Bejegyzés

Trap stílus, zenealkotás Ableton segítségével – 1. rész

A trap zenei stílus az utóbbi pár évben fejlődött ki. A legismertebb jellegzetessége az öblösebb basszus. A fejbólintásra késztető, rap-szerű ütem és a kemény lead, mint amilyen a Flosstradamus-ban is van, az EDM világ egyik legnépszerűbb stílusává tették.

A 808-as szintetizátor jellegzetes hangjával és az erőteljes dobjaival a trap stílus számos EDM lejátszási listáján megvetette a lábát. Nagy a változatosság a stíluson belül, de az alapvető elemek minden számba megtalálhatók.

A cikkben bemutatjuk a trap zenék kulcsfontosságú elemeit, amelyeket ajánlott minél jobban megismerni, ha ebben szeretnénk alkotni:

  • 808-as szintetizátor,
  • Basszus- és pergődob kiválasztása,
  • Sidechain,
  • Dobfeldolgozás,
  • Erőteljes lead,
  • Feszültség felépítése,
  • Drop készítés,
  • Referencia track használata,
  • Melpdikus elemek hozzáadása,
  • Dobkitöltés és más ütősök,
  • Kísérletezés,
  • Mix & Master.

1. Roland TR-808

Az erős basszus megkerülhetetlen eleme a trap zenének. Egy jó 808-as hangminta kiválasztásával, amely kitűnik a zenéből, már nagy lépést tettünk előre. A 808-as dobokat importálva bármelyik DAW-ba egy remek kiindulási pont. Mindehhez vezérlést, esetleg kis túlvezérlést, szaturációt kell csak hozzáadni, hogy harmonikusan erős eredményt kapjunk.

Ügyeljünk arra, hogy a sub hallatszódjon hangfalon, laptopon, de kis túlzássak még telefonon is. Ne féljünk EQ-t használni, hogy az ízlésünkhöz igazítsuk a hangokat, csak arra ügyeljünk, hogy a sub frekvenciákat ne erősítsük, mert ez ronthatja a hangok szinkronját.

A szaturáció használata

Egy egyedi módja, hogy feldolgozzuk a basszust, ha send/returnt állítunk be oda, ahova az EQ frekvencia-szétválasztást tettük a szaturátorral együtt, hogy magasabb harmonikusokat is hozzáadjunk.

Az alábbi képeken láthatjuk az effekt racket Abletonban. A chain highpasst (magasvágó szűrőt) tartalmaz, hogy 100 Hz alatti frekvenciákat kivágjuk, valamint egy lowpasst is, amely ugyanezt teszi a 100 Hz fölöttiekkel.

HighpassLowpass

Egyszerűen némítsuk le az alacsonyabb frekvenciákat azzal, hogy a kis szürke hangszóró szimbólumot szürkévé tesszük.  A highpassra már csak rá kell tennünk a kedvenc szaturátorunkat, és meg is vagyunk. Küldjük a subot ehhez a visszatéréshez és kísérletezzünk, hogy mekkora szaturáció és gain hangzik jól.

Ezek a lépések segítenek, hogy a sub hallható legyen és még kisebb hangszórókon is kijöjjön a öblösség, amit így a hallgató érzékelhet akkor is, ha a hangszóró nem egészen szól ennyire mély tartományokban.

2. Láb és pergődob kiválasztása

Nem sok olyan hangszer van, ami annyira kitűnik a zenékből, mint a láb vagy a pergődob. Mindkét dobféle kemény, ütős hangot ad, ezért különösen érdemes rájuk odafigyelni, főleg a trap stílusban.

A lábdob

A kiválasztáskor ügyeljünk arra, hogy ugyanaz legyen a zenei kulcs, mint amilyenben a zene íródik. A legegyszerűbb és leggyorsabb módja, hogy ez kiderítsük, ha a lábdob (kick) trackjére tunert vagy EQ-t teszünk és megnézzük, hol van a legnagyobb csúcs lejátszásnál. Ez lesz az alapvető hangjegy a dobnál. Az általános szabály, hogy a lábdobot a zene kulcsához igazítjuk.

Ugyancsak fontos a jó középső frekvenciák megtalálása, így a 808-as öblös hangján át is hallható lesz a dob. E két tényezőt mindenképpen jól össze kell hozni, hogy a zene alapja jó legyen. A lábdob és a 808-as kombinációja a trap stílus egyik kulcseleme, bánjunk vele kiemelt figyelemmel.

A pergődob

A pergődob ugyanolyan fontos, mint a lábdob. A pergődob az, ami egyszercsak megszólal és megragadja a hallgatót.

A dobra jellemző, hogy erős, ütős hangja van, kitűnik a tömegből, de paradox módon mégis jól illeszkedik hozzá. Ennek eléréséhez több pergődob hanggal kell dolgoznunk. Mivel azt szeretnénk, hogy kitűnjön, ezért legalább kettő réteg kell, egy a frekvenciatartomány alsó, egy pedig a felső felén.

Ügyeljünk arra, hogy a pergődob illeszkedjen a lábdobhoz. Válasszunk összepasszoló hangokat! Egy kis gyakorlás után a fülünkkel gyorsan meg fogjuk találni az összeillő párosokat, de ez csak a kezdet, ezeket össze is kell illeszteni.

3. Sidechain

A trap zenékben a sidechain kompresszió az ember legjobb barátja, amely egyszerűen csak lenyomja a hangerőt, így a frekvenciák ütközését orvosolja. A kompresszor mellett egy szellem-dobot is szokás használni.

A trap stílusban a 808-at sidechain kompresszáljuk, hogy a subot visszaszorítsuk, így az alsó frekvenciatartomány nem lesz túl zavaros az ütközések és erősítések miatt.

Amennyiben Ableton Live-ot használunk, úgy a Lookahead beállítással érdemes kísérletezni. Ez a funkció lehetővé teszi, hogy a kompresszor előrébb lásson és így jobban tömörítsen. A nagy előrelátás azonban kiöli az életet a hangból, ezért csak óvatosan bánjunk vele.

trap sidechain lookahead

Most, hogy a dobok már jól illeszkednek, csak be kell dolgozni őket a zenébe. Ezt többféleképp tehetjük meg.

4. Munka a trap dobokkal

A legnagyobb hiba, amit a producerek el szoktak követni, hogy túlságosan vagy éppen túl kevéssé dolgozzák be a dobokat. A dobok (különösképpen a basszusos zenékben) jól ki tudnak emelkedni, ezért fontos, hogy rendesen megcsináljuk őket.

Az alábbiakban olvashatsz néhány tanácsot, hogy hogyan tedd kiemelkedővé a dobokat. Ne felejtsük el, hogy a 808-as mellett a dob a másik kulcseleme a trap stílusnak, így erre bőven szánjunk időt.

Alkossunk, mint egy dobos

A dob programozásakor vagy a hangjegyek elhelyezésekor mindig tegyük fel a kérdést: ezt egy valódi dobos le tudná játszani? A dobosnak csak két karja és két lába van, amivel zenélhet. A legkönyebb módja, hogy a zenénket zsufoltá tegyük ha túl sok dobot rakunk bele.

