedd kiemelkedővé a dobokat. Ne felejtsük el, hogy a 808-as mellett a dob a másik kulcseleme a trap stílusnak, így erre bőven szánjunk időt.

Alkossunk, mint egy dobos

A dob programozásakor vagy a hangjegyek elhelyezésekor mindig tegyük fel a kérdést: ezt egy valódi dobos le tudná játszani? A dobosnak csak két karja és két lába van, amivel zenélhet. A legkönyebb módja, hogy a zenénket zsufoltá tegyük ha túl sok dobot rakunk bele.

Dobok

Ez nagyon igaz a trap stílusnál is. Drop esetén több fő hangszer lép akcióba: láb- és pergődob, cintányér, sub és lead szintetizátor. Ha túl sok dob hangot adunk hozzá, akkor nagyon zűrzavarosnak fog tűnni a zene, és csak elvonja a hallgató figyelmét arról, amit hallani akar: basszust és a leadet.

Glue kompresszió használata

A glue kompresszor tökéletes módszer arra, hogy a dob elemeit egységbe fogjuk, vagyis összeragasztjuk őket. A dobcsoportnál (drumbus) kisebb attackot és gyorsabb release-t használjunk, így nem öljük ki a dinamikát a hangból.

Ez a módszer jól összedolgozza a dobokat, de ennél többet igazából nem tesz hozzá a zenéhez.

Parallel kompresszió használata

A parallel kompresszió alapvetően return/send, ahol összenyomjuk a dobokat, hogy nagyobbnak, ütősebbnek, élettelinek tűnjenek. Ez a fajta kompresszió látványos eredményeket tud produkálni.

trap párhuzamos kompresszálás

Ezt úgy érhetjük el, hogy létrehozunk egy dob buszt vagy egy return csatornát, az 50 Hz alatti frekvenciákat kiszedjük EQ-val, majd az egészre ráteszünk egy kompresszort. Kísérletezzünk a beállításokkal, miközben a dobot visszaküldjük a buszhoz. A Glue kompresszor lehetőséget biztosít a paralel kompressziora. Az egyetlen dolog amit itt állítani kell, a Dry/Wet paraméter.

Minden kompresszornak saját beállítása van, hogy ezt a hangzást elérjük vele, de vannak általános beállítások is.

Ratio: Legalább 3:1 vagy ennél magasabb, hogy igazán összepréseljük a hangokat.
Threshold: Amennyire csak le lehet venni. Figyeljük a kompresszor release-ét a leütések végén!
Attack: Gyors (2 ms vagy gyorsabb), ha vastagabb hangzást akarunk elérni. Lassabb (10 ms vagy több) beállítást alkalmazzunk az ütősebb hangért.
Release: Automatikus vagy lassú (100 ms vagy több).
Gain: Vagy a group hangerejét vezérli, vagy azt szabályozza, hogy a csoportból mennyi jusson el a grouphoz. Ügyeljünk arra, hogy az általános hangerő ne változzon, miután a kompresszált hangot hozzáadtuk a trackhez.

A pergődob szaturációja

Egy nagyon jó lehetőség arra, hogy többet hozzunk ki a pergődobokból, ha szaturáljuk őket. Tegyünk egy szaturátort a csatornára és emeljünk néhány dB-t.

trap szaturátor

trap szaturátor

Az output potméteren csökkentsük annyival a jelet, amennyivel felpumpáltuk. Hasonlítsuk össze a dB értékeket úgy is, hogy ki, majd be van kapcsolva a szaturátor. Figyeljük meg a különbséget.

5. Az erőteljes trap lead

A hangtervezés vitathatatlanul a legfontosabb eleme egy produkció elkészítésének. A lead, amely kiemelkedik az öblösebb subból, a drop idején egy meghatározó eleme a trap stílusnak. Ebből kifolyólag hangtervezés (Sound Design) teszi lehetővé, hogy a track kitűnjön a tömegből. Egy jó lead elválaszt a versenytársak tömegétől.

A hangtervezés nem olyan valami, amit egy éjszaka alatt meg lehet tanulni. Bár könnyű a rajt, mivel számos lead preset közül választhatunk a legkülönbözőbb hangkönyvtárakat felkutatva, de az igazán jó leadhez ennél több kell.

trap lead serum

Fentebb az effektek láncolatát láthatjuk Serumban. Nagy reverb, multiband kompresszor és a torzítás gyakori effektek a leadeknél ennél a stílusnál. Bátran kísérletezzük a kedvenc szintetizátorjainkkal és presetjeinkkel.

Minél erőteljesebb a lead, annál nagyobb lesz a drop. A NGHTMRE & Dillon Francis – Another Dimension mindezt remekül bemutatja. Figyeljünk a leadre! Vegyük észre a hangokat, a basszus- és pergődobot, subot és az erőteljes leadet. Mindössze néhány zenei elem elég ahhoz, hogy jó legyen a drop. Használjuk a reverböt, delayt és más effekteket ahhoz, hogy helyet csináljunk a hangoknak, amit utána kitölthetnek.

A “Mono” engedélyezésével a szintetizátorban a “Glide”-dal egyetemben lehetővé teszi, hogy a hangjegyek átfedjék egymást, ezzel a pitch (hangmagasság) hatása növelhető vagy csökkenthető. Amennyiben a Sound Design nem az erősségünk, a képzéseink között megtalálod az alapokat is bemutató kurzust.