Dobok

Ez nagyon igaz a trap stílusnál is. Drop esetén több fő hangszer lép akcióba: láb- és pergődob, cintányér, sub és lead szintetizátor. Ha túl sok dob hangot adunk hozzá, akkor nagyon zűrzavarosnak fog tűnni a zene, és csak elvonja a hallgató figyelmét arról, amit hallani akar: basszust és a leadet.

Glue kompresszió használata

A glue kompresszor tökéletes módszer arra, hogy a dob elemeit egységbe fogjuk, vagyis összeragasztjuk őket. A dobcsoportnál (drumbus) kisebb attackot és gyorsabb release-t használjunk, így nem öljük ki a dinamikát a hangból.

Ez a módszer jól összedolgozza a dobokat, de ennél többet igazából nem tesz hozzá a zenéhez.

Parallel kompresszió használata

A parallel kompresszió alapvetően return/send, ahol összenyomjuk a dobokat, hogy nagyobbnak, ütősebbnek, élettelinek tűnjenek. Ez a fajta kompresszió látványos eredményeket tud produkálni.

trap párhuzamos kompresszálás

Ezt úgy érhetjük el, hogy létrehozunk egy dob buszt vagy egy return csatornát, az 50 Hz alatti frekvenciákat kiszedjük EQ-val, majd az egészre ráteszünk egy kompresszort. Kísérletezzünk a beállításokkal, miközben a dobot visszaküldjük a buszhoz. A Glue kompresszor lehetőséget biztosít a paralel kompressziora. Az egyetlen dolog amit itt állítani kell, a Dry/Wet paraméter.

Minden kompresszornak saját beállítása van, hogy ezt a hangzást elérjük vele, de vannak általános beállítások is.

Ratio: Legalább 3:1 vagy ennél magasabb, hogy igazán összepréseljük a hangokat.
Threshold: Amennyire csak le lehet venni. Figyeljük a kompresszor release-ét a leütések végén!
Attack: Gyors (2 ms vagy gyorsabb), ha vastagabb hangzást akarunk elérni. Lassabb (10 ms vagy több) beállítást alkalmazzunk az ütősebb hangért.
Release: Automatikus vagy lassú (100 ms vagy több).
Gain: Vagy a group hangerejét vezérli, vagy azt szabályozza, hogy a csoportból mennyi jusson el a grouphoz. Ügyeljünk arra, hogy az általános hangerő ne változzon, miután a kompresszált hangot hozzáadtuk a trackhez.

A pergődob szaturációja

Egy nagyon jó lehetőség arra, hogy többet hozzunk ki a pergődobokból, ha szaturáljuk őket. Tegyünk egy szaturátort a csatornára és emeljünk néhány dB-t.

trap szaturátor

trap szaturátor

Az output potméteren csökkentsük annyival a jelet, amennyivel felpumpáltuk. Hasonlítsuk össze a dB értékeket úgy is, hogy ki, majd be van kapcsolva a szaturátor. Figyeljük meg a különbséget.

5. Az erőteljes trap lead

A hangtervezés vitathatatlanul a legfontosabb eleme egy produkció elkészítésének. A lead, amely kiemelkedik az öblösebb subból, a drop idején egy meghatározó eleme a trap stílusnak. Ebből kifolyólag hangtervezés (Sound Design) teszi lehetővé, hogy a track kitűnjön a tömegből. Egy jó lead elválaszt a versenytársak tömegétől.

A hangtervezés nem olyan valami, amit egy éjszaka alatt meg lehet tanulni. Bár könnyű a rajt, mivel számos lead preset közül választhatunk a legkülönbözőbb hangkönyvtárakat felkutatva, de az igazán jó leadhez ennél több kell.

trap lead serum

Fentebb az effektek láncolatát láthatjuk Serumban. Nagy reverb, multiband kompresszor és a torzítás gyakori effektek a leadeknél ennél a stílusnál. Bátran kísérletezzük a kedvenc szintetizátorjainkkal és presetjeinkkel.

Minél erőteljesebb a lead, annál nagyobb lesz a drop. A NGHTMRE & Dillon Francis – Another Dimension mindezt remekül bemutatja. Figyeljünk a leadre! Vegyük észre a hangokat, a basszus- és pergődobot, subot és az erőteljes leadet. Mindössze néhány zenei elem elég ahhoz, hogy jó legyen a drop. Használjuk a reverböt, delayt és más effekteket ahhoz, hogy helyet csináljunk a hangoknak, amit utána kitölthetnek.

A “Mono” engedélyezésével a szintetizátorban a “Glide”-dal egyetemben lehetővé teszi, hogy a hangjegyek átfedjék egymást, ezzel a pitch (hangmagasság) hatása növelhető vagy csökkenthető. Amennyiben a Sound Design nem az erősségünk, a képzéseink között megtalálod az alapokat is bemutató kurzust.

Minden nagy trap zene fokozatosan építi fel a feszültséget, ahogyan halad előre, egészen addig, amíg a lead és a kemény basszus be nem jön a képbe. Egy igazán jó belépőhöz viszont a feszültséget is jól kell felépíteni.

6. A feszültség felépítése

Ha a hallgató már várja, hogy mikor jön a drop, az azt jelenti, hogy jól megragadtuk a figyelmét egy jól felépülő feszültséggel. Ennek elérésére több lehetőségünk is van.

Új elemek hozzáadása

Remek módja, hogy felépítsünk egy feszültséget, ha a zene előrehaladtával újabb és újabb elemeket adunk a hallgatóknak. A RL Grime – Stay For It remix nagyon jól példázza ezt a fajta módszert. Ha figyelmesen hallgatunk, észrevehetjük, ahogyan megjelennek az újabb zenei elemek (basszusdob, cintányér stb.), ezzel generálva feszültséget. Lassan adagolva az új darabokat fokozatosan felépíthetjük a feszültséget, hogy végül a drop zárását már várja a hallgató.

Mindez részben a feszültséges és kioldás elmélete miatt működik. Számos elemet adunk a zenéhez, majd hirtelen eltüntetjük őket, de csak azért, hogy valami mással pótoljuk, ez a drop.

A növekvő Pitch Band

Egy másik zenei megoldás a feszültség növelésére a hangjegyek pitch emelése, amikor a elérjük a dropot. A Dillon Francis Mi Gente remixét meghallgatva megérhetjük, hogy miről is van szó.

Emelkedő hangjegyet, azaz úgynevezett Pitch Bandet használva nyugtalanságot és feszültséget idézhetünk elő a hallgatóban. Klasszikus lépés az EDM világában a dobpergés használata, amely a trap stílusban sincs másképp.

A klasszikus dobpergés

Általában ezt először 1/8-os, majd 1/16-os ütéssel, végül 1/32-es pergéssel érik ezt el a producerek. Itt is érdemes kísérletezni, mert a dobpergésnél számos variációból választhatunk. Zedd dobpergése az Adrenaline című számban kiváló példája ennek a technikának.

A feszültséggel teli zene önmagában nem ér sokat, ha nem oldjuk ki az összpontosult erőt. Ahhoz, hogy a drop tényleg üssön, ahhoz a vezető hangnak kell igazán kitűnnie.

7. A trap drop elkészítése

Egy jó lead az egyenletnek csak az egyik fele, amikor dropról beszélünk. A jó dobminta kiválasztása, a stílus, a zene folyása, egyedi fordulópontok megalkotása az, amire még oda kell figyelnünk.

trap basszus drop

Gyakorlás, gyakorlás, gyakorlás

Ezt talán nem is kell magyarázni. Ha úgy érezzük, hogy a drop nem sikerült olyanra, mint amilyeneket hallani lehet, nem kell csüggedni. Egy jó drop elkészítése nem fog menni gyakorlás nélkül.

Nyissuk meg a DAW-ot és állítsuk be a BPM-et valahova 140 és 170 közé, majd helyezzünk el egy sima dob loopot. Kezdjünk 8 barral, majd menjünk fel 16-ra. Készítsünk dropot drop után egy azon projekten belül. Miután úgy érezzük, hogy kész egy drop, nem tudunk rajta már mit javítani, akkor kezdjünk egy másik dropot ugyanitt.

Használjunk referencia tracket, hogy mutassa az utat az elemek elhelyezésénél, hogy melyik dob és melyik szintetizátor hova kerüljön. Minél több ilyet megcsinálunk, annál könnyebben fog menni.

Módosítsunk a szakaszvégeken

A legtöbb trap drop 16 bar hosszúságú, aminek az eredménye az, hogy a hallgató füle belefáradhat abba, amit hall. A legkönnyebben ezt úgy tudjuk elkerülni, ha a drop első fele után változtatásokat eszközölünk.

Ha megfigyeljük a RL Grime – Core című számát, akkor észrevehetjük, hogy a drop második felében nem csak a lead pitch-et csökkenti egy oktávval, de cintányérokat is hozzáad, ezzel pedig hallgató érdeklődését fenntartja. Eg új elem hozzáadása vagy egy már meglévő megváltoztatása hosszabb távon is érdekessé teszi a dropot.

Egy Arpeggiatort is használhatunk, hogy a dropot átvezessük a második felébe. A lehetőségek száma végtelen, így van bőven helye a kísérletezésnek.

Fordulópont elhelyezése

A fordulópont csupán egy zenei átmenet. Általában a második félbe való átmenetnél szokták használni, esetleg a drop utáni letörésnél. A Zeds Dead and Diplo – Blame jól bemutatja, hogy miről is van szó. Egy dobot használnak, valamint egy futurisztikus hangzást, amely a szám kivezető szakaszába visz át minket.

A fordulópontok jól használhatók az drop intenzitás fenntartására, és ezt számtalan módon elérhetjük. Akár csöndet is használhatunk ezeken a helyeken, hogy mélységet és kreativitást adjunk a drophoz. A sok lehetőség közül nehéz kiválasztani, hogy melyik illik igazán a zenéhez, de egy referencia track mindig sokat segít, ha holtpontra jutunk.

A trap stílus készítéséről szóló sorozatunk második része ide kattintva olvasható.

Forrás: https://cymatics.fm/

Vokál felpezsdítése egyszavas delay-ekkel

Talán sosem gondoltad volna, de ha bizonyos szavakon delay-t alkalmazol, akkor nagyban javíthatod a vokált. Számos zenehallgató figyel oda a vokálra, még jobban is, mint a dallamra, ezért fontos, hogy minnél izgalmasabb és kifejezőbbé tegyük azt. Ha van valamilyen fontos szó, kifejezés vagy hangjegy, amit ki szeretnél emelni, akkor ezt delay-jel teheted meg.

Két módszer van arra, hogy ezt megtegyük. Az első elég egyszerű, amely egy return track-et használ, a másik több kontrollt ad és az Ableton Live Audio Effect Rack segítségével finomhangolhatod is az eredményt. Mindkét módszer alkalmazható élő fellépés vagy stúdiómunkák során.

Egyszavas delay visszatérő track-kel

A legegyszerűbb eljárás, hogy a kívánt szóhoz vagy kifjezéshez delay-t tegyünk, ha a return track-et delay-ezzük. Tegyünk be bármilyen delay effektet. A Ping Pong Delay itt jól használható, mert az ismétlést visszaadja a sztereótér bal és jobb oldalán egyaránt. Miután a elhelyeztük a delay-t, a Send knob-ot kössed be bármely gombra a MIDI kontrolleren. Valahányszor delay-ezni akarod a kifejezést, csak meg kell nyomnod a gombot.

Ping Pong Delay és Compressor

Ennek a módszernek az az előnye, hogy így bármilyen track-et küldhetsz delay-ezni. Megeshet, hogy szeretnél a későbbiekben valamilyen dobhoz delay-t adni, amit a return track-kel meg is tehetsz így.

Még több effekt az Audio Effect Rack-kel

Bár a fenti módszer nagyon sok esetben működik, azonban nincs lehetőség, hogy automatizáld a return track effektjeit a Session View-ban. Ehhez rack-et fogunk használni.

One Word Delay

A rack két chain-ből áll. Az első chain nem tartalmaz semmilyen effektet sem, csak átengedi a vokált mindféle feldolgozás nélkül. A második chain az, ahol az effektek képbe kerülnek. A képen elhelyeztünk egy Ping Pong Delay-t és a vezérlést bekötöttük a Macro Knob-okra. Mivel csak egy szót vagy kifejezést akarunk delay-ezni, ezért van egy Gate még a delay előtt.

Gate, Ping Pong Delay és Compressor

A Gate korlátja 6 dB és a Floor -inf dB. Ez azt jelenti, hogy hacsak a vokál nem lépi át a 6 dB-t (amit sosem fog), a Gate blokkol minden audió jelet, hogy elérje a Ping Pong Delay-t. Ha kikapcsoljuk a Gate-et, a vokál eléri a célt.

Ez a vezérlés legkritikusabb pontja, ezért a Gate kapcsolót érdemes Macro Knob-ra kötni, amit nevezzünk most “One Word Delay-nek”. Ha ki akarunk emelni egy szót, elég csak megnyomni a MIDI kontrolleren a gombot és máris kinyílik a Gate, így a vokált delay-t kap. Ha még egyszer megnyomjuk a gombot, a Gate bezáródik.

A delay ne tegye tönkre a vokált!

A delay-eket jó sokszor ismételni, de vigyázni kell, mert zavarhatják a vokál többi részét és végül egy zavaros valamit kaphatunk, ha túlzásba visszük. Csökkenthetjük a negatív hatást, ha kompresszort alkalmazunk, amely visszafogja a késleltetett jelet.

Compressor

A Compressor effektnél aktiváljuk a Sidechain input-ot, amit a vokál track-re tegyünk. A késleltetett jel így kikerül az útból és megmarad a vokál tisztasága, akkor is ha valamivel intenzívebb delay-t alkalmazunk.

Érdemes megjegyezni, hogy nem csak Ping Pong Delay-t használhatunk. Bármilyen késleltetésen alapuló effektből jót hozhatunk ki, de akár a Reverb-bel is kísérletezhetünk. Sosem tudhatjuk, melyikkel lelünk kincsre…

Érdekelnek az audio effektek működése? Akkor iratkozz fel hírlevelünkre és kapj egyedi kedvezményeket!