Minden nagy trap zene fokozatosan építi fel a feszültséget, ahogyan halad előre, egészen addig, amíg a lead és a kemény basszus be nem jön a képbe. Egy igazán jó belépőhöz viszont a feszültséget is jól kell felépíteni.

6. A feszültség felépítése

Ha a hallgató már várja, hogy mikor jön a drop, az azt jelenti, hogy jól megragadtuk a figyelmét egy jól felépülő feszültséggel. Ennek elérésére több lehetőségünk is van.

Új elemek hozzáadása

Remek módja, hogy felépítsünk egy feszültséget, ha a zene előrehaladtával újabb és újabb elemeket adunk a hallgatóknak. A RL Grime – Stay For It remix nagyon jól példázza ezt a fajta módszert. Ha figyelmesen hallgatunk, észrevehetjük, ahogyan megjelennek az újabb zenei elemek (basszusdob, cintányér stb.), ezzel generálva feszültséget. Lassan adagolva az új darabokat fokozatosan felépíthetjük a feszültséget, hogy végül a drop zárását már várja a hallgató.

Mindez részben a feszültséges és kioldás elmélete miatt működik. Számos elemet adunk a zenéhez, majd hirtelen eltüntetjük őket, de csak azért, hogy valami mással pótoljuk, ez a drop.

A növekvő Pitch Band

Egy másik zenei megoldás a feszültség növelésére a hangjegyek pitch emelése, amikor a elérjük a dropot. A Dillon Francis Mi Gente remixét meghallgatva megérhetjük, hogy miről is van szó.

Emelkedő hangjegyet, azaz úgynevezett Pitch Bandet használva nyugtalanságot és feszültséget idézhetünk elő a hallgatóban. Klasszikus lépés az EDM világában a dobpergés használata, amely a trap stílusban sincs másképp.

A klasszikus dobpergés

Általában ezt először 1/8-os, majd 1/16-os ütéssel, végül 1/32-es pergéssel érik ezt el a producerek. Itt is érdemes kísérletezni, mert a dobpergésnél számos variációból választhatunk. Zedd dobpergése az Adrenaline című számban kiváló példája ennek a technikának.

A feszültséggel teli zene önmagában nem ér sokat, ha nem oldjuk ki az összpontosult erőt. Ahhoz, hogy a drop tényleg üssön, ahhoz a vezető hangnak kell igazán kitűnnie.

7. A trap drop elkészítése

Egy jó lead az egyenletnek csak az egyik fele, amikor dropról beszélünk. A jó dobminta kiválasztása, a stílus, a zene folyása, egyedi fordulópontok megalkotása az, amire még oda kell figyelnünk.

trap basszus drop

Gyakorlás, gyakorlás, gyakorlás

Ezt talán nem is kell magyarázni. Ha úgy érezzük, hogy a drop nem sikerült olyanra, mint amilyeneket hallani lehet, nem kell csüggedni. Egy jó drop elkészítése nem fog menni gyakorlás nélkül.

Nyissuk meg a DAW-ot és állítsuk be a BPM-et valahova 140 és 170 közé, majd helyezzünk el egy sima dob loopot. Kezdjünk 8 barral, majd menjünk fel 16-ra. Készítsünk dropot drop után egy azon projekten belül. Miután úgy érezzük, hogy kész egy drop, nem tudunk rajta már mit javítani, akkor kezdjünk egy másik dropot ugyanitt.

Használjunk referencia tracket, hogy mutassa az utat az elemek elhelyezésénél, hogy melyik dob és melyik szintetizátor hova kerüljön. Minél több ilyet megcsinálunk, annál könnyebben fog menni.

Módosítsunk a szakaszvégeken

A legtöbb trap drop 16 bar hosszúságú, aminek az eredménye az, hogy a hallgató füle belefáradhat abba, amit hall. A legkönnyebben ezt úgy tudjuk elkerülni, ha a drop első fele után változtatásokat eszközölünk.

Ha megfigyeljük a RL Grime – Core című számát, akkor észrevehetjük, hogy a drop második felében nem csak a lead pitch-et csökkenti egy oktávval, de cintányérokat is hozzáad, ezzel pedig hallgató érdeklődését fenntartja. Eg új elem hozzáadása vagy egy már meglévő megváltoztatása hosszabb távon is érdekessé teszi a dropot.

Egy Arpeggiatort is használhatunk, hogy a dropot átvezessük a második felébe. A lehetőségek száma végtelen, így van bőven helye a kísérletezésnek.

Fordulópont elhelyezése

A fordulópont csupán egy zenei átmenet. Általában a második félbe való átmenetnél szokták használni, esetleg a drop utáni letörésnél. A Zeds Dead and Diplo – Blame jól bemutatja, hogy miről is van szó. Egy dobot használnak, valamint egy futurisztikus hangzást, amely a szám kivezető szakaszába visz át minket.

A fordulópontok jól használhatók az drop intenzitás fenntartására, és ezt számtalan módon elérhetjük. Akár csöndet is használhatunk ezeken a helyeken, hogy mélységet és kreativitást adjunk a drophoz. A sok lehetőség közül nehéz kiválasztani, hogy melyik illik igazán a zenéhez, de egy referencia track mindig sokat segít, ha holtpontra jutunk.

A trap stílus készítéséről szóló sorozatunk második része ide kattintva olvasható.

Forrás: https://cymatics.fm/