Skeldar

Forrás: DJTechTools

Fordítsd meg hangokat. Reverse engineering! Ableton Live segítségével!

Ebben a videóban kreatívan fogjuk felhasználni az általunk elkészített hangokat. Mégpedig azok megfordításával.

 

 

Tetszett a poszt érdekel a zeneszerkesztés? Akkor gyere el bemutató napunkra!

 

Iratkozz fel hírlevelünkre és kapj extra kedvezményeket!

 BEVEZETÉS A MODERN ZENESZERZÉS VILÁGÁBA

Nem tudod felmérni, érdemes-e egyáltalán belevágnod és ha igen, akkor ehhez mire lenne szükséged?

Gyere el alapozó képzésünkre! Ismerkedj meg tanárainkkal!

Érdekel a zeneszerkesztés, a zeneszerzés?

Bemutatjuk képzéseinket!

Nem ismered a szoftvereket?

Végigjárjuk a zeneírás teljes folyamatát! Bemutatjuk zenei képzéseink!

A képzés árát  később – ha eljössz további képzésekre – beszámítjuk azok árába.

Biztosítunk neked egyedi hangmintákat, amivel elkezdheted az otthoni zeneszerkesztést.

Az elektronikus zenei producer 5 szakasza

Amikor elkezdtem ezt az egészet akkor fogalmam sem volt, hogy mit kéne csinálni. Nem tudtam, mit kell megtanulni, és mire kellene időt fordítani. Bárcsak lett volna akkor egy útmutatóm, amely segített volna kezdőből képesített művésszé válni.

Ha követed az ajánlásokat és a videókat, amiket ezen az oldalon találsz, hidd el nekem, hogy jó pár hónapot, évet spórolsz meg, míg kezdőből profivá válsz.

Producer életünk során 5 szakaszt tapasztalunk:

  1. Kezdet
  2. Exponenciális tanulás
  3. Alámerülés
  4. Jártasság
  5. Kiválóság

Néhányatok talán az 1. szakaszban van – még új számodra a producerkedés, fogalmad sincs, hogy mit is kéne csinálni. De lehet, hogy a 3. szakaszban vagy, és kreatív problémákkal küszködsz. Bármelyik szakasznál jársz, mindig vannak kulcsfontosságú dolgok, amikre figyelned kell.

Ha az iskolánkat el kellene helyezni, akkor azt mondanám leginkább az első szakasz, ami ránk jellemző, mert sokan a teljesen 0-ról indulnak neki a zenélésnek viszont a 2-es 3-as szakaszban lévők is sokat tanulhatnak az iskolánkból, főleg akik 3. szakaszban úgy érzik, már nem tudják, mivel motiválni magukat. Itt mi nagyon be tudunk segíteni  folyamatba. A haladó képzésünk kifejezetten a 3.-4. szakaszban lévőket érinti.

Első  Szakasz: kezdet

Idő: 2-4 hónap

Ez a legtöbb ember számára kifejezetten izgalmas. Rájöttél (remélhetőleg) hogy nincsen szükség fél millió dollárt érő eszközökre ahhoz, hogy elektronikus zenét készíts, és mohón nekiállj összerakni egy zenét.

 

Az izgalmak közepette kétségbeesetten vágyakozol válaszokért, hogy minek kéne lennie az alapvető kérdésnek. Milyen szoftvert kéne használnom? Szükségem van-e speciális felszerelésekre? Mit kéne elsőként megtanulnom?

Az első pár hónapban négy dologra kéne fókuszálni.

Válaszd ki és tanuld meg használni a DAW-odat

A legfontosabb dolog, ha elektronikus zenét szeretnénk készíteni, hogy válasszunk egy DAW-ot.
Ha ebben a stádiumban vagy, akkor bizonyára hallottad már néhány DAW nevét, csak hogy néhány ismertebbet említsek: Ableton Live, Fl Studio, Cubase és Logic Pro.

A kérdés, hogy melyiket válasszuk?

Van néhány dolog, amit realizálni kell ebben a pozícióban:

  • Az időt, amit annak szentelsz, hogy melyik DAW-ot is kéne választanod, fordíthatnád inkább tanulásra is.
  • Nincs olyan, hogy legjobb DAW, mindegyik arra lett kitalálva, hogy jó zenét készítsenek vele.
  • Később is nyugodtan válthatsz DAW-ot, ha szükségesnek érzed

music-producer

Annak ellenére, hogy nem ajánlott sokat gondolkozni a választáson, azért van néhány dolog, amit érdemes számításba venni:

  • Mit használnak a barátaid?
  • Mennyi pénzed van?
  • Melyik programra van képzés vagy bővebb tanulásra alkalmas ismeret
  • Egyéb befolyásoló tényezők.

A legjobb tanács, amit adhatok, hogy válassz egyet és kezdj el dolgozni még ma. Ennek a döntésnek nem kéne egy napnál tovább húzódnia.

A két legnépszerűbb DAW-nak, az FL Studio-nak és az Ableton Live-nak is van próbaverziója, amit bármikor ingyenesen le is tölthetsz. Ha nem tervezel még egy zsák pénzt elkölteni, töltsd le valamelyiket és próbáld ki.

Tehát ne vesztegessük el az időnket a DAW választással, csak töltsük le valamelyiket és álljunk neki. Később még meg fogod köszönni magadnak.

Szükségem van bármi féle felszerelésre?

Ezt a kérdést sok ember felteszi magának a kezdeti fázisban, hogy van-e szükség bármiféle felszerelésre a DAW-on kívül.

Két válasz van erre a kérdésre, egy teljesen igaz és egy általános válasz.

A teljesen igaz válasz, hogy ha van egy fejhallgatód vagy egy hangszóród (kivétel a laptop beépített hangszórója), akkor nincs is szükséged semmi másra. Meg lehet tanulni, hogy hogyan készítsünk zenét laptopon/asztali számítógépen egy Apple fülhallgatóval. Ez valóban így van, én is egy 3000 Ft-os asztali hangszóróval kezdtem.

Az általános válasz az, hogy egy komolyabb fejhallgatóra is szükség lesz és talán egy MIDI billentyűzetre. Az elsődleges dolog a listán egy komolyabb fejhallgató vásárlása legyen, ha jobban bele szeretnénk merülni a témába. Egy eőrsebb gépre is lehet szűkség de ez a témát már egy másik cikkben kitárgyaltuk, amit itt olvashatsz

 

DAW használatának elsajátítása

Miután letöltöttük a DAW-ot csábító lehet, hogy egyenesen beleugorjunk a zeneírásba.
De azzal csak a zavarodottságot és a frusztrációt éred el, ha nem vagy elég elővigyázatos, esetleg úgy döntesz, hogy abbahagyod az egészet, mert túl bonyolultnak tűnik és feladod.

A prioritás a DAW letöltése után az legyen, hogy tanuljuk meg használni. A legjobb módja ennek, ha elolvassuk a DAW használati útmutatóját. Ha nem tudsz jól angolul akkor például Magyarországon már kapható az Ableton 9-hez ismertető könyv amiből könnyedén megtanulhatod magának a szoftvernek a használatát. Et nálunk is beszerezheted mivel mivel iskolán alapítója Németh Balázs írta a könyvet.

Kísérletezés (játék)

Miután megismerkedtél a DAW-oddal a következő lépés a kísérletezés legyen.

Az egyetlen célja ennek, hogy érezzük jól magunkat. Persze megnézhetsz néhány tutorialt, megtanulhatsz pár dolgot, de mindenekfelett kísérletezz. Tanuld meg, hogy hogyan is tudsz elkészíteni egy egyszerű Beat-et. Próbáld meg lemásolni a zenék melódiáját.

Csináld ezt pár hétig.

Az első dal elkészítése

Az utolsó lépés a kezdeti szakaszban, hogy készíts egy komplett zenét az elejétől a végéig. Ne izgulj amiatt, hogy a zenének hogyan is kéne elkészülnie, akkor se, ha van szabály vagy nincs. Egyszerűen készíts valamit, ami legalább két perc vagy több, és mondjuk azt, hogy kész.

Ez egy alapvető lépés. Muszáj, hogy elsajátítsuk ezt a szokást, hogy a lehető legrövidebb időn belül befejezzük a dalunkat. Ha nem így teszünk, akkor annak az esélyét növeljük, hogy a későbbiekben sem leszünk képesek semmit befejezni.

Vonzó lehet a gondolat, hogy másokkal megosszuk a művünket, esetleg készítsünk egy SoundCloud fiókot, vagy posztoljuk a zenénket Youtube-ra. Kárt nem teszünk ezzel, de én nem ajánlom. Ez csak eltereli a figyelmünket, főleg a kezdeti fázisban

Második szakasz: Exponenciális tanulás

Idő: 6-24 hónap

A második szakasz az, ahol ez az egész folyamat igazán elkezdődik.  Elkezdesz rájönni a dolgok nyitjára és minden egyes zenéd jobban szól, mint az előző.

Ez a szakasz elég sokáig tart, általában 1-2 év, mire átvergődünk rajta. Egyeseknek lehet, hogy kevesebb lesz, főleg ha rengeteg időt tudunk ráfordítani. Másoknak lehet még tovább is, mint két év.

A második szakasznak azért exponenciális tanulás a neve, mert itt pontosan ez történik. A produceri képességeid exponenciális sebességgel fejlődnek. Itt egy illusztráció (igen ez nem exponenciális görbe, de a lényeget jól szemlélteti):

 

Ez egy izgalmas szakasz több okból is. Felnyitja a tekintetünket, és az elektronikus zene készítés végtelen tárháza nyílik meg számunkra. Ha meghallgatunk egy zenét, amit akár csak két héttel azelőtt készítettünk, egyből észre fogjuk venni, hogy mennyit fejlődtünk.

Ebben a szakaszban, vagy legalábbis az első pár hónapban, hétről hétre fogsz fejlődni, ha elég energiát fektetsz bele, és követed a 4 kulcsfontosságú pontot, amit alul felsoroltam:

Az alapok elsajátítása

Az első szakaszban már bizonyára megnéztél néhány tutorialt és elolvastál pár cikket. Valószínűleg a zeneelméletről is tudsz egy-két dolgot, és van már valami fogalmad arról is, hogy mit csinál az EQ.

Itt az ideje, hogy leüljünk és tovább fejlesszük az alapvető tudásunkat

  • Zeneelmélet
  • Felépítés & elrendezés
  • Mixing
  • Sound design

Fontossági sorrendben írtam le az imént a dolgokat, mert fontos, hogy megértsük, hogy ez egy igen mély és szerteágazó téma. Csak akkor érdemes elmerülni valamelyikbe igazán, ha nagyon jó okunk van rá. Komplex jazz elméletre valószínűleg nem lesz szükséged ahhoz, hogy ha csak néhány techno zenét szeretnél összedobni.

Zeneelmélet

A zeneelmélet ismerete elengedhetetlen annak ellenére, hogy van néhány producer, akinek fogalma sincs az egészről. Az elektronikus zenekészítés eltér a hagyományos zeneírástól, de attól még mindig zene, és az alapvető zenei koncepcióra épül. A zeneelmélet megtanulásának kihagyása talán az egyik legnagyobb probléma.

Általunk készített pár tutorial nagyon jól elmagyarázza az alapokat:


Felépítés & elrendezés

A felépítés és az elrendezés a másodlagos. Nincs értelme tudni, hogy hogyan rendezd el a zenei ötleteid, ha azt sem tudod, miként fektesd le őket.

Szerencsére az elektronikus zene egy kiszámítható és szabványrendszert követ. Erre példákat nem nagyon tudunk mutatni mivel ez a leghosszabb folyamat. Lehet gyakorolni még pedig úgy, hogy behúzunk kész zenéket a DAW-unkba és kielemezzük, vagy csak egyszerűen lopjuk ki és használjuk sajátunkként.

Mixing

Senki nem fog meghallgatni egy jól elkészített dalt, ami rosszul szól. Ezért fontos elsajátítani a mixelés alapjait.

Itt van néhány dolog, amit kezdésképpen ajánlanék:

Ha megtekinted ezeket, vagy csak néhányat közülük, akkor már elsajátíthatsz néhány értékes technikát, amit hasznosíthatsz is a munkafolyamatodban. Fontos, hogy a tanulás soha nem helyettesíti a gyakorlást, találjuk meg az aranyközép utat.

Fejezzük be gyorsan és gyakran

“Ahogyan Ira Glass mondta, a legjobb módja, hogy tökéletesítsük mesterségünk az az, hogy készítsünk sokat, és ne a legtökéletesebbre törekedjünk, hanem inkább sok kisebb darabra.”
Herbert Lui 

Egy csapda, amibe nagyon sok producer belesétál a második szakaszban a “tökéletes vagy mestermunka csapda”. Azt hiszik, hogy tökéleteset kell alkotniuk és arra kell fókuszálni, hogy mestermunkát végezniük.

A perfekcionista felfogás a második szakaszban nem csak gátolja a tanulási folyamatot, de az önbecsülésünket is lerombolja. Miért? Mert, ha túl magas elvárásokat állítasz fel magad elé a munkádban, és ha sikerül is elérned (ami nem valószínű), akkor is olyan tempóban fejlődsz, hogy két hét múlva már csalódást fog okozni a mesterműved.

Amire fókuszálni kéne, az inkább a befejezés. Nem csak egyet, hanem annyit, amennyit csak tudsz és lehetőleg minél gyakrabban.

Amikor a második szakaszban jártam, minden nap befejeztem egy zenét. Nem hangzottak jól, de minden nap, minden projekttel tanultam valami újat. A mennyiségre kell ebben a szakaszban fókuszálni, mert ha így teszel, akkor sokkal gyorsabban fogsz fejlődni.

Változatosság & további kísérletezés

A második szakaszban csábító lehet, hogy egy adott stílus mellett elköteleződjünk. Ez nem kifejezetten rossz dolog, de amit én ajánlok, hogy próbálj ki inkább minél többet.

Miért?

Mert sokkal gyorsabban fejlődsz. Például én dupsteppel kezdtem, és sokat tanultam a sound designról és a dob programozásról, amikor csináltam. Amikor Drum & Bass-t készítettem, akkor tovább fejlesztettem a dob programozást. Egy darabig techno-t és house-t készítettem, amik megtanítottak a groovera. Manapság a trance és a progressive house műfajban evezek, de hasznomra vált a többi stílusból szerzett tudás is.

Szóval, ha azt érzed, hogy stílust váltanál, akkor tedd meg és válts! Ne tartson vissza semmi!

Sound design

Ez szinte külőnálló műfaj a zeneíráson belül. Nagyon izgalma tud lenni, de teljesen el is lehet benne veszni. A különböző sávok bass, lead, pluck chord, hangok kikeverése külön tudomány. Ennek elsajátítása is egy hoszabb folyamat. Az alábbi videók segíthetnek nektek ebben!

Visszajelzés és kapcsolatgyűjtés

Ebben a szakaszban sok producer kezd el azon gondolkodni, hogy hogyan is kéne brandet építeni, és eladni magukat, valamint hogy miként szerezhetnének több követőt a SoundCloudon és így tovább.

Ez egyszerűen csak figyelemelterelés, és ha a második szakaszban ragadtál, akkor reménytelen próbálkozás is.

Annak ellenére, hogy nem kéne fórumokon spamelni a komment szekciót, Youtube-on a videók azt mondják, hogy te vagy a következő Martin Garrix, van néhány dolog, amit érdemes tenni a DAW-on kívül, ami előkészíti a jövőbeli sikereidet és gyorsítja a tanulásod, fejlődésed.

Az első, ha van néhány kész zenéd, akkor gyűjts be néhány visszajelzést az emberektől. Fontos, hogy más is hallja a munkád, mert ők esetleg rávilágíthatnak a gyengeségeidre. Például ha a mélytartományod minden zenédben túl hangos.

A második, amire fókuszálni kéne, hogy ismerkedj meg emberekkel a szakmában. Erre attól függetlenül is építeni kell, hogy mit csinálsz, mert a legjobb lehetőségek mindig a kapcsolatokból adódnak.

Ha szeretnél többet megtudni arról, hogy hogyan kapj visszajelzés arról, hogy milyen is a zenéd és hogyan építs ki kapcsolatokat, akkor ajánlom ezt az interjút.

Levi Whalen’s The Dance Music Maker’s Podcast (ugorj 48:00-ra, ha csak azt szeretnéd hallani, hogy mit mondtunk a kapcsolatokról és a visszajelzésekről)

Harmadik Szakasz: Alámerülés

Idő: 6-18 hónap

A harmadik szakasz a legnehezebb az elektronikus zenei producerek számára. Ha a szerencsés 1%-ba tartozol, akkor talán nem mész keresztül a harmadik szakaszon.

De valószínűleg át fogsz rajta esni. A legtöbb ember átesik.

A szomorú valóság az, hogy a legtöbb ember feladja, amikor eléri a harmadik szakaszt. A munka kezd egyre nehezebbé válni, és egyre több időt emészt fel. Leülsz dolgozni, hogy készíts valamit és halogatásba fullad az egész, vagy elkezdesz valami könnyebb, szórakoztatóbb dolgot csinálni.

Szerencsére a harmadik szakasz se tart örökké, és vannak technikák, hogy lerövidítsük a benne eltöltött időt.

Megbirkózás a túlterheltséggel

Az első dolog, amit muszáj megtenned, ha a harmadik szakaszba érkeztél, hogy megbirkózz a túlterheltség érzésével.

Garantálom, hogy túlterheltnek érzed magad, ha elakadtál a harmadik szakaszban. Már a gondolatától is túlterheltnek érzed magad, hogy nem dolgozol annyit, amennyit régen, vagy attól amennyi munkát bele kell fektetni egy komoly zene befejezésébe.

Bármikor, ha ezt érzed meg kell fordítani az érzéseidet és felül kell kerekedni rajta. Van egy ezer éves produktivitási technika, ami segít, hogy ezt kivitelezd. Ezt úgy hívják, hogy a nagy projekt kis feladatokra történő bontása.

Például, ha túlterhelt vagy a sok munkától, amit a zenére fordítottál, akkor bontsd kisebb elemekre az adott részt. Elsőként fókuszálj a melódiára. Ha ezzel kész vagy lépj a következő feladatra. Ez segít, hogy legyőzd a túlterheltség érzését.

 

Találj ki valami célt/motivációt

A legfőbb indok, amiért az emberek feladják ebben a szakaszban az az, hogy elveszítik a szenvedélyt, ami az elején megvolt.

Pedig a szenvedély az egyetlen mozgatórugója. Ez tagadhatatlan. De vannak időszakok, amikor ezt nehéz érezni, észrevenni. Ezért érdemes két dolgot kitalálni: a következő célt és egy mindent átölelő motivációt, hogy miért is írunk zenét.

A következő cél lehet az is, hogy kiadunk egy EP-t. Ez a következő „nagy” dolog a listádon, és ezért dolgozol tovább aktívan. De egy cél önmagában még nem elég, ezért van szükség egy másodlagos okra is.

Az én két okom, hogy azért írok zenét, mert szeretem, a második pedig az, hogy ez segít abban, hogy embereknek megtanítsam hogyan is tudnak zenét írni. A nehéz időkben, amikor frusztráltnak érzem magam, és nem érzem annyira, hogy szeretek zenét írni, akkor mindig belekapaszkodok a második indokba, és emlékeztet arra, hogy több okom is van rá, hogy folytassam a zenélést.

Tanuld meg, miként tudod átvészelni a kreatív problémákat!

A harmadik dolog, amit muszáj megtanulni ebben a szakaszban, az a kreatív problémák leküzdése. Meg fogod tapasztalni őket, mindenki megtapasztalja.

Legyél következetes és türelmes!

Hiába teszünk meg mindent, a harmadik szakasz így is-úgyis sokáig fog tartani.

Ez egy természetes szakasza a művészek útjának, egyszerűen nem lehet elkerülni. Meg kell tanulni ezzel az érzéssel együtt élni, mielőtt beléphetsz a negyedik szakaszba.

Nincs semmi varázslat, amivel a harmadik szakasz kényelmesebbé tehető. Ez eredendően kényelmetlen és a természetéből adódóan-folyamatos gyötrődés. Ez azt jelenti, hogy következetesnek és legfőképpen türelmesnek kell lenned.

A következetesség számít, mert nélküle soha nem jutsz túl a harmadik szakaszon. A következetesség azt jelenti, hogy szokásokat kell kialakítani. Ezek a szokások fognak átsegíteni azokon az időkön, amikor az inspiráció kámforrá válik. A harmadik szakaszban érdemes lefektetni egy alapvető beosztást. Például „minden nap leülök 30 percre zenét írni történjék bármi”, vagy „30 naponta legalább egy zenét befejezek és megjelentetek”.

A türelem is nagyon fontos. Muszáj megérteni, hogy a harmadik szakasz nem tart örökké, de nem rövid. Még akkor sem, ha nem látod a fényt az alagút végén. El kell hinni, hogy ott van és kész, várni kell (és dolgozni-dolgozni, minél többet, mert magától nem fog soha semmi bekövetkezni).


tumblr_static_kevin_at_work

Negyedik szakasz : Jártasság

Idő: 2-5 év

Nehéz kijelölni, hogy hol ér véget a harmadik szakasz, és hol kezdődik a negyedik, mert elég nagy az átfedés. Azt viszont tudni fogod, hogy mikor vagy túl a nehezén. A negyedik szakasz az utolsó szakasz az ötödik előtt, ami azt jelenti, hogy még itt is aktívan kell tanulni, fejlődni és javítani a munka minőségén.

A negyedik szakasz tipikusan éveket ölel fel. Fontos megérteni, hogy arról az időről beszélek, amikor jártasból kiválóvá válunk a szakmánkban. A legtöbb ember elismeri, hogy körülbelül 10 évre van szükség, hogy profivá váljunk bármilyen téren, “világ klasszis” szintet érjünk el.

Az hogy a negyedik szakasz 2-5 évig tart nem jelenti azt, hogy ebben a 2-5 évben ne válhatnánk akár jó, vagy remek producerré. Simán lehet karriert építeni a negyedik szakaszban is.

  1. Haladó tanulás és remake-elés

Ebben a szakaszban még jobban el kéne sajátítani az alap koncepciót, és egy képet kell alkotni, hogy a különböző ágak milyen kapcsolatban állnak egymással.

De itt az ideje mélyebbre menni. Ennél a pontnál már aktuálisabb a komplex jazz elmélettel foglalkozni, mint a másodikban.

 

Ha jobban érdekel a sound design, akkor érdemes a téma fizikai oldalát behatóbban tanulmányozni, hogy az adott hangformák miért szólnak úgy, ahogy. Ha a mixing részét szereted, akkor érdemes elmenni egy stúdióba gyakornoknak, vagy olvass el a témában pár könyvet.

Remake-elés (egy kész zene lemásolása)

Eljön az a pont, ahol már a szükséges könyveken és videókon átrágtad magad, és túl kell lépned az általános válaszokon, hogy árnyaltabb praktikákat és trükköket sajátíts el.

A legjobb módja ennek, hogy olyan művészektől tanulj, akik jobbak nálad.  Mindenkinek páratlan és egyedi gondolataik vannak, ebből következik, hogy mindenki zenéje másképp lesz egyedi.

Hogyan tudunk másoktól tanulni? Elemezzük ki a zenéjüket. A legjobb, ha remake-et készítünk. A remake készítés rákényszerít arra, hogy aktívan hallgassuk a zenét. Arra kényszerít, hogy új ötleteket próbálj ki és problémákat oldj meg. Arra ösztökél, hogy gondolkodj és gondolkodj arról, hogy mit hallasz, és hogy csinálták.

Kollaboráció

Előnyös lehet ebben a szakaszban a kollaborációra is fókuszálni. Dolgozhatunk egy másik producerrel, vokalistával vagy zenésszel. Több okból is hasznos lehet együttműködni:

  • tippeket, trükköket sajátíthatunk el más művészektől, producerektől
  • megtanulhatunk másokkal együtt dolgozni és ötleteket közvetíteni
  • megtanulhatunk kompromisszumokat kötni
  • hasonló gondolkodású emberekkel ismerkedünk meg
  • a másik előadó hallgatósága is megismerkedik a nevünkkel

Nincs arra kifogás, hogy ne működj együtt másokkal. Ha olyan helyen élsz, ahol senki nem készít zenét, akkor is összedolgozhatsz mással az interneten keresztül. Ha az interneten sincs ismerősöd, aki zenét készítene, akkor ne lustálkodj és csatlakozz  ((EDMProd Artist Community)) és kérdezd meg hogy nincs e kedve valakinek társulni hozzád.

Karrier utak

Ez opcionális, mert nem mindenki akar karriert építeni producerként. Lehet, hogy szereted a munkádat és csak hobbiból készítesz zenét.

De merem állítani, hogy sokatok azért olvassa ezt, mert zenész karriert szeretne építeni. Annak ellenére, amit az emberek mondanak, rengeteg karrier lehetőség áll fenn a képzett zenei producereknek. Lehetnek:

  • Zenészek
  • Végezhetnek szabadúszó munkát
  • Audió editálás
  • Sound design
  • Ghostolás
  • Filmes és kereskedelmi munka
  • Oktatás
  • Sample pack és egyéb produktum gyártás

Egyértelműen vannak még egyéb munkák is. Én csak arra szeretnék rávilágítani, hogy nem az Ultra Mainstage az egyetlen lehetőség.

Fontos megjegyezni, hogy azok, akik elérik az utolsó szintet, azért teszik, mert teljes időben azon dolgoznak, hogy tökéletesítsék a képességeiket. Ha a 10,000 órás szabályt vesszük alapul (nem érdekel, hogy mennyire tudományos), akkor 10 éveken keresztül legalább napi 3 órát kell dolgozni.

Napi 3 órában foglalkozni egy 9-5-ös állásban nem egyszerű. Elérheted az ötödik szintet, de ez természetesen nem egyszerű.

Ötödik szint: Kiválóság

Az utolsó szintet csak kevesen érik el. A kiválóságot úgy definiáljuk általánosságban, hogy amikor valamit már olyan sokáig gyakoroltál akkor tudatalattivá válik a cselekvés. Erőfeszítés nélkül tudunk zenét írni.

Ilyen elektronikus zenei mesterek szerintem: BT, Above & Beyond, Mat Zo, Koan Sound és így tovább.

Fontos megjegyezni, hogy én sem értem el még ezt a szintet, szóval minden, amit ezután ajánlok az tisztán csak megfigyelésen alapul, és azon, hogy én mit tennék ebben a szakaszban.

Mély kísérletezés

Miután mesteri szintre fejlesztetted magad és minden, amit készítesz, az minőséget képvisel, akkor jön el az innováció ideje.

A mély kísérletezés arról szól, hogy felrúgjuk az eddig kialakított szabályokat, és változtassunk a munkamenetünkön. Mesterként meg kell kérdőjelezni a feltételezéseinket és a produkciós folyamatunkat. Ez a legjobb módja a kivitelezésnek? Mi lesz, ha ezt így csinálom?

A profik kísérleteznek, mert már tudják, hogy mi fog történni, ha változtatnak. Ebből adódóan a kísérleteik jó eséllyel sikeresebbek lesznek, mint egy második szintbéli társaiké.

Gyakran ezek áttörésekhez is vezetnek. Talán egy új mixelési technika vagy komponálási metódus. Talán egy új típusú zenei struktúra. A zene folyamatosan fejlődik és a mesterek ennek a mozgatórugói.

Elágazás

Ha ezt a szintet elérjük, valószínűleg új kihívásokat fogunk keresni. Például elkezdünk akusztikát tanulni, vagy komoly zenét.  Több irányba elágazunk, és nem csak azért, mert ez segíti a produceri munkánkat, hanem mert érdekel is minket.

Vezetővé válás

Mesterként vezetővé válhatsz, ha csak nem vagy remete. Talán azért mert úttörő vagy, talán azért mert kitaláltál egy új stílust, ami híres lesz. Ki tudja?

Még a mestereknek is folyamatosan tanulnia kell.

Konklúzió

Hogy végigjárjuk az összes szakaszt sok időbe kerül. De megéri? Keresztülmenni a harmadik szakaszon megtapasztalva a sok kreatív gyötrődést? Megéri órákat belefektetni a tanulásba?

Csak te tudsz erre válaszolni. Én tudom a saját válaszom.

Ranek

Forrás http://edmprod.com/5-stages/

 

 

5+1 tipp kezdő producereknek

A sample packokról presetekről!

A sample packok vagy magyarul hangminta packok remek lehetőségeket adnak a kezdő producereknek, ahhoz, hogy inspirálódjanak és könynedén elekezdhessenek egy tracket. Nem ritka, hogy profi producerek is minőségi sample packból kiválogatott loopokból kezdik el producer munkájukat felépíteni. Azonban sokan beleesnek abba a hibába, hogy szinte csak össze ollózzák a trackeket emiatt tucat számokat hoznak létre, ami karrierjük szempontjából nem túl előnyős. Ezért a Sonic Schoolba egyik legfontosabb feladatunknak tartjuk a szintetizátorok olyan szintű megimsertetését, amivel könnyedén személyre szabhatjátok a meglévő vagy vasárolt presetjeiteket. Az egyediség egyik legfőbb ismérve, hogy tudjuk használni eszközeinket és meglévő hangokból valami újat tudjunk alkotni.

seven-deadly-sample-packs

Dinamika és hangerő

Az egyik legtöbbet vitatott téma a hangerő nagyság és dinamikai kompresszió. A dinamika lényegében egy zenei mű leghalkabb és leghangosabb hangja közötti távolságot jelenti. A mai zenei kultúra a hangos zenéket részesíti előnyben. Ennek senki nem tudja a pontos okát de minnél tisztább és hangosabb egy zene annál kelendőbb. Manapság a kompresszió extrém mértékeket öltött az újabb és újabb kompresszorok maximazerek szinte 0-ra redukálják a dinamikáját a mai zenéknek. Ettől függetlenül a kezdők egyik legnagyobb problémája, hogy rosszul állítják és használják a kompresszorokat ezért vagy egyáltalán nem kompresszálnak vagy túlzott kompressziót hoznak létre. Az egyik leggyakoribb hiba, hogy ahova kellene kompresszió ott nem használnak ahova pedig nem kellene rögtön három kompresszort is raknak. A legfontosabb kérdés amit fel kell kompresszor használtakor tenned, hogy szűkséges-e a kompresszió? Vajon a hangerő növekedés és dinamika csökkenés kedvezően befolyásolja-e a produkciónkat vagy csak temészetellenesen szétlapítja azt. Nagyon fontos, hogy a kompresszor használat megtanulása éveket vesz igénybe. A Sonic Schoolban megtanítjuk a kompresszor megfelelő használatát, de pontos használatához a hallásodnak el kell érnie azt a küszöböt, amivel már könnyedén megállapítod mi a jó és rossz kompresszió közötti különbség.

A limiterek

A kompresszorokkal ellentétben a limiterek lényege, hogy a küszöbérték felett (treshold) nem engedi át a hangerőt. Másképpen az úgynevezett 0 decibel felé sosem engedi a szignált. Így folyamatosan tudjuk erősíteni egy szignál hangerejét anélkül, hogy digitális clippelés jönne létre. Azonban, egy bizonyos szint után elmosodnak tranziensek az egész track csak egy torzított massza lesz. Ezért érdemes nagyobb figyelmet fordítania különböző limiter típusok irányába. Próbáljatok ki több gyártó álltal kínált limitert. Észre fogjátok venni mennyire megváltozik egy-egy zene dinamikája és hangereje bizonyos limiterek hatására.

limiter

Hangolás/tuning

Egyik fontos dolog a mai zeneírásban a megfelelő harmónia menet. Ugyan vannak stílusok amik ettől elrugaszkodnak és direkt diszonáns hangokat hoznak létre pl Future bass, Bass House. Azonban a jóminőségű zene ismérve megfelelő harmónia menet. Ne legyél lusta a doboknál cineknél tapsoknál ugyanúgy fontos a megfelelő hangmagasság(pitch) mint az összes többi hangszernél.

Ha lábdobod(kick) rossz hangmagasságod van EQ-uzhatod nap estig sosem fog összepasszolni basszus meneteddel. A megfelelő harmónia menet kialakítása a lekeverést is nagyban megkönyíti. Ha nem tudod éppen milyen hangmagasságon szólal meg egy adott hangszer akkor használj spektrum analizereket vagy Tuner pluginokat ezekkel játszva megállapíthatod, hogy milyen hangamgasságon van egy adott hangszer és könnyen korrigálhatod azt.

Tudatos választás

Manapság annyi elérhető profi eszköz fellehető a piacon, hogy bőség zavara igenis valós probléma. Az egyik legtipikusabb hiba amit egy kezdő producer elkövethet, hogy megvesz minden eszközt ami elsőre megtetszik neki. Ez azért probléma mert sok eszközben sokkal több lakozik, mint, amit gyártók beletápláltak.  A kevesebb néha több ebbe szakmában fokozottan megállja a helyét. 3-4 szintetizátor bőven elég egy egész életre. Ez nem azt jelenti, hogy ne probálj ki többet viszont érdemes egy két szintetizátort mélységeiben megismerni. Amit viszont tanácsolni tudok, hogy ha nagyon elakadtok egy számmal, akkor érdemes egy új szintetizátort vagy hangminta vagy preset packot kipróbáni sokszor átud lendítni bárki egy új hangzás kipróbálása.

ableton-main

Az analizis paradoxon!

Ez a jelenség nálam is előszokott fordulni. A lényege az hogy elkészítesz egy témát vagy egy menetet és oda vissza játszod (loopolod), majd várod a csodát. Elemezgeted vizsgálgatod és arra vársz, hogy történjen valami, jöjjön egy impulzos ami beindítja a kreatív folyamatot. Viszont pont ez a túlzott elemzés gátol majd téged abba, hogy folytasd a trackedet. Egyetlen megoldás van erre a problémára, probálkozz, de ne elemezgess túl sokágig egy dolgot, mert könnyen leragadhatsz egy öteletnél. Ha viszont végképp nem jön az ihlet, akkor ne örlődj a dolgon, kezdj új projektet. Félreértés ne essék, nem mindenki tudja előre mit szeretne létrehozni. Nem mindenkinek jelenik meg  a fejében a következő projekt refrénje. Én sem ezek közé a producerek közé tartozom. Nálam az ihlet általában ,akkor jön, amikor elkezdek össze-vissza tekergetni vagy véletlenszerűen hangjegyeket leütni. Szerencsés esetben a fülem elkap egy-egy menetet onnatól már tudom mit szeretnék csinálni. Szóval ne add fel ne hidd, hogy tehetségtelen vagy lehet te is pont ilyen producer vagy.

 

Inbetween

Tetszett a poszt érdekel a zeneszerkesztés? Akkor jelentkezz iskolánkba